Você tem medo de quê? Você tem ódio de quê?

Foto: Zema Ribeiro

 

​Duas portas de rolo são levantadas e de trás delas saem duas travestis a se somar à que​​ já está no palco — ao todo são seis em cena. Teatro, canto, dança e música conduzem os espectadores por seu universo.

A rua, a noite, o medo. O bullying na infância, o preconceito dentro e fora de casa, da família, a violência. Paisagens e temas que compõem a vida de qualquer travesti.

Quem tem medo de travesti, de Silvero Pereira e Jezebel De Carli, é um exercício de pensar em como lidamos com o diferente, uma peça urgente diante da licença para matar minorias traduzida na política armamentista do governo federal.

Mulher Barbada, Denis Lacerda, Patrícia Dawson, Diego Salvador, Ítalo Lopes e Verònica Valenttino em cena travestem-se várias vezes. O figurino, de Antônio Rabadan, é um luxo. Os jogos de sombras ajudam a descortinar as várias situações de uma população em geral enxergada como sub-cidadã (inclusive, ou principalmente, pela hipocrisia dos “cidadãos de bem” que desfrutam de seus serviços). O texto joga luz sobre esse grupo vulnerável, que mais que invisível, é alvo fácil do ódio.

A dramaturgia conduz à reflexão mas consegue fazer sorrir, fazendo-se valer de piadas do universo homoafetivo, sem nunca precisar descambar para o politicamente incorreto, além do pajubá, o código linguístico particular da população LGBTQI+ (mas não só), que tanto incomodou o homofóbico presidente da república ao ser tema de questão do último Enem.

Medo é uma palavra central em Quem tem medo de travesti. Nem sempre travestis podem perdê-lo antes de tombarem, vítimas da violência, agora infelizmente legitimada. Mas o espectador pode perder seu medo e ir assistir o espetáculo.

Serviço

A circulação de Quem tem medo de travesti integra o projeto Travestis Itinerantes, do Coletivo Artístico As Travestidas, selecionado pelo programa Rumos, do Instituto Itaú Cultural, e conta com mesa redonda, oficina e encenação. Hoje, às 20h, no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande) acontece a última apresentação em São Luís. Os ingressos custam R$ 20,00 (meia para estudantes com carteira: R$ 10,00). Daqui o grupo segue para Belém/PA (dias 20 e 21 de maio na Estação Gasômetro) e Imperatriz/MA (25 e 26 de maio, no Teatro do Sesc Palmas).

Você tem medo de travesti?

Coletivo Artístico As Travestidas se apresenta em São Luís. Homem de vícios antigos conversou com exclusividade com o diretor Silvero Pereira.

Cena de Quem tem medo de travesti. Foto: Leonardo Pequiar

O espetáculo Quem tem medo de travesti está em circulação pelo Brasil e este mês chega a Belém/PA, Imperatriz/MA e Palmas/TO – depois de São Luís (entre amanhã e quinta-feira, 16). Segundo o material de divulgação, as cidades foram escolhidas pelos altos índices de violência contra a população LGBTQI+.

O Coletivo Artístico As Travestidas está em circulação com o projeto Travestis Itinerantes, contemplado no edital do programa Rumos, do Itaú Cultural. O espetáculo é escrito e dirigido pelo ator e pesquisador cearense Silvero Pereira e pela professora e diretora gaúcha Jezebel De Carli.

A agenda do grupo na capital maranhense tem início amanhã (14), às 9h, com a mesa de debate “Os corpos dissidentes na cena contemporânea: tombamentos e dissoluções em normas de gênero”, que acontece no Teatro de Bolso do Centro de Ciências Humanas da Universidade Federal do Maranhão (CCH/Ufma). À tarde e noite (das 14h às 21h), no mesmo local, acontece a oficina “Procedimentos técnicos em atuação, dramaturgia e encenação do Coletivo As Travestidas”.

Quem tem medo de travesti será apresentado dias quarta (15) e quinta-feira (16), às 20h, no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande). Os ingressos, à venda no local, custam R$ 20,00 (meia para estudantes: R$ 10,00).

Silvero Pereira não virá à São Luís: está a caminho de Cannes, no elenco de Bacurau, de Kléber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, único filme brasileiro a concorrer na mostra oficial do prestigiado festival.

Ele conversou com exclusividade com Homem de vícios antigos.

O diretor Silvero Pereira. Foto: divulgação

Vamos começar pelo título do espetáculo que chega à São Luís: Quem tem medo de travesti. A homofobia é ódio, mas esse ódio parte do medo, não sei se você concorda. A seu ver, quais as razões desse medo e desse ódio?
Silvero Pereira: A gente trabalha o título a partir da definição da palavra “medo”, que é exatamente o fato do não conhecer, ou seja, do pré-conceito. Muito do que temos é a violência provocada por falta de conhecimento, por ignorância e, principalmente, falta de políticas públicas que trabalhem o respeito às questões de gênero e diversidade na família, na escola e na sociedade em geral.

Tua dramaturgia, desde BR-Trans, é baseada em tristes estatísticas e acaba misturando arte e política. Na sua opinião é dever do artista fazer do fazer artístico um fazer político também?
Não consigo pensar em arte sem ação político-social. Fui criado e arrebatado por ela desta forma e só me sinto artista quando consigo subir no palco pra provocar e questionar a sociedade. Arte não é instrumento de transformação social, isso depende do espectador que aprecia e decide se o que vou mostrar muda, ou não, algo em sua vida. Acredito na arte como manifestação de provocação.

As ações do atual governo brasileiro são desastrosas em todos os campos, mas sobretudo no cultural e no social, com o desmonte de estruturas como o Ministério da Cultura e os conselhos de direitos, que eram os canais de participação social. Como você tem acompanhado esse cenário?
Desastroso e cheio de retrocesso. Uma nação sem uma cultura, arte e educação solidificadas jamais conseguirá evoluir no trabalho, saúde, relações humanas, judiciária e legislativa. A cultura e a arte são processos fundamentais na formação humana de uma nação.

Depois de BR-Trans você fez novela na Globo [ele interpretou Nonato em A força do querer, de Gloria Perez]. Acredita que a visibilidade que você adquiriu favorece a causa pela qual você milita?
Sim! A TV me possibilitou alcançar mais pessoas e poder ajudar, por meio da minha militância e arte, desconstruir paradigmas, enfrentar preconceitos e reduzir violências.

Sua peça vai ser apresentada em São Luís, mas você está indo a Cannes…
Infelizmente não estarei nessa etapa de São Luís, pois estou de partida para o Festival de Cannes, onde estou no elenco de Bacurau, filme de Kléber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, o único filme brasileiro a concorrer na mostra oficial. É um grande ato estar presente nesse festival e neste momento em que a cultura se vê tão devastada por um governo e aclamada mundialmente através do audiovisual. Não poderia perder esse feito! Reencontro o Coletivo As Travestidas nas etapas Belém, Imperatriz e Palmas.

Além do elenco, já que BR-Trans é um solo, que diferenças e aproximações você destacaria entre aquele espetáculo e Quem tem medo de travesti?
Quem tem medo de travesti é uma espécie de continuação de BR-Trans, pois eles trazem as experiências de encenação, dramaturgia e atuação que, hoje, configuram as pesquisas do Coletivo As Travestidas. Quem tem medo de travesti é um trabalho cheio de questões reais e que parte da multimídia, música, teatro, dança e musical, variando entre o trágico e cômico.

Desconstrução

Max Silva e Marcê Porena se entregam a Chico Buarque. Foto: Zema Ribeiro

 

Que Chico Buarque de Holanda é um dos maiores gênios da chamada música popular brasileira disso ninguém tem dúvida. Quer dizer, num país em que a ignorância dita as regras e o whatsapp virou noticiário, alguns têm dúvida, sim. Mas, na verdade, Chico nunca foi unanimidade, basta lembrarmos a recorrente pergunta: “Chico ou Caetano?”.

Depois de mais de 50 anos de carreira e o mesmo período alinhado a ideais de esquerda, filho de sociólogo, amigo pessoal de Lula, autor de músicas censuradas durante a ditadura militar iniciada com o golpe de 1964 e ativo personagem na campanha pelas Diretas Já!, um punhado de fãs (ou ex-fãs?) descobriu que o coração de Chico é vermelho como o sangue que pulsa em suas veias, da cor que costumeiramente representa o espectro político que se alinha do lado em que sempre esteve o compositor. Ou seja: atualmente, Chico é menos unanimidade ainda.

Chicólatras são tão fanáticos quanto raulmaníacos. Prova disso foi o que fez o público presente à apresentação do duo Nu’zs, ontem (9), no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande): apesar de mais de três quartos das canções apresentadas pelo ex-integrante dO Terço Max Silva (guitarra e programações) e Marcê Porena (voz) fazerem jus ao título do espetáculo – Chico Buarque: um outro olhar – a plateia cantou junto, bateu palmas, vibrou, pediu mais um.

Max e Marcê trajam ternos sóbrios e as novas roupagens com que vestem as músicas literalmente desconstroem o que por vezes está configurado em nossa memória afetiva, no inconsciente coletivo. A pegada eletrônica leva o público a outro olhar, outra audição.

O duo é um casal, para além do palco, o que garante a intimidade no ponto certo, sem vulgaridade, para alguns exercícios teatrais, para além da música, em canções como Terezinha, O meu amor, Folhetim, Sob medida. Em pouco mais de uma hora de apresentação o que não faltam são clássicos.

“Foi difícil escolher o repertório. A gente começou com 13 canções, mas não havia como não aumentar isso. A questão é que Chico Buarque só tem clássicos”, revelou Max. “Esse show é para inspirar vocês a beijar na boca. Pra mim bastou uma música do Chico e hoje eu sou casada e estou no palco com alguém que ama Chico”, Marcê revelou a intimidade.

Às vezes a guitarra de Max parecia ofuscada pela programação eletrônica, mas ele compensou o problema, por exemplo, na versão voz e guitarra de As vitrines. Em História de uma gata (versão de Chico Buarque para a música de Luis Enriquez Bacalov e Sergio Bardotti), da trilha sonora de Os saltimbancos, Marcê deitou no chão e evocou a felina personagem com seus miados. Dedicou a canção a Miúcha, irmã de Chico, uma das vozes da gravação original, recém-falecida.

Um dos maiores momentos do espetáculo foram as releituras de Apesar de você e Cálice (parceria de Chico com Gilberto Gil), cantada no bis, à capela, por uma Marcê deitada no palco, com alusões a uma provável queda da atual ditadura que governa o país.

Antes de cantar a saideira, perguntaram à plateia, que não decepcionou: “vamos cantar a única parceria de Chico Buarque com Sivuca, sabem qual é?”, e foram de João e Maria, após a resposta. Encerraram a apresentação aos gritos, vindos do palco e da plateia, de “Fora Bolsonaro!”, “Lula livre!” e “Viva Flávio Dino!”.

Marcê ainda entoou os versos iniciais de Carcará (João do Vale e José Cândido), reafirmando sua adoração por João do Vale, n/o que também se relaciona com Chico Buarque. Quem precisa de unanimidade quando se está ao lado de quem importa?

Serviço

O duo Nu’zs apresenta o espetáculo Chico Buarque: um outro olhar hoje (10), às 20h30, no Teatro do Boi (R. Rui Barbosa, 339, Matadouro), em Teresina/PI.

A força das mulheres cantando o Brasil

Foto: Zema Ribeiro

 

São impressionantes a qualidade e o entrosamento da Orquestra Guajajaras, em atividade apenas desde agosto de 2018. O show apresentado ontem (9), no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), foi uma prova da vitória de um esforço coletivo que, embora recente, já mostra a que veio.

A Orquestra Guajajaras surge “da admiração pela consagrada formação instrumental das big bands e da paixão pela renovação estética empreendida pelas orquestras de baile brasileiras na primeira metade do século XX, das quais a Tabajara”, sua irmã de rima, “foi a mais conhecida e longeva”, em atividade até hoje – as aspas são do texto lido pelo mestre de cerimônias da noite, o cantor Fernando de Carvalho.

A Orquestra Guajajaras é formada por Ricardo Mendes, Emerson de Paula, Danilo Santos, Lucas Lima e Paulo Rafael (saxofones), Hugo Carafunim, Evandro Maia, Daniel Cavalcante e Gabriel Oliveira (trompetes), Elder Ferreira, Daniel Miranda, Adrian Ferreira e Sidney Diniz (trombones), Rafael Bruno (contrabaixo), Anselmo Rômulo (violão), Ronald Nascimento (bateria) e Wesley Sousa (piano).

A noite musical – dedicada inteiramente a repertório brasileiro – começou pela instrumental Brooklyn High (Nelson Faria), a única música que a orquestra tocou sem uma convidada no palco. O show chamava-se Orquestra Guajajaras e Elas e podia ser entendido como uma espécie de prolongamento das celebrações às mulheres pelo mês de março.

10 cantoras maranhenses de todas as gerações e timbres desfilaram um repertório impecável – difícil até elogiar pontos altos em uma apresentação que tampouco pode ser considerada uniforme diante das particularidades dos talentos de cada convidada. No fundo do palco, o telão exibia fotografias das cantoras e de outras grandes mulheres da história: Annah Harendt, Chiquinha Gonzaga, Janis Joplin, Malala Yousafzai, Maria da Penha, Maria Firmina dos Reis e Simone de Beauvoir, entre outras.

A primeira a subir ao palco foi Bruna Lussaray, que interpretou Maçã, de Djavan, o autor mais interpretado da noite, autor da peça seguinte, Açaí, interpretada por Adriana Bosaipo. Um problema técnico tirou o piano elétrico de Wesley Sousa de cena e enquanto isto se ajustava, ele continuou cumprindo seu papel de anunciar as próximas músicas e intérpretes, fazendo-lhes as devidas e merecidas referências e reverências.

A troca de elogios entre cantoras e orquestra era sincera. Elas eram unanimes em reconhecer a importância da iniciativa da orquestra e de o público prestigiar tal iniciativa – o Teatro Alcione Nazaré estava completamente lotado.

Após cantar Viagem de novembro (Erasmo Dibell), Regiane Araújo revelou o quanto foi difícil fazê-lo sem o piano de Wesley, que seria substituído na sequência. Ele chamou Anna Cláudia, paraense radicada no Maranhão há mais de 20 anos, recomendando: “ela tem um disco lindão no spotify, quem não conhece está pecando”, disse, referindo-se a Bons ventos, segundo disco da carreira da cantora, que interpretou Papel marché (João Bosco e Capinam).

Com o piano devidamente trocado, Wesley pode participar do momento seguinte, em que à sua exceção, todos os músicos da orquestra se retiram do palco e ele dueta com o violino de Thaynara Oliveira em Beatriz (Edu Lobo e Chico Buarque). “Ela sempre chora nessa música, vamos ver hoje”, provocou, mas ela aguentou firme, até seus agradecimentos.

Milla Camões arriscou uns passos de dança na síncope de Capim, de Djavan, cuja letra cita de raspão o “tronco do juremá” dO canto da ema de João do Vale (com Ayres Viana e Alventino Cavalcante), metáfora-síntese para as camadas descortinadas ao longo do espetáculo. Tudo isso antes de Gabriela Marques por toda sua exuberância à prova em Dindi (Tom Jobim e Aloysio de Oliveira), não perdendo o prumo nem na única (ligeira) microfonia da noite.

Ao revelar que a Orquestra Guajajaras está trabalhando em seu disco de estreia, antecipou que uma das faixas do repertório será Flanelinha de avião (Cesar Teixeira). Revelou ainda que não conhecia Milena Mendonça, tendo topado convidá-la por indicação de outros dois integrantes da orquestra: deve ter sido a cantora que mais causou reações no público, sendo aplaudida de pé no meio da música. A cantora interpreta Maria Bethânia no musical João do Vale – o gênio improvável e recomendou ao público valorizar a arte produzida no Maranhão, “para que a gente possa fazer aqui, para vocês, e não tenha que ir para lá, fazer só para eles”, afirmou, aludindo ao fluxo migratório a que Gianfrancesco Guarnieri e Carlos Lyra se referiam em Missa agrária – que Bethânia gravou junto ao Carcará (João do Vale e José Cândido) em seu disco de estreia – e que durante tanto tempo foi regra para o sucesso de artistas nascidos maranhenses.

A Célia Maria pediu aplausos e tratou de diva, tudo merecido. Engraçadíssima, chegou fazendo o povo rir, embora estivesse sendo apenas modesta, virtude das grandes: “maravilhosos são eles”, disse ao público, referindo-se aos músicos que a acompanhariam em As rosas não falam (Cartola) – nem errando a letra ela se apequena.

Tássia Campos brilhou em Ladeira da preguiça (Gilberto Gil), dançou e arrematou o discurso unânime: “todos nós estamos aqui por amor à música. Prestigiem e valorizem iniciativas como essa, por que nós, além de fazermos com profissionalismo, fazemos com amor”. Como dizem os tabeliães: o referido é verdade e dou fé.

Encerrando o espetáculo, Maria Maria (Milton Nascimento e Fernando Brant) foi entoada por todas juntas no palco, traduzindo a grandeza de cada uma, colocando a letra no plural: essas mulheres são dons, certas magias, forças, sons, cores, suores, as doses mais fortes.

Um palhaço brasileiro

Foto: Zema Ribeiro

 

​”Era uma vez uma boca de fumo. Nessa boca de fumo havia drogas e doces. Chapeuzinho Vermelho encheu uma cesta de doces, botou na garupa de sua bizinha para levar para a vovó e saiu pilotando pela floresta. No meio do caminho apareceu o lobo. “O que tem na garupa, Chapeuzinho?”, perguntou. “Doces para a vovó”. “Me dá a metade?”. “Não posso, são para a vovó”. O lobo insistiu, pedindo quantidades menores, até arrematar: “Se você não me der os doces, eu pego um atalho, chego antes de você na casa da vovó, mato ela e toco o terror em você; todo mundo conhece a história, vem o caçador e me mata. Dois homicídios por causa de um punhado de doces. É isso que você quer para sua vida?”.

O palhaço Klaus (Márcio Douglas) atualiza a história infantil para os perigosos ares que o Brasil respira no momento. Para bom entendedor, uma fábula basta. Foi longamente aplaudido pelo ótimo público presente ao Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), onde foi apresentado ontem (24) o espetáculo da La Cascata Cia. Cômica, de São José dos Campos/SP, integrando a programação do Palco Giratório, do Sesc. E arrematou, irônico, para a plateia novamente irromper em aplausos: “isso sim é uma história infantil: ninguém morre!”.

Klaus é um palhaço aposentado. No monólogo tragicômico ele compartilha sua experiência animando festas infantis. O palhaço é uma metáfora: alvo de toda sorte de preconceitos e violência. Politicamente incorreto, a personagem bebe e fuma em cena. Beira o desalento. Logo de cara, adverte: “quem está em busca de algo lúdico, algo mágico, pode ir embora”. Soa cruel, mas é apenas sincero.

Animo festas, o espetáculo, se vale do universo infantil para debater temas em torno das relações de trabalho: qualificação, violência, preconceito, assédio, direitos. E também realização e felicidade: não à toa a pergunta “você é feliz?” aparece diversas vezes no texto, dirigida ao palhaço, quando ele relata encontros com pessoas diversas após as festas.

Hábil ao embrulhar estes questionamentos no “inocente” mundo das crianças, Klaus provoca gargalhadas na plateia durante o espetáculo inteiro. Beira o nonsense quando, por exemplo, saca um canivete ao ameaçar as “crianças” (dois adultos escolhidos aleatoriamente em meio ao público) para que deixem a aniversariante (outra adulta idem) vencer o jogo da dança das cadeiras – quando joga luz sobre outro assunto em voga no Brasil: a corrupção.

“Todo DJ é um “filha” da puta”, provoca: “a gente pede uma música, ele sempre toca outra. O DJ é aquele cara que não aprendeu a tocar um instrumento, mas teve dinheiro pra comprar o equipamento”, ataca. Provocar é uma especialidade de Klaus, que vai parar numa penitenciária após provocar um policial. É outra história em que se equilibra entre o hilariante e a denúncia social, a debater a questão carcerária, tema sempre urgente e quase sempre escamoteado, não apenas no período eleitoral.

Vez por outra, a palavra palhaço é injustamente usada como xingamento. Klaus define a si mesmo como um palhaço profissional. Ousa peitar contratantes, aniversariantes e quem mais achar que deve em nome de sua dignidade, que não desaparece sob uma camada de tinta e maquiagem. Ao contrário de muitos (não apenas palhaços) que se deixam tanger como gado para o abatedouro, ele dá um importante alerta a quem, por ação ou omissão, em nome de valores no mínimo dúbios, se arrisca a abdicar de seus próprios direitos. Klaus é brasileiro e se reinventa para existir e resistir.

Serviço

O grupo La Cascata Cia. Cômica apresenta hoje (25), às 17h, o espetáculo Precisa-se de um mané, no Cine Teatro Aldo Leite (Palacete Gentil Braga, Rua Grande, 782, Centro). A entrada é gratuita. A programação integra o projeto Palco Giratório, do Sesc.

Homenagem aos Racionais Mc’s denuncia racismo e violência contra a população negra no Brasil

Foto: Zema Ribeiro

 

​Logo que o espectador mais atento adentra o teatro, lê, distribuída em três das seis placas que representam corpos negros: “por qu​​e o senhor atirou em mim?”. A pergunta, com um último exercício de respeito – referir-se ao próprio assassino chamando-o de senhor – é possivelmente a última coisa dita por mais gente do que sonha a nossa vã filosofia. No cenário, casebres emulam uma favela.

Os dois atos de Farinha com açúcar ou Sobre a sustança de meninos e homens invertem a ordem da vida curta de boa parte da população de favelas e ocupações urbanas do tipo, habitadas majoritariamente por negros: começa pela morte, categorizando-a entre morte morrida (de causas “naturais”, por exemplo uma cirrose contraída diante da falta de perspectivas de vida) e morte matada (assassinatos, muitas vezes camuflados sob o eufemismo “auto de resistência”, uma espécie de carta branca para matar dadas às polícias).

Farinha com açúcar ou Sobre a sustança de meninos e homens baseia-se em estudos feitos a partir de entrevistas realizadas com 12 homens pretos, como o próprio texto, espécie de libreto ao vivo, anuncia logo na introdução da peça, misto de teatro, música, poesia e dança. 12 homens pretos de diversas faixas etárias e ocupações, o mais conhecido deles KL Jay, DJ do grupo de rap Racionais Mc’s, afinal de contas homenageado pela peça e seu inspirador.

O texto, narrado e encenado por Jé Oliveira, é acompanhado de uma banda formada por (da esquerda para a direita) Raphael Moreira (pianos e mpc), Melvin Santhana (guitarras, violão e voz), dj Tano (Záfrica Brasil, dj residente), Fernando Alabê (percussão e bateria) e Cássio Martins (contrabaixo), que encorpa o que ele diz/denuncia, de forma contundente, sustança sonora, cênica, poética, política.

Peça urgente e necessária, sobretudo no momento conturbado que o país atravessa. O extermínio da juventude negra, habitante das periferias, de algum modo legitimado pelos poderes constituídos (meios de comunicação inclusos), é o tema central do debate. O Coletivo Negro é se São Paulo, a intervenção militar vige no Rio de Janeiro, mas esta chaga social não é “privilégio” de um ou outro estado do sudeste.

Jé Oliveira questiona em cena, os assassinatos dos cinco jovens em um carro branco, 111 tiros, apenas por que eram pretos, antes questiona o massacre do Carandiru, quando (coincidência?) 111 presos foram assassinados pela polícia paulista. Ainda que fossem bandidos, será que mereciam?, indaga o texto da peça, de sua autoria, duro, seco, sem meias palavras, perpassando a formação social do Brasil. Com as roupas que vai vestindo ao longo do espetáculo, o narrador simula a fragilidade de corpos mortos, vítimas da violência urbana que tem os pretos como alvo preferencial. Recorta um microcosmo como a explicar boa parte do país: um tio seu ergueu um primeiro barraco há algum tempo, dando origem a um conjunto de seis favelas, para onde vieram, a reboque, todos os outros parentes, abandonando as roças em Minas Gerais, tentar melhor sorte em São Paulo, cidade grande, sede do Coletivo Negro, berço dos Racionais Mc’s e ainda sonho, mesmo hoje em dia, de muita gente que vislumbra uma vida melhor.

Foto: Zema Ribeiro

A trilha da peça mistura gravações com temas tocados ao vivo e também traça uma espécie de linha evolutiva que desemboca em Racionais Mc’s. Enquanto Jé Oliveira desce do palco e distribui copos descartáveis com farinha e açúcar, que circulam de mão em mão com a plateia provando a iguaria, o dj Tano emula um baile em que tocam Hyldon, Cassiano, Tim Maia, Jorge Ben e Jackson’s Five, entre outras influências sem as quais o grupo de rap, ou o próprio rap brasileiro não existiriam. Também nisto passam uma mensagem: não só no campo cultural a mão de obra negra foi, desde sempre fundamental para a construção do país, literalmente, embora quase nunca valorizada como deveria. É contraditório amarmos nossos ídolos negros, sobretudo na música e no esporte, e sermos racistas. Em meio a tudo isso, uma homenagem a Marielle Franco, vereadora carioca assassinada há mais de sete meses. O crime permanece impune – ela também era negra.

Foto: Zema Ribeiro

Arte é política e os integrantes do Coletivo Negro sabem que estarão mais do que nunca na alça de mira num eventual governo Bolsonaro. Manifestam-se sem meias palavras contra o candidato neonazista, enquanto pequenos canhões de luz projetam nas paredes a frase “todo poder ao povo”, síntese que une o líder negro Martin Luther King e a Constituição brasileira de 1988. Há ainda homenagem a Carlos Marighella, enquanto toda a boca de cena é coberta por uma enorme faixa com a frase “O nosso júri é racional, não falha: não somos fãs de canalhas”. Imaginei os esgares de Sérgio Sá Leitão, ministro da Cultura de Michel Temer, caso assistisse a peça – ele recentemente criticou o ex-Pink Floyd por seu posicionamento político explicitado em shows recentes no Brasil. O inglês também manifestou-se contra o candidato pesselista, projetando a #elenão em um telão gigante – ontem a plateia bradou “ele não” em uníssono, diante da postura corajosa de Jé Oliveira.

Farinha com açúcar ou Sobre a sustança de meninos e homens foi apresentada ontem (21), no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), na programação do Palco Giratório, rede de intercâmbio em artes cênicas do Sesc. A programação completa desta etapa pode ser conferida no site do Sesc MA. Hoje os integrantes do Coletivo Negro participam de bate-papo, às 18h30, na sede da Pequena Companhia de Teatro (Rua do Giz, 295, Praia Grande). Toda a programação do Palco Giratório tem entrada gratuita.

Divulgação

Há 32 anos o sol se levanta para o Teatrodança

No próximo dia 30 (sábado), às 19h, o grupo Teatrodança apresenta três performances no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande). A entrada é franca, mas doações são aceitas, conforme avisa o material de divulgação, que promete gengibaça, uma mistura de cachaça com gengibre, ao público presente.

Trata-se da celebração pelos 32 anos do grupo. Não à toa Trinta e dois é o nome de uma das performances, por Alex Costa, Eline Cunha e Thayliana Leite. As outras são Ilhadas, por Júlia Emília, e TRANSgressão, por Victor Vihen. A jornalista Talita Guimarães (editora do blogue Ensaios em foco e idealizadora e coordenadora do projeto Literatura Mútua, de que Júlia Emília já foi convidada) abrirá a noite, com Menestréis, um misto de performance e cerimonial.

As performances são espécies de “resumos” dos espetáculos homônimos. Somadas têm duração média de 45 minutos. Resumindo-as, em possíveis sinopses, temos Ilhadas como um exercício de preservação de memória e a construção de uma crítica que investiga dramaturgias com as matrizes das expressões populares maranhenses, TRANSgressão abordando a violência contra quem não se enquadra nos ditos padrões de gênero (em pleno século XXI) e Trinta e dois é, também segundo o material de divulgação, um “musical performático que remete ao trabalho, arte e vida do grupo Teatrodança”.

Sobre o grupo Teatrodança, sua trajetória e a comemoração de seus 32 anos, Júlia Emília falou com exclusividade a Homem de vícios antigos.

A artista em performance durante lançamento carioca de Vivendo Teatrodança. Ao fundo, o percussionista maranhense radicado no Rio de Janeiro Cacau Amaral. Foto: Julia Araújo/ Faculdade Angel Vianna

Júlia, são 32 anos de grupo Teatrodança. Um aniversário nunca é apenas um aniversário. Qual a sensação de chegar até aqui?
Contentamento pela resistência, mas melancolia pelo destrato em situações que nos tornam ainda mais vulneráveis.

Para festejar vocês apresentarão três esquetes, de espetáculos que marcaram a trajetória do grupo, “enxutos” especialmente para a ocasião. Como se deu essa seleção?
Pelo repertório disponível. Inicialmente pensamos no trabalho novo sobre o permanente extermínio das culturas da compaixão e alteridade. Depois que era melhor fazermos um painel das propostas do Teatrodança. Separamos dois trabalhos performáticos elaborados a partir do que chamamos de “dança-denúncia”. Inicia com Ilhadas, processo sobre a violência contra o feminino, e segue com TRANSgressão, que retrata o preconceito que aniquila, e terminamos com Trinta e dois, apresentando nossa proposta de combinar drama, sonoridade e cena. Aí teremos Eline Cunha em toda sua versatilidade.

Você recentemente realizou lançamentos de Vivendo Teatrodança, livro que aborda a trajetória do grupo, publicado há dois anos, no Rio de Janeiro. Como foram os eventos e a receptividade do público por lá?
Boa parte de minha vida se passou no Rio de Janeiro. A formação, a profissionalização como artista, minha obra prima que é meu filho foi concebida e nasceu lá. Precisava voltar para homenagear seres humanos importantes nos meus esforços e sonhos. Incrível foi vê-los presentes nos lançamentos, poder realizar as intervenções, conversar e abraçar cada uma. Houve momentos inesperados. Fui procurada ano passado pelo biógrafo de Ferreira Gullar na montagem da exposição no Museu de Arte Moderna. Conversa vai e vem me convidou para participar do Terça Converso, no teatro Gláucio Gil. Maravilhoso estar tão perto de poetas e escritores de variadas procedências. E voltar para o local da Mestra Angel Vianna, que abriu espaços para criadores inquietos e insatisfeitos, preocupados em encarnar as realidades e visões oníricas. Rever o mestre Luiz Carlos Vasconcelos, refinado em sua arte dramatúrgica, as organizações e coletivos com quem trabalhei. Trânsito lindo! Encarnação próspera!

O grupo Teatrodança é muito identificado com você: quando falamos em Teatrodança já visualizamos o rosto de Júlia Emília e vice-versa. Como é a organização do grupo e quem o integra atualmente?
Visualize o corpo inteiro. Quem nos abandona é a dança. Eu passo. Ela fica. Nesta vida persisto como virose. Luto pelo que acredito. Forço entendimentos nos quais ninguém está pensando. Por exemplo, quando trabalhei com Julia Varley, outra mestra maior, percebi sua briga pelo lugar do feminino como dramaturga, e comprei a briga. Basta observar na ilha. Outra: faço parcerias com quem aceita. Passe os olhos em nossa trajetória e vai encontrar de tudo. No final dos anos 1990 fechei a Oficina do Corpo e corri mundos. De lá para cá trabalho em periferias. Atualmente a Associação Cultural foi acolhida pelo Centro Ozaka, parceiro saudável e amigo. Mais antigos nos processos temos Eline Cunha, musicista-atriz-dançarina, Thayliana Leite, Alex Costa, capoeiristas, dançarinos, pesquisadores. Recentes temos Angelo Gonzaga e Victor Vihen, tônus ascendentes para o que virá.

No Brasil vivemos tempos sombrios, e as adversidades atingem direta, frontal e fortemente o campo das artes, seja com a diminuição de recursos, o descaso com as políticas públicas de cultura e, mais recentemente, as trevas, com o cancelamento de exposição por atentado à moral e aos bons costumes. Como você avalia este contexto?
Quando a Oficina foi fechada coreografamos Maiakovsky: “necessariamente todo dia o sol se levanta”. E com Gregório de Matos decidi, quando montei Espirais, em 2004, que trabalharíamos corpo como imperativo de autenticidade e cena para discussão dos problemas coletivos. Entristeço muito em ver as atitudes de fuga, de apatia, de desmonte. Sem forças contra o poder do capital, que nos tornou um país dependente, leiloado, destruído e espoliado. O sabor amargo do conservadorismo pós-modernista infecta as veias latino-americanas, Galeano que o diga. São martirizadas as culturas que resistem em salvar, amar, preservar. Elas veem o futuro. Temos de fortificar a imaginação em busca do poder, sem lamentações. Embargam hoje, amanhã se expõe, se dança nu e põe tarja, coreografa de novo. A cena para além da representação. Minha compaixão irada vai para quem produz mediocridades. Mulher bárbara é o nosso tempo que sobre nós se abate. E eu sou uma. Porque virão outros depois de nós…

E como você imagina a existência e atuação do grupo Teatrodança pelos próximos 32 anos?
Se ele conseguir sobreviver ao próximo ano elevo gratidão aos Protetores!

Os reencontros de Demétrio Bogéa

Doce pecado. Capa. Reprodução

O cantor e compositor Demétrio Bogéa estreia turnê nacional de lançamento de seu disco Doce pecado hoje, amanhã e domingo, em São Luís. Professor de música, só agora, aposentado, ele pode dedicar-se aos shows de lançamento do álbum lançado em 2011.

As apresentações, gratuitas, acontecem no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), às 20h (domingo, 29, às 19h). A retirada dos ingressos será feita na bilheteria do teatro, com uma hora de antecedência do espetáculo.

Doce pecado terá shows de lançamento também no Rio de Janeiro e Recife/PE. Demétrio Bogéa será acompanhado por Deniel Moraes (bateria), Leonardo Paes (baixo), Dennes Sousa (guitarras), Gregory (teclado) e Hugo Coelho (violão e vocais).

As apresentações serão marcadas por reencontros: o artista volta à terra natal e contará com as participações especiais de Sérgio Habibe, Gerude e Nosly. Os dois primeiros participaram do show inaugural de Demétrio Bogéa em São Luís, acontecido em 1983 no Teatro Arthur Azevedo.

Ouça Doce pecado na Rádio Uol.

Ponto de Vista mostrará e discutirá produção teatral universitária no Maranhão

Com um curso de licenciatura na área, a Universidade Federal do Maranhão (UFMA) realizará entre os próximos dias 10 a 14 de junho seu I Festival Universitário de Teatro. Batizado de Ponto de Vista, é o que o mesmo pretende apresentar, integrando as comunidades acadêmica e não acadêmica.

“O objetivo do Festival é a difusão das pesquisas da cena teatral na universidade, a fruição artística, o apuro estético e a prática extensiva entre alunos/as, professores/as e comunidade”, reza o release.

O Festival Universitário Ponto de Vista acontecerá no Centro de Ciências Humanas (CCH), no Campus Universitário do Bacanga, e no Teatro Alcione Nazaré, no Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande. No primeiro espaço ficará concentrada a programação mais, digamos, acadêmica (embora também aberta ao público em geral): mesas redondas, oficinas artísticas, palestras e lançamentos de livros; no segundo, a mostra artística do festival, com encenações com entrada franca.

A coordenação é da professora Michelle Cabral e a programação completa e maiores informações podem ser acessadas na página do festival.

Lauande Aires se aquece para turnê

O talentoso Lauande Aires reapresenta o aclamado O miolo da estória, em curta temporada no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande). Os ingressos podem ser trocados por um quilo de alimento não perecível, na bilheteria do teatro, uma hora antes do espetáculo. Os alimentos arrecadados serão destinados ao programa Mesa Brasil, do SESC.

Esta curta temporada em São Luís será uma espécie de aquecimento. Depois dela, o artista circulará por 32 cidades brasileiras com o espetáculo, começando por Fortaleza/CE, dia 13 de abril, integrando o projeto Palco Giratório, também do SESC.

Há algum tempo entrevistei o dramaturgo para o Vias de Fato, justo sobre O miolo da estória. Releia o papo.

Resultado do I Festival de Poesia do Papoético

Este blogue já foi procurado por sua caixa de comentários, e-mail e telefone, acerca do assunto que intitula o post. Na condição de porta-voz do citado festival, desde o lançamento de seu regulamento, não podemos nos furtar de pendurar aqui seu resultado.

Infelizmente não pude comparecer ao Teatro Alcione Nazaré anteontem (31/5), ocasião em que aconteceu a final. No e-mail em que me enviou o resultado, o poeta Paulo Melo Sousa, organizador da iniciativa, agradeceu “a presença de todos ao evento que lotou o teatro e aos amigos e parceiros que acreditaram na
ideia e colaboraram com o festival, comprando pontos das rifas ou realizando doações em dinheiro”.

A partir de 8 de junho, os 21 poemas finalistas serão publicados, um por semana, na coluna Alça de Mira, que Paulão edita desde 2006 no suplemento JP Turismo, do Jornal Pequeno, às sextas-feiras. Saiba quem foram os vencedores.

Melhores Poemas: Ante o espelho, de Rodrigo Pereira (1º. lugar, R$ 1.000,00 em dinheiro); Poética, de Kissyan Castro (2º. lugar, R$ 500,00 em livros); e Desencontro, de João Cobelo Foti (3º. lugar, R$ 300,00 em livros).

Melhores intérpretes: Keyla Santana, interpretando o poema Alfama, de César Borralho (1º. lugar, R$ 500,00 em dinheiro); Nuno Lilah Lisboa, interpretando o poema Eu comi Oswald de Andrade, de Kátia Dias (2º. lugar, R$ 300,00 em livros); e Roberto Froes, interpretando o poema Flor caída, de Sílvio Rayol (3º. lugar, R$ 200,00 em livros).

A Comissão Julgadora de Melhores Poemas conferiu ainda menção de
destaque para quatro textos concorrentes: Alfama, de César Borralho;
Uma faca só lâmina, de André Rios; Bagagem, de Rafael de Oliveira; e Paisagem Vertigem, de Elias Ricardo de Souza.

Em breve a aba [PAPOÉTICO], que abrigou regulamento, ficha de inscrições e notícias sobre o I Festival de Poesia do Papoético – Prêmio Maranhão Sobrinho, dará lugar à em que se publicará tudo sobre o concurso de fotopoesia, com lançamento previsto para muito em breve.

Papoético premiará hoje vencedores de seu I Festival de Poesia

Dos 110 inscritos, 21 poemas concorrem hoje na final do I Festival de Poesia do Papoético – Prêmio Maranhão Sobrinho, organizado pelo poeta e jornalista Paulo Melo Sousa. Os poetas Celso Borges e Josoaldo Rego compuseram a comissão julgadora da categoria, que terá ainda Mariano Costa e Gilson César julgando as interpretações, na noite de hoje. O evento, com entrada franca, terá início às 19h, no Teatro Alcione Nazaré, no Centro de Criatividade Odylo Costa, filho (Praia Grande).

Doações, em dinheiro e produtos culturais, e rifas garantiram os quase 3 mil reais necessários à realização do festival, fruto da necessidade de expansão dos encontros semanais do Papoético, onde se discute cultura e arte de modo geral, embora o espaço não se furte a debater temas outros, qual quando abrigou o lançamento da Campanha Estadual de Combate à Tortura, organizada pela Sociedade Maranhense de Direitos Humanos (SMDH) e outras entidades da sociedade civil, em 22 de março, data em que o bárbaro assassinato do artista popular Jeremias Pereira da Sivla, o Gerô, completou cinco anos.

Cato da matéria Noite de premiação para a literatura (acesso exclusivo para assinantes do jornal, com senha), capa do caderno Alternativo no jornal O Estado do Maranhão de hoje (31), o seguinte depoimento de Paulão, como é mais conhecido o organizador do Papoético, de seu festival de poesia e de um concurso de fotografia que será lançado hoje, com inscrições abertas a partir de amanhã (1º.): “Infelizmente o que temos é uma omissão dos poderes públicos, dos quais não conseguimos nenhum apoio. No entanto, recebemos apoio de pessoas que acreditam na proposta, na literatura, na arte como instrumento transformador”.

Este blogue acompanhou o processo de perto: cedeu seu espaço ao abrigar em uma aba regulamento e ficha de inscrição para o festival, esteve presente a algumas edições do Papoético, acompanhou por e-mail cada agradecimento que Paulão enviava a cada um que doou livros, revistas, discos, dinheiro, aos que, como o blogueiro, compraram pontos de duas rifas realizadas e por aí vai. Além de um gesto de educação e gratidão, a garantia da transparência e lisura do processo.

Tardios e recalcados ufanistas ainda se orgulham de dizer que moram na Athenas Brasileira, embora já quase não se encontrem livrarias e lojas de discos por aqui. Gestores públicos ainda se orgulham de adjetivos que talvez já não façam sentido (se é que um dia o fizeram), à guisa de propagandear aos quatro(centos) ventos a beleza exclusividade televisiva da cidade quatrocentona. Um festival como o que se encerra hoje, que busca descobrir novos talentos, valorizar a tão propagada “terra de poetas”, é solenemente ignorado pelos poderes públicos: ao pedido de apoio do comitê organizador ao Comitê Gestor dos 400 anos de São Luís sequer (h)ouve resposta.

Este blogue continua aliado a iniciativas desta natureza: amanhã a aba [PAPOÉTICO], onde você encontra, por exemplo, a lista dos 21 poemas classificados para a final de logo mais à noite, será trocada por outra que trará regulamento, ficha de inscrição e notícias acerca do concurso de fotografia que será lançado hoje. Para 2012 está previsto ainda um concurso de contos, que este blogue também divulgará em momento oportuno. “Após a premiação, haverá comemoração no Chico Discos”, avisa Paulão.

DoBrado ResSonante na Ilha

Chico Saldanha e Josias Sobrinho reapresentam, em São Luís, show que estrearam em Brasília mês passado. A causa é boa: um concurso de fotografia que em breve será anunciado pelos teimosos, graças a Deus!, organizadores do Papoético, os mesmos que realizaram seu I Festival de Poesia, cuja final acontece amanhã (31), no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), de graça, às 19h.

A renda do show será revertida para o citado concurso de fotografia. Faça parte dessa história e ajude a realizá-lo. O show acontece no Bar Chico Discos, onde cabem confortavelmente 60 pessoas. Garanta o seu antecipadamente, detalhes na imagem que ilustra este post.

Poetas sem intérpretes

Trago da caixa de comentários deste blogue para a página principal a lista de poemas classificados para a finalíssima do I Festival de Poesia do Papoético – Prêmio Maranhão Sobrinho. Quem já conhece a lista abaixo (poeta/ poema), já viu se foi classificado ou não etc., pode ir direto pro fim da notícia.

Kissyan Castro/ Poética
Glenda Almeida Matos Moreira/ Arrudêia
Darlan Rodrigo Sbrana/ O lagarto e a serpente
Luciano Leite da Silva/ Spleen (ou Ossuário das coisas sonhadas)
Kátia Dias/ Eu comi Oswald de Andrade
Kaique Leonnes de Sousa Oliveira/ O gavião
Danyllo Santos Araújo/ Sumidouros
Plynio Thalison Alves Nava/ As lesmas
Johnny Sorato Martins Fernandes/ Gota d’água
Sílvio Henrique dos Santos Rayol/ Flor caída
José Rafael de Oliveira/ Bagagem
Joana Golin Alves/ Copo de chuva
Andréia do Nascimento Cavalcante/ Tarde de sábado
Wilka Sales de Barros/ A fome no jardim das delícias
Antonio José de Souza/ Sombra e luz
Elias Ricardo de Souza/ Paisagem vertigem
Patricia Brito Soares/ Ah quem me dera!
João Cobelo Foti/ Desencontro
César Borralho/ Alfama
Rodrigo Pereira/ Ante o espelho
André Rios/ Uma faca só lâmina

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