Uma banda é um mundo inteiro

O saxofonista Ney Platt sola em “Dengoso” (Manoel Alves e Marcelo Jardim). Foto: Zema Ribeiro

 

Quando o maestro Jean Gonçalves comenta o fato de que as rádios só tocam música comercial é que nos damos conta do quão escondidos estão verdadeiros tesouros musicais, oriundos de outras práticas, caso dos repertórios das bandas sinfônicas que ora circulam o país pelo projeto Sesc Sonora Brasil – em São Luís, até amanhã (27), sempre às 17h, no Anfiteatro Beto Bittencourt (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), com entrada franca.

A Sociedade Musical União Josefense, oriunda do município de São José, na região da grande Florianópolis, em Santa Catarina, completará em novembro próximo 142 anos de atividades – o que volta a nos dar dimensão dessa invisibilidade: se pensarmos na banda mais antiga em atividade no Brasil, por exemplo, certamente nos virá à cabeça um grupo de rock ou samba.

O regente e seus 11 músicos apresentaram um concerto didático, passeando por diversas fases da trajetória das bandas de música no Brasil, formações que dialogam diretamente com as fileiras militares – o exército brasileiro é uma grande escola – e religiosas – qualquer pessoa, sobretudo os de mais idade, lembrará de uma banda tocando em procissões e festejos. Como o próprio Jean Gonçalves lembrou que havia visto duas cortando as ruas de São Luís desde que chegou à ilha, no dia anterior.

Em ordem alfabética, Artur José Fernandes (trombone), Braion Jhonny Zabel (clarinete), Cristiano Canabarro Forte (percussão), Gabriel dos Santos Guimarães (bombardino), Jean Carlos da Silva Rodrigues (trompete), Jean Leiria (percussão), João Geraldo Salvador Filho (tuba), João Paulo Trierwaller (trompete), Ney Platt (saxofone alto), Rui Gilvano da Silva (clarinete) e Vinícius Inácio Nery (flauta e flautim), sob regência de Jean Gonçalves, apresentaram peças como Jubileu, composta por Anacleto de Medeiros em homenagem aos 50 anos do Corpo de Bombeiros fluminense, tendo sido um dos primeiros dobrados registrados em disco no país, no início do século passado.

Fé cristã, de Osmildo Delvan, escancarou as relações destas “formações e repertórios” – tema da segunda parte do biênio 2017/2018 do circuito Sonora Brasil, que ano passado proporcionou a circulação de quatro grupos de coco – com a religiosidade e, consequentemente, sua relação com as comunidades, com procissões percorrendo ruas de localidades diversas, unindo o sacro (a missa, por exemplo) e o profano (os bailes, quermesses).

Royal Cinema é uma peça escrita pelo maestro potiguar Tonheca Dantas por encomenda do proprietário do cinema homônimo, que queria um tema para abrir as sessões. Com Cabaçal, maracatu e baião, João Victor Barroso conquistou o segundo lugar no Prêmio Alberto Nepomuceno de música para formação de bandas, do estado do Ceará. A composição é de 2016, a atestar a renovação de grupos e formações e a necessidade de valorização, já que, ao longo dos anos, muitas bandas têm deixado de existir, devido a dificuldades de manutenção.

Um projeto de circulação guarda também encontros inusitados: foi assim com a participação especial do trombonista Feitosa Jr., que já integrou o grupo quando serviu o exército em Santa Catarina. Ele participou da execução de Pelotão cívico 14 BC, de autoria do maestro Jean Gonçalves.

Com uma plateia formada majoritariamente por músicos, a apresentação ao por do sol transformou-se numa grande roda, reunindo os membros da Sociedade Musical União Josefense e alunos do projeto Sesc Musicar, que vem revelando talentos ao longo dos últimos anos em São Luís, entre outros instrumentistas que prestigiavam a apresentação, na meia lua da pequena ágora. “Vamos tocar Dois corações (Pedro Salgado), que é uma música que todo músico de banda conhece, agradecendo a presença do maestro Rogério Francisco, da Corporação Musical Cemadipe [que se apresenta hoje, 26], que veio nos prestigiar, e já pedindo desculpas por dar um pequeno spoiler de sua apresentação, já que essa música está no repertório deles”, anunciou Jean Gonçalves.

“Dois corações” a unir músicos da plateia aos do palco, encerrando a apresentação. Foto: Zema Ribeiro

Ainda queima a esperança

A lona do circo da Turma do Biribinha. Foto: Zema Ribeiro

 

Termina amanhã (17) em São Luís a programação do Sesc Circo.

Na programação do Palco Giratório, que antecedeu o Sesc Circo, vi um espetáculo, quinta-feira passada (12), intitulado Magia. Era da Companhia Teatral Turma do Biribinha, de Alagoas, e unia, com simplicidade e competência, os ambientes mágicos do circo e do cinema.

Teófanes Antônio Leite da Silveira, o palhaço Biribinha, completa 60 anos de carreira em 2018. Em Magia, convida pessoas da plateia a interagir com ele no palco, longe de qualquer possibilidade de constrangimento – não faltaram, aliás, candidatos, sob a lona absolutamente lotada.

O espetáculo é um conjunto de esquetes que homenageiam do Gene Kelly de Cantando na chuva ao Charlie Chaplin de tantos clássicos do cinema mudo, passando também pelo universo do faroeste, entre outros.

Diversão e risos garantidos, além de uma viagem à infância e ao universo lúdico do picadeiro, de que o palhaço é senhor absoluto, ainda mais no caso de Biribinha de Arapiraca.

Com classificação indicativa livre, havia muitas crianças na plateia, mas criança não anda só. A determinada altura, enquanto agradecia os que participavam de um esquete e recrutava outros para o próximo, disse a um jovem que deixava o palco: “desça! E leve o Temer junto!”, para gargalhada geral.

Há quem ache que arte e política não se misturam e este que vos perturba mesmo chegou a ver quem tentasse censurar os poetas Celso Borges e Fernando Abreu pela Noite Lula Livre, que realizaram na quinta anterior (5), no Chico Discos, vendendo pôsteres com poemas de sua autoria aludindo ao sequestro político do líder das intenções de voto em qualquer pesquisa eleitoral – ambos estão no livro Lula Livre, que sai este mês, organizado por Ademir Assunção e Marcelino Freire, com entre outros, Aldir Blanc, Augusto de Campos, Caco Galhardo, Carlos Rennó, Chico César, Frei Betto, Juvenal Pereira, Laerte e Xico Sá.

Há quem pense que tergiverso e mude de assunto. Não. A Turma do Biribinha e a palavra que dá título a seu espetáculo tiveram mesmo a capacidade de encher de esperança (roubei o título de um antigo sucesso de Raul Seixas na voz de Diana) os ludovicenses que (ainda) creem na arte e na política – juntas ou separadas: durante o tempo em que estiveram na cidade, armaram literalmente um circo (onde Magia foi apresentado) ao lado do Terminal de Integração da Praia Grande, relembrando o saudoso Circo Cultural Nelson Brito, o Circo da Cidade, para os íntimos, retirado da população no fim do mandato do ex-prefeito João Castelo (1937-2016) e nunca devolvido.

Um concerto brasileiríssimo

A pianista Rose Mary Fontoura e o Instrumental Pixinguinha. Foto: divulgação

 

Um bom público se fez presente ontem (7) ao Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), onde, pouco depois das 18h aconteceu mais uma edição do projeto Concertos Sesc Partituras.

Na ocasião as atrações eram a pianista Rose Mary Fontoura e os bambas do Instrumental Pixinguinha: João Neto (flauta), Nonatinho (pandeiro), Raimundo Luiz (bandolim), Juca do Cavaco e Domingos Santos (violão sete cordas).

O grupo já existe há 27 anos, embora sua formação tenha variado desde então e a história é bastante conhecida: formado nos corredores da Escola de Música do Estado do Maranhão Lilah Lisboa de Araújo (Emem), o Instrumental Pixinguinha foi o primeiro grupo maranhense a dedicar um disco inteiramente ao choro: Choros maranhenses (2005) reúne composições de seus integrantes e pérolas de mestres já falecidos, todos nascidos no Maranhão.

O repertório do concerto foi executado sem amplificação, apenas com o som natural dos instrumentos, como é a proposta original de projetos como o Concertos Sesc Partituras e o Sonora Brasil. Dividido em duas partes, a apresentação, no primeiro momento, revezava os integrantes do Instrumental Pixinguinha em duos com a também professora da Emem Rose Mary Fontoura, como na valsa Zinha (Patápio Silva), que abriu o espetáculo com ela acompanhada pela flauta de João Neto – na sequência, outra composição de Patápio Silva com a mesma formação, Serenata d’amore.

Raimundo Luiz (bandolim) e Domingos Santos (violão sete cordas) executaram Rios (Paulinho Martins). “Carlos Gomes, um dos maiores compositores brasileiros em todos os tempos”, reverenciou o professor Raimundo Luiz, ao duetar com Rose Mary Fontoura em Al chiaro di luna.

Depois foi a vez de ela ficar sozinha no palco e interpretar duas peças de “uma mulher que eu admiro bastante, uma mulher à frente de seu tempo”, como enfatizou ao anunciar Chiquinha Gonzaga e suas Atraente, mais pulsante, e Tamoio, de andamento mais lento, como ela mesmo indicou – a confessada influência é perceptível na maestria de suas execuções.

O dueto de bandolim e violão sete cordas se repetiu no baião Minha terra, de Jorge Cardoso – bandolinista que é uma das atrações da temporada 2017 do projeto RicoChoro ComVida na Praça, cuja edição inicial acontece no próximo dia 20 (sexta-feira), às 19h, no Anfiteatro Betto Bittencourt, no mesmo Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, tendo como atrações o dj Pedro Sobrinho, o Regional Deu Branco e o encontro de gerações de Josias Sobrinho e Tiago Máci, voltamos à nossa programação normal.

Outra peça de Chiquinha Gonzaga encerrou o primeiro bloco da apresentação: o Candomblé, de visível influência africana, executada por Rose Mary Fontoura (piano), Nonatinho (pandeiro) e João Neto (flauta e pífano).

A segunda parte do concerto concentrou-se em uma pequena amostra do repertório de Choros maranhenses, único disco do Instrumental Pixinguinha lançado até aqui. “Estas músicas, nossas, ainda não estão no site do Sesc, mas nós já estamos providenciando. Aí qualquer um vai poder executar”, anunciou Raimundo Luiz, referindo-se ao acervo do site Sesc Partituras, em que está disponível para download a maior parte das peças executadas no concerto de ontem.

O quinteto começou por Lembro-me de você assim, feita por Juca do Cavaco em homenagem a seu falecido sogro – ele cumprimentou a esposa, na plateia, antes do início da execução –, tocando, na sequência, Miritibano (Domingos Santos), choro autobiográfico – o título é o gentílico de Miritiba, hoje Humberto de Campos, no interior do Maranhão, terra natal do autor –, e Elegante (Raimundo Luiz), antes da qual o pedagógico Juca do Cavaco fez deferências à Rádio Universidade FM, “a 106,9”, enfatizou a frequência, em cujo prêmio anual a música foi vencedora há alguns anos e por cuja frequência vai ao ar, nas manhãs de domingos, o Chorinhos e Chorões, do qual Juca é ouvinte assíduo e virou bordão, apresentado por Ricarte Almeida Santos, “um dos maiores batalhadores pelo choro em nosso estado”.

Talvez o momento de maior emoção do concerto tenha sido a execução, pelos seis músicos, do belo Choro axixaense, do compositor José Maria Fontoura, pai da pianista e autor da melodia do hino daquele município da região do Munim – a letra do hino é da poeta Mary Silva Fontoura, sua mãe.

Rose Mary Fontoura e o Instrumental Pixinguinha foram aplaudidos de pé por uma plateia em êxtase. Ainda de pé, a pianista anunciou o bis: Chiquinha Gonzaga voltava a aparecer, com Gaúcho, com a pianista novamente acompanhada do grupo completo. Um fecho sublime para um concerto de repertório brasileiríssimo, que dá algumas provas a quem porventura insista em duvidar: há plateia para a música que não encontra espaço em grandes meios de comunicação; vivos ou falecidos, nossos mestres não devem nada a ninguém em termos de qualidade; e é preciso investir cada vez mais em projetos/espaços de fruição como o Sesc Partituras.

Reinventando o cinema e a cidade

Diversas exposições foram inauguradas ontem (26) em São Luís. Entre o bom público presente em dois espaços mais ou menos recentes da cidade, o comentário de alguém falando em algo como uma renovação da força das artes visuais por estas bandas. Faz sentido.

O ET de Spielberg recriado pelo traço de Davi Coelho. Reprodução

Na Sala de Exposições do Condomínio Fecomércio Sesc Senac, Edifício Guimarães e Souza (Av. dos Holandeses, Calhau), a exposição Cinema em cartoon, de Davi Coelho, desenhista talentoso, mais conhecido no cenário cultural maranhense como crítico de cinema, entre outras frentes de atuação.

80 desenhos, alguns já vendidos, recriam, no traço de Davi, 80 filmes. O que logo me chamou a atenção foi o descompromisso em traçar ali qualquer “linha evolutiva” à guisa de uma história do cinema ou o destaque a filmes cult. Citando de memória, passa por O Máskara, Três homens em conflito, Laranja mecânica, Brilho eterno de uma mente sem lembranças, Táxi driver, O poderoso chefão, Matrix, Central do Brasil, Star wars e La La Land, entre muitos outros.

Há de tudo, num recorte possivelmente movido à curiosidade e aos gostos pessoais do cartunista, faceta que aliás eu não conhecia. O repórter casmurro anda meio sem paciência para redes sociais, onde ele vez por outra publica algum desenho – inclusive alguns que ficaram de fora, na escolha difícil do processo de montagem da exposição, como o vi comentar, entre fãs, amigos e a imprensa.

Ela, aliás, já conhecia o trabalho e revelou, respondendo à assessoria do Sesc, que a entrevistava para uma matéria sobre a vernissage, que ansiava pela reunião daquele material em livro. Visto a camisa e integro-me à torcida: vai ser bonito.

No Centro Cultural Vale Maranhão, na Rua Henrique Leal, 149, nos limites entre a Praia Grande e o Desterro, iniciou ontem a mostra coletiva Ocupa CCVM. Não conhecia ainda o casarão, uma atração com pátio interno, por si só. “Abaixo a caretice”, disse a ela, de uma janela do segundo andar, observando o movimento do público com suas latas de cerveja na mão: é sempre interessante quando as casas entendem a dinâmica de seu público e do que acontece ali dentro, longe da lógica daqueles que ainda enxergam museus e espaços do tipo como algo parado no tempo.

Algumas das mobgrafias de Vicente Martins projetadas no CCVM. Foto: Daniele Moreira/ Ascom/CCVM

Em seus dois pisos, salas ocupadas por obras de Tácito Borralho (celebrando a Coteatro), João Ewerton (as flâmulas de Vazante, com seus caranguejos e guarás), Ribaxé, Wilka Sales (28 Bocas instigantes e o vídeo Corpocriação) e Vicente Martins (De passagem).

É sobre esta última que quero me ater: velho conhecido do instagram, onde atende em @vicentemartinsjr, um dos perfis mais interessantes daquela rede social sediado nestas plagas. Vicente retira da invisibilidade aqueles que insistimos em não ver, mesmo que eles cruzem nossos caminhos todos os dias – ou nós cruzemos os deles, tanto faz.

Vicente é outro egresso do cinema: conheci-o, como metade da torcida do Sampaio Correa, trabalhando na Backbeat e escrevendo críticas para o Suplemento Cultural e Literário JP Guesa Errante. Mais que retirar esta gente simples da invisibilidade, ele lhes dá (e a seus objetos e à paisagem que compõem) um verniz de beleza, a que nossos olhos comumente também não estão habituados, na maior parte das vezes por conta dos padrões impostos pelos meios de comunicação e a ditadura da indústria de cosméticos – no fundo, quase uma coisa só.

Onde há gente, Vicente saca seu celular e clica, não à toa sua exposição é anunciada como mobgrafia, aquela fotografia realizada com instrumentos móveis, ou mobiles, isto é, telefones celulares comuns, smartphones, iphones e toda essa geringonçada a que um homem de vícios antigos roots conhece só de ouvir falar.

Enquanto víamos as 12 mobgrafias que compõem De passagem, todas elas feitas nos arredores da Fonte do Bispo, também conhecida como Terminal do Anel Viário, um rapaz, talvez estagiário do CCVM, aproximou-se da gente e passou a legendar verbalmente as fotos. Passamos a prestar ainda mais atenção aos detalhes e enquanto ele contava a história de uma Kombi retratada, o proprietário do veículo com bancos estampados de oncinha casado com a senhora que vende lanches em uma barraca que também compõe a imagem, eu apontei um pombo sobre um telhado numa foto em que Vicente perfilava outra senhora dentro de outra barraca, sob o lindo céu azul de São Luís do Maranhão.

Certamente ao passarmos novamente por aquela paisagem, de carro ou a pé, veremos o cenário com outros olhos. Eternizá-lo num retrato de beleza particular, no entanto, é para poucos, entre os quais Vicente Martins.

Serviço: Cinema em cartoon fica em cartaz até 27 de outubro; a coletiva Ocupa CCVM, até 12 de novembro.

Coco pisado de tirar o couro

Foto: Zema Ribeiro

 

É na apresentação do Coco de Tebei que o tema da edição 2017/2018 do circuito Sonora Brasil faz mais sentido: “na pisada dos cocos”. Estado reconhecido por ofertar ao Brasil grandes mestres do gênero, de Bezerra da Silva a Selma do Coco, passando pelo grupo Raízes de Arcoverde, o grupo que se apresentou ontem (30), na Casa do Maranhão, é diferente de tudo o que se poderia esperar.

O Coco de Tebei é dançado por casais e cantado por mulheres, tendo como marcação rítmica apenas seus próprios passos, isto é, os pés dos dançarinos “socando” o chão, herança do taipar de casas de pau a pique, em que doses de trabalho e diversão se misturam coletivamente. Nenhum instrumento acompanha seus nove integrantes: três casais de dançarinos e três cantadeiras – que também dançam.

A dança é praticada por agricultores e tecelões de Olho d’Água do Bruno, povoado de Tacaratu – até o nome da cidade é sonoro e parece ser marcado também pela pisada de seus dançarinos. Por vezes, ao longo da apresentação, a sonoridade me evocava um maracatu. Mas na maior parte do tempo, pensava na catira e no toré indígena. Outras vezes também pensei em samba rock, imaginando que certamente aqueles homens e mulheres poderiam dançar qualquer coisa.

As saias de chita, floridas e rodadas, remetem às coreiras do tambor de crioula. Elas calçam sandálias, que são arrastadas em determinadas músicas, num delicioso “chep chep”. Os homens calçam sapatos pretos, vestem calça e camisa em diferentes tons de azul e usam um chapéu de couro, parecido com os que Lampião e Luiz Gonzaga tornaram moda, só que brancos.

O Coco de Tebei tem um disco, de 2008, cujo título é Eu tiro o couro do dançador. Penso que é apropriado: treino dá ritmo de jogo. Tivesse me arriscado a acompanhar-lhes alguns passos era capaz de estar com os pés e panturrilhas doendo até agora – muitos dos presentes se arriscaram e como de praxe nas apresentações do circuito Sonora Brasil, desde a última sexta-feira, em São Luís, a de ontem também terminou com uma imensa roda, uma espécie de oficina informal.

Ao final, já na praça em frente à Casa do Maranhão, cumprimentei um de seus integrantes, que saíra para fumar. Parabenizei-o pela performance. Ele sorriu e agradeceu. Ao dar-lhe um amistoso tapa no ombro, senti a camisa grudada à pele pelo suor que imediatamente me encharcou a mão.

Serviço

A passagem do circuito Sonora Brasil por São Luís termina hoje (31). Às 19h, na Casa do Maranhão, com entrada gratuita, se apresenta o grupo sergipano Samba de Pareia da Mussuca. Em Caxias/MA, a programação do Sesc continua até quarta-feira, programação completa no post anterior.

Metais em brasa hoje no Sesc Partituras

O Marabrass em Alcântara. Foto: divulgação
O Marabrass em Alcântara. Foto: divulgação

 

O auditório da Escola de Música do Estado do Maranhão Lilah Lisboa de Araújo (Emem, Rua da Estrela, Praia Grande) recebe hoje (29), às 19h, mais uma edição do Concerto Sesc Partituras – o espetáculo integra a programação de aniversário de 70 anos do Serviço Social do Comércio (Sesc).

Daniel Cavalcante (trompete) regerá o sexteto Marabrass, formado, além dele, por Hugo Carafunim (trompete), Jairo Moraes (trompa), Daniel Miranda (trombone), George Campos (tuba) e Marcel Pereira (percussão).

“Quando eu recebi o convite, pensei em fazer uma formação diferente, mas ao me debruçar sobre o banco de partituras do Sesc, optei por tocar com o grupo que já existia, o Quinteto Marabrass, Mara de Maranhão e brass de metais, que já tem 13 anos tocando junto. É grande a responsabilidade”, contou Daniel Cavalcante ao Homem de vícios antigos.

Ele prometeu “mesclar o repertório [do acervo do Sesc Partituras] de forma que a gente possa transitar entre o erudito e o popular”, destacando, entre os compositores que estarão no repertório do Marabrass na noite de hoje, nomes como “Henrique Alves de Mesquita, Marcílio Onofre, Maestro Duda e Bonfiglio de Oliveira, dentre outros”.

A biblioteca virtual de partituras do Sesc tem acesso gratuito a qualquer interessado/a. O concerto de hoje à noite também.

Olhar poético sobre a degradação

Algumas imagens da exposição Tombamento, de Vicente Jr.

 

Em Tombamento o fotógrafo Vicente Jr. volta ao cenário-objeto de sua primeira exposição: Desterro: a cara da comunidade, que integrou a programação da 8ª. Feira do Livro de São Luís (FeliS), em 2014, no Convento das Mercês.

Se na primeira, gente e pedra dialogavam em imagens que já evidenciavam o ambiente decrépito, nesta o olhar se volta às construções, “aqui tudo parece construção e já é ruína”: Tombamento trocadilha o tombo do patrimônio arquitetônico com o tombo iminente dos mal conservados casarões da Praia Grande, Desterro e Portinho, os três bairros que compõem o Centro Histórico ludovicense, que podem desabar a qualquer momento.

A exposição fotográfica individual de Vicente Jr. é também um diálogo de técnicas, entre o digital e o analógico, em que antagoniza a instantaneidade destes tempos virtuais, ele mesmo usuário contumaz de redes sociais como o Instagram – cuja conta (@vicentefjunior) dá pistas do tipo de imagem que veremos na Galeria de Arte do Sesc Deodoro, onde a vernissage de Tombamento acontece nesta quinta-feira (18), às 18h30. A exposição pode ser visitada até 29 de março, em dias úteis, das 9 às 17h, com entrada franca.

Vicente Jr. conversou com o Homem de vícios antigos sobre a exposição.

O fotógrafo Vicente Jr. em ação. Foto: divulgação
O fotógrafo Vicente Jr. em ação. Foto: divulgação

Sua primeira exposição teve o Desterro como cenário-objeto. Agora você volta ao Centro Histórico da ilha. O que te instiga nestes ambientes degradados?
Enquanto produzia as imagens para a minha primeira exposição foi inevitável pensar a respeito do lamentável estado de abandono dessa área dita tombada. Foi quando surgiu a ideia de utilizar as possibilidades poéticas da ambiguidade do verbo tombar. Vi nessa ambiguidade do tombo uma possibilidade poética, uma caminho para desenvolver esse trabalho. Meu olhar é atraído por essas camadas sobrepostas de tempo, que cria uma textura nas imagens. Essa decadência possui um charme e é impregnada de história. Gosto também de partir de alguns clichês inerentes ao Centro Histórico, como por exemplo, o de cidade turística, cidade dos azulejos e dos casarões, e desconstruí-los. Às vezes fico extasiado diante de algumas imagens que mais parecem paisagens de algum filme cyberpunk.

Quantas fotos compõem a exposição?
A exposição consiste em oito fotografias analógicas e 11 digitais, totalizando 19 fotografias. Também deixei exposta a câmera analógica de plástico simples e precária com que fiz essas imagens.

Por que a opção em fotografar em analógico?
A princípio o projeto era para ser exclusivamente analógico, mas achei melhor utilizar as duas tecnologias. Proponho um diálogo entre elas. É evidente a hegemonia do digital em nossos dias hipermodernos e sua velocidade tanto de produção, quanto de divulgação das imagens. A opção pela tecnologia analógica foi de ir contra a corrente. Resgatar esse outro tempo, mais lento e os processos químicos da revelação que têm mais a ver com a natureza das imagens que mostro. Assim uma tecnologia não exclui a outra, mesmo com toda a dificuldade de trabalhar com o analógico. Eu mesmo não possuía mais uma câmera dessas. Perguntei aos amigos se alguém ainda tinha e um deles me presenteou com uma. O próprio filme quase não se consegue encontrar aqui em São Luís e existe apenas um laboratório que ainda resiste e faz a revelação dos negativos. É realmente remar contra a maré.

Sua relação com a fotografia é profissional, hobby ou ambas as coisas?
Cara, começou como um hobby e não deixará nunca de ser. Mas as coisas estão acontecendo e adquirindo outros contornos. E tenho me dedicado somente à fotografia ultimamente.

Em Desterro: a cara da comunidade, sua exposição inaugural, o elemento humano era presença constante no conjunto de fotografias, convivendo com o elemento pedra. Nesta, Tombamento, os humanos desaparecem. Você acredita fazer um jogo de futurologia, denúncia social ou ambas as coisas através de sua arte?
Então, na minha exposição anterior eu quis mostrar que apesar de todo descaso e por que não dizer, “desterro” daquele bairro que apesar dos estigmas, como por exemplo, a violência, a prostituição e o tráfico de drogas, possui um sentimento de comunidade muito forte e foi inevitável o enfoque nas pessoas inseridas ali. Em Tombamento, as pessoas somem! Surgem os animais de rua vagando sem destino, carros e motos que não deveriam circular ou estacionar por ali. Como falei antes, algumas imagens lembram filmes cyberpunk, desabitadas, devastadas. Assim, futurologia. Não tem como fugir da denúncia social! Acaba fazendo as pessoas pensarem um pouco acerca do tema e reflitam. Será que esse patrimônio está realmente tombado? Será que as gerações futuras terão acesso a ele?! Acredito no poder das imagens de instigar o pensamento, a reflexão. Esse poder não é uma exclusividade da palavra escrita ou oral.

Imagem é tudo. Tudo é imagem

Uma das "imagens descartáveis" que compõem a exposição
Uma das “imagens descartáveis” que compõem a exposição. Foto: Layo Bulhão

 

Já há algum tempo este blogue usa a categoria “fotosca” para se referir a retratos que faço – jamais usaria um trocadilho desses para me referir a imagens alheias –, em geral com o celular.

Às vezes as “fotoscas” são o único recurso de que posso me valer para ilustrar um texto meu sobre um show, por exemplo. Do ponto de vista estético, a grande maioria delas deveria ter sido apagada. Algumas nem deveriam ter sido clicadas.

É mais ou menos esta discussão, sobre o que merece a publicação ou o lixo como destino, o que provoca a exposição Imagens descartáveis (ou: Um diálogo com o erro), da fotógrafa, pesquisadora, videoasta e professora Carolina Libério e do artista e estudante de artes Layo Bulhão, em cartaz na Galeria de Artes do Sesc Deodoro (Praça Deodoro), das 9h às 17h, até 30 de outubro, com entrada franca.

A exposição conta com cerca de 800 imagens, a metade de cada autor. É um mergulho em “um universo de imagens que permanece sempre não-visto: aquele das imagens descartadas. Imagens imprestáveis, que sobram e inundam pastas, cartões de memória, cds, pen-drives e hds”, conforme o texto distribuído pela Assessoria de Comunicação do Sesc/MA.

O debate proposto é bastante pertinente, num mundo em que a imagem ganha cada vez mais força, contrariando a propaganda do refrigerante, dominado por selfies – o autorretrato que conta até com um “pau” próprio para isso – e plateias em que parte do público já não assiste a espetáculos com os próprios olhos, mas pelas lentes por onde registram a experiência.

Partitura e sentimento

O Trítono Trio executará peças de Carlos Gomes e Julio Reis. Foto: divulgação

 

Mesmo que odeie A voz do Brasil, qualquer brasileiro certamente já ouviu sua vinheta de abertura, da ópera O Guarani, de Carlos Gomes [1836-1896], o mais destacado nome brasileiro do gênero. Por outro lado, o pianista Julio Reis [1863-1933] segue praticamente desconhecido.

Os dois compositores estão no programa do concerto que o Trítono Trio apresenta hoje (18), às 19h, de graça, no Teatro Alcione Nazareth (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho), na programação do projeto Sesc Partituras.

Carlos Gomes e Julio Reis já faziam parte das referências de Israel Dantas (violão), Robertinho Chinês (bandolim) e Rui Mário (sanfona). “Já conhecíamos esses compositores. Na verdade, tínhamos que escolher um repertório que combinasse com o trio e que tivesse uma formação parecida. Foi muito difícil encontrar uma música com a nossa formação, mas conseguimos encontrar uma forma para que o trio pudesse se encaixar, tocar de acordo com cada partitura que escolhemos. Vai haver uma dinâmica bem diferente, tipo violão e sanfona, bandolim solo e violão solo”, comentou o sanfoneiro ao blogue.

Em 2013 15 peças até então inéditas de Julio Reis foram registradas pelo pianista João Bittencourt no disco João Bittencourt apresenta Julio Reis, disponível para download gratuito no site que celebrou o sesquicentenário do compositor, com encarte fartamente “ilustrado” com a história de cada peça. Idyllio – Valsa, por exemplo, é dedicada ao escritor Coelho Neto [1864-1934], com quem era costumeiro frequentador de cafés como a Confeitaria Colombo. O maranhense “muito auxiliou Julio Reis em suas primeiras publicações de artigos em revistas do Rio de Janeiro”, como informa Roberto Bürgel, no encarte do disco, em texto sobre a citada faixa.

A atividade de crítico de Julio Reis talvez ajude a explicar, ao menos em parte, o esquecimento a que foi relegado. Era mordaz, e “em uma de suas crônicas, ao comentar a famosa sala de espera do Cinema Odeon [onde Nazareth tocava e à qual dedicou uma de suas mais conhecidas composições], Julio Reis elogiou a pequena orquestra do maestro Eduardo Andreozzi (1982-1979) e disse que sonhava com o dia em que os tangos e maxixes seriam banidos dos salões”, comenta Roberto Bürgel em texto sobre Cafageste [sic], que abre o disco. E continua: “no entanto, assim como Ernesto Nazareth [1863-1934] escrupulosamente evitava o termo “maxixe” em suas obras, mas cedia às suas tentações rítmicas, também Julio Reis acabou se rendendo ao tango brasileiro e compôs à la Nazareth”.

Rui Mário revela que o grupo ficou sabendo do Sesc Partituras através de amigos. “Fizemos uma pesquisa no site do Sesc, apresentamos uma proposta e nos colocamos à disposição. Depois de um tempo recebemos a notícia de que nossa proposta tinha passado e que iríamos participar. Ficamos muito felizes”, afirmou.

Sobre o repertório do concerto, com duração aproximada de uma hora, ele elogia a versatilidade dos compositores. “As músicas são bem interessantes, com um grau de complexidade altíssimo, uma linguagem com um amplo leque de possibilidades. As melodias nos trazem um pouco daquilo que os compositores estavam sentindo”, garante.

*

Confiram João Bittencourt em Passo miúdo [1913], Idyllio – Valsa [1895], Meu sonho [1900] e Cafageste [1918], todas de Julio Reis:

Ilumiara e Mirante

O bom público que prestigiou o Ilumiara contradiz Douglas Pinto. Foto: fb/ilumiara
O bom público que prestigiou o Ilumiara contradiz Douglas Pinto. Foto: fb/ilumiara

 

Talvez o músico Leandro César (violão, marimba e voz), integrante do grupo mineiro Ilumiara, tenha queimado etapas. Dos problemas, o menor. Explico: sábado passado (12), no Teatro Alcione Nazareth (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), foi combinado, entre a assessoria do Sesc e a TV Mirante, uma passagem, ao vivo, para um jornal da emissora, durante o concerto do grupo, pelo circuito Sonora Brasil.

O problema é que após o ao vivo, a equipe da TV Mirante continuou no recinto, entrevistando pessoas na plateia, com a luz forte e amarela ligada. Seis músicas depois – de acordo com a contabilidade do músico – eles continuavam lá. Leandro César desceu do palco, reclamou, e pediu que a equipe se retirasse. Quando falo em queimar etapas quero dizer que poderia ter, antes, solicitado a retirada da equipe à assessoria do Sesc e, em seguida, caso não fosse atendido, pedir, do palco mesmo, talvez ameaçar interromper o concerto – não sei se o fez.

Voltou ao palco aplaudido pelos presentes, entre afirmações como “é esta mesma Rede Globo que entra na casa das pessoas e destrói nossas culturas, destrói isto que estamos mostrando aqui”.

Douglas Pinto se retirou e, do hall, pude ouvir: “eu vou é falar mal!” em tom alterado – não consegui identificar se a voz era sua, mas a fala não faria sentido noutra boca. Depois o repórter publicou algo no facebook, com repercussão no blogue de Gilberto Lima ainda na mesma noite do espetáculo. Além de reclamar de uma suposta “humilhação” – particularmente não entendo assim – o repórter destilou preconceito, tratando os membros do Ilumiara por “anônimos”, “antiprofissionais” e “grosseiro” – o último adjetivo destinado a Leandro César.

O repórter foi além e afirmou que “muitos artistas de fora quando chegam aqui acham que o Maranhão é o fim do mundo e podem fazer o que bem querem por aqui”. Como diz minha sábia avó, “o bom julgador, por si julga os outros”, e Douglas Pinto acaba por traduzir o que, por vezes, é o comportamento de alguns colegas de profissão, que às vezes acham-se mais importantes que os próprios artistas. Além do mais, não cabe ao Sistema Mirante nem a qualquer funcionário seu recomendar “que o Sesc escolha melhor os artistas que venham se apresentar no Maranhão”, como fez o profissional, em episódio lamentável.

Por um lado, compreendo a ânsia do repórter, de resto um bom profissional, em fazer seu trabalho: os patrões certamente não aceitariam justificativa de ele voltar ao estúdio “apenas” com o ao vivo na bagagem, apesar de, certamente, sempre exigirem pressa, na cobertura do máximo de pautas, o já conhecido esquema industrial de um jornalismo a cada dia mais robotizado. Por outro, a necessidade dos músicos, de um ambiente propício ao ofício, sobretudo nos moldes do Sonora Brasil, em cujas apresentações é dispensado o uso de qualquer tipo de amplificação.

Espero que o acontecido não vá resultar num boicote da/s emissora/s e seus profissionais ao projeto e/ou ao Sesc, que, apesar de enormes e conhecidas limitações, tem proporcionado momentos importantes de fruição e circulação cultural à população maranhense.

Estava na plateia e não me considero motivo de vergonha para ninguém – como também afirmou o repórter em seu “desabafo” na rede social. E na condição de parte do público, fiz questão de dizer algo sobre o episódio (ainda que tardiamente), na tentativa de ajudar, a quem interessar possa, a entender o que de fato aconteceu, tendo em vista, por exemplo, o Ilumiara e/ou o Sesc/MA não terem ainda se manifestado – talvez por acharem desnecessário e talvez tenham razão: o brilho do espetáculo não pode ser ofuscado por este desagradável incidente.

Em tempo: a quem interessar possa, os concertos do Sonora Brasil seguem, em São Luís e Caxias. Veja a programação completa – inclusive com as apresentações dos demais grupos que compõem a edição deste ano – ao fim do post em que anunciei a apresentação do grupo na capital maranhense – hoje (14) eles tocam em Teresina/PI e quarta-feira (16) em Caxias.

Que o Ilumiara volte sempre ao Maranhão e seja sempre bem recebido por aqui!

Cantos da jornada

O Ilumiara em apresentação no Sesc/DF. Foto: Rafael Carmona/ Sistema Fecomércio/DF
O Ilumiara em apresentação no Sesc/DF. Da esquerda para a direita: Leandro Cesar, Marcela Bertelli, Alexandre Gloor, Letícia Bertelli e Carlinhos Ferreira. Foto: Rafael Carmona/ Sistema Fecomércio/DF

 

Com mais ou menos um ano e meio de existência e um recém-lançado disco de estreia, o grupo Ilumiara abre a temporada maranhense do circuito Sesc Sonora Brasil 2015 em São Luís, hoje (12), às 19h, no Teatro Alcione Nazareth (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), com entrada gratuita. O grupo se apresenta ainda em Caxias, dia 16 (quarta-feira), no mesmo horário, na Sala de Cultura Martinha Cruz (Sesc), também com entrada gratuita (veja programação completa ao final).

O grupo é formado por Alexandre Gloor (rabecas), Carlinhos Ferreira (percussão), Leandro Cesar (violão e marimba), Letícia Bertelli (voz) e Marcela Bertelli (voz), que conversou com o blogue.

“O Ilumiara surgiu como um grupo de pesquisa em música. Somos músicos, mas temos uma paixão muito grande pelas culturas populares, pela pesquisa. Já tínhamos, inclusive individualmente, um acervo grande de composições pesquisadas e a gente partiu desse trabalho, dessa pesquisa previamente realizada por cada um de nós”, revelou Marcela, sobre o processo de feitura de Ilumiara, o disco de estreia, e a participação no Sonora Brasil, cujo tema este ano é “Sonoros ofícios – cantos de trabalho”.

Ilumiara tem 12 faixas, que podem ser ouvidas no soundcloud do grupo. Entre os temas o Auto do fim de capina, Lavadeira, Toadas de remeiros, Canto do tropeiro, Machadeiros, Fiandeiras e Vissungo, com participação especial de Sérgio Pererê.

Além das pesquisas in loco dos próprios membros do grupo, seus integrantes levaram em conta o trabalho de importantes “desbravadores”, como Mário de Andrade [poeta, romancista, crítico literário e musicólogo], Oswaldo de Souza [compositor de obra fortemente influenciada por temas folclóricos] e Aires da Mata Machado Filho [filólogo pioneiro no registro de um dialeto crioulo falado por descendentes de escravos em Minas Gerais e vissungos – canto de trabalho exclusivamente utilizado por escravos mineradores de Diamantina].

Marcela também revelou a felicidade em integrar o projeto. “Participar do Sonora Brasil tem sido, desde o início, desde o convite, quando ele chegou, e até agora, mesmo circulando, de uma gratidão muito grande, de uma alegria imensa. Imagina, para um músico, poder circular o Brasil todo, 130 cidades, todo o território nacional, todos os estados do país. Isso para qualquer músico, apaixonado pelo Brasil, ligado à questão das culturas tradicionais do Brasil é de uma alegria gigante, uma alegria imensa”.

Com 18 anos, o Sonora Brasil é o maior projeto de circulação musical do país, tendo sido ampliado ao longo dos anos – quando o maranhense João Pedro Borges participou, ao lado do violonista gaúcho Daniel Wolff, em 2009, por exemplo, eram “apenas” 80 cidades. Aos poucos a ideia foi sendo abraçada pelas regionais do Sesc no Brasil. A cantora elogia a preocupação do Sesc com os temas eleitos a cada edição: “o Sonora não está preocupado com a divulgação do trabalho dos artistas. É uma proposta de divulgação de um repertório, de certo tipo de música, de certo repertório para formação de público, de ouvintes. O que eu acho mais interessante é que não é uma formação localizada, é uma formação cultural, mais ampla. Por isso que o Sonora sempre busca essa relação com os temas, a música informada. Isso, para nós, tem um valor imenso. Não estamos circulando com o objetivo de divulgar o Ilumiara, mas de contribuir com essa formação de plateia, essa formação de ouvintes. Por isso é um concerto muito conversado, a gente conversa com a plateia, o repertório não partiu de uma necessidade de divulgar especificamente os nossos instrumentos, a nossa voz, mas foi todo pensado com esse objetivo também de contribuir para a formação do público”, disse.

O nome do grupo é uma palavra forjada, lapidada por Ariano Suassuna, saudoso autor de O auto da compadecida, entre outros. “Já tem um tempo que ele fala essa palavra, “ilumiara”, a gente tomou emprestada dele, pedimos autorização dele para usar essa palavra como trabalho. Iara é altar, é lugar sagrado, ligado também à questão das águas, dos rios, Iara como altar de beira de rio”, revelou Marcela.

“A proposta do Ilumiara é muito lançar luz, ilumiar, iluminar uma expressão da música brasileira, uma expressão da cultura brasileira na música especificamente. A gente percebe que tem uma função de lançar luz sobre um universo que a gente entende como sagrado, que está num espaço que expressa uma condição humana, que tem uma amplitude maior que a música em si. Os cantos de trabalho expressam uma vasta cultura do homem. Ele canta para dar sentido a algo muito maior, a uma necessidade, a um desejo muito mais amplo do que simplesmente projetar a voz em canto. A função dos cantos é determinada por outros fatores muito mais amplos. Então ilumiar, essa expressão, revelar aquilo de sagrado que ela contem, por isso Ilumiara”, continua.

O Ilumiara se distingue dos outros três grupos que percorrem o país nesta edição do Sonora Brasil, “por sermos músicos, artistas que fazem uma interpretação a partir de arranjos mais elaborados, uma instrumentação específica”, explicou Marcela. O grupo também trabalha a construção dos instrumentos, com as marimbas de Leandro César, além de uma ronda, instrumento inventado por ele, e quase todos os instrumentos de percussão feitos por Carlinhos Ferreira.

Ela não poupou elogios às formações que completam o circuito com o Ilumiara. “É importante destacar o Sonora Brasil como mostra de um repertório. A gente está abrindo a mostra aqui em São Luís, mas logo depois de nós vêm os outros três grupos de tradição: As Quebradeiras de Coco Babaçu, aqui do Maranhão mesmo, inclusive, que fazem parte de um grupo muito mais amplo, mobilizado nos estados do Pará, do Piauí e do Tocantins, as trabalhadoras da cultura extrativista; também as Destaladeiras de Fumo de Arapiraca, com o Mestre Nelson Rosa [mestre de coco de roda, patrimônio vivo do estado de Alagoas], um grupo maravilhoso, muito, muito bonito, muito criador do próprio canto; e As Cantadeiras do Sisal e mais dois aboiadores de Valente, na Bahia [Ailton Aboiador e Ailton Jr., pai e filho]. Eles carregam uma força, acho que muito maior que nós, pelo fato de serem grupos de tradição, serem grupos que realizam no cotidiano, a tarefa, o ato de cantar ligado àqueles ofícios que são expressos no canto deles”, revelou.

Sesc Sonora Brasil no Maranhão – Programação (sempre às 19h, entrada franca)

São Luís/MA, Teatro Alcione Nazareth (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande)

Grupo Ilumiara/MG, 12 de setembro
Destaladeiras de Fumo de Arapiraca/AL, 15
Cantadeiras de Sisal e Aboiadores de Valente/BA, 17
Quebradeiras de Coco Babaçu/MA, 19

Caxias/MA, Sala de Cultura Martinha Cruz (Sesc)

Cantadeiras de Sisal e Aboiadores de Valente/BA, 15 de setembro
Grupo Ilumiara/MG, 16
Quebradeiras de Coco Babaçu/MA, 17
Destaladeiras de Fumo de Arapiraca/AL, 19

Agenda Ilumiara

Setembro

14 Teresina/PI
18 São Lourenço da Mata/PE
19 Goiana/PE
21 Jaboatão do Guararapes/PE
22 Limoeiro/PE
23 Surubim/PE
25 Caruaru/PE
26 Belo Jardim/PE
27 Arco Verde/PE
28 Buíque/PE
29 Serra Talhada/PE

Outubro

1º Triunfo/PE
2 Araripina/PE
3 Carnaíba/PE
4 Bodocó/PE
5 Petrolina/PE
7 Fortaleza/CE
8 Sobral/CE
10 Iguatu/CE
11 Crato/CE
13 Juazeiro do Norte/CE
30 Gurupi/TO
31 Palmas/TO

Novembro

2 Barreiras/BA
4 Vitória da Conquista/BA
5 Jequié/BA
6 Santo Antônio de Jesus/BA
7 Feira de Santana/BA
9 Paulo Afonso/BA
11 Rio Branco/AC
13 Castanhal/PA
14 Belém/PA

Sinfonia operária

 

Metropolis (1927), de Friz Lang (1890-1976), caberia bem nas estantes de cinema mudo ou musical. A cidade futurística do filme assusta, ainda que considerados os padrões cinematográficos atuais, sobretudo se levarmos em conta que o filme previa o futuro (século XXI) em que vivemos hoje.

Uma das obras-primas do Expressionismo alemão, o filme é carregado de interpretações exageradas, de personagens de certo modo caricatos, distorção da realidade e (ab)uso de luz e sombras, características daquela escola. Para os representantes do movimento era impossível representar o mundo como ele é. Acreditavam que a imagem (cinematográfica) deveria projetar o conteúdo espiritual do homem.

Nove meses e mais de 30 mil figurantes custaram sua feitura e o parto do monstrengo. À segunda classificação possível, entre as citadas, devemos sua estrutura: Metropolis é dividido em três partes, Prelúdio, Intermezzo e Furioso.

A formação religiosa do diretor, filho de pai católico e mãe de origem judia, também comparece: o filme é uma espécie de atualização da alegoria bíblica da Torre de Babel, retratando a revolta de operários contra seus patrões. Aqueles, nos porões do mundo, literalmente uma espécie de inferno, fazendo a máquina girar para que estes poucos, no paraíso do lado de cima, lucrem e gozem a partir do sacrifício alheio.

Seu personagem central, o ganancioso Joh Fredersen (Alfred Abel), só se preocupará com a classe operária ao saber que seu filho Freder (Gustav Fröhlich), por conta de sua paixão por Maria (Brigitte Helm), está entre os que se revoltam com seu império – e por conta disto corre o risco de morrer.

Há quem diga também ser Metropolis uma espécie de premonição ao nazismo de Adolph Hitler. Talvez seja tudo isso. Por conta de O testamento do Dr. Mabuse (1933), Lang foi convidado por Joseph Boebbels, ministro da propaganda (do) nazista, a assumir o cargo de supervisor do departamento de cinema de seu ministério. Ele fingiu-se lisonjeado, agradeceu o convite, recusou-o e, após a reunião, pegou um trem para Paris, de onde só voltaria 25 anos depois.

Fritz Lang dirigiu 43 filmes entre 1919 e 1960. Com roteiro de Thea von Harbou, que acabou sucumbindo ao nazismo que ele recusou, Metropolis é sua obra mais conhecida.

Uma última curiosidade: pouco depois de estrear, Metropolis sofreu drásticos cortes e alterações. Desde então, mais de um quarto do filme era dado como perdido, somente tendo sido recuperado em 2008, quando uma cópia quase completa do filme foi encontrada em Buenos Aires, ainda que bastante danificada. A versão reconstituída a partir dessa cópia é a mais completa do filme, com 148 minutos.

*

Metropolis será exibido hoje (21), às 18h30, no Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), na abertura da mostra Sombras que assombram – O expressionismo no cinema alemão, realização do Sesc/MA

Composta por nove filmes, a mostra fica em cartaz até a próxima sexta-feira (24), com entrada franca (ingressos devem ser retirados na bilheteria, com meia hora de antecedência a cada sessão).

No último dia de sessões da mostra, Stella Aranha (graduada em Artes Visuais e mestre em Cultura e Sociedade pela Universidade Federal do Maranhão) ministrará o workshop O expressionismo no cinema alemão, às 14h30, no mesmo local, também com entrada gratuita.

Confira a programação completa no site do Sesc/MA.

Chorografia do Maranhão: João Soeiro

[O Imparcial, 30 de março de 2014]

Professor de violão popular da EMEM e músico de igreja, o violonista João Soeiro é o 29º. entrevistado da série Chorografia do Maranhão

TEXTO: RICARTE ALMEIDA SANTOS E ZEMA RIBEIRO
FOTOS: RIVÂNIO ALMEIDA SANTOS

Foto: Rivanio Almeida Santos
Foto: Rivanio Almeida Santos

 

João Soeiro trajava uma camisa de bolso e deu seu depoimento à Chorografia do Maranhão na Quitanda Rede Mandioca. Pode até ser mera coincidência, mas nestas linhas iniciais já aparecem duas experiências suas com o choro: os grupos Camisa de Bolso e Choro de Quitanda, por que passou.

Nascido em Pinheiro/MA, em 4 de julho de 1972, João José Soeiro Pereira é professor de violão popular na Escola de Música do Estado do Maranhão Lilah Lisboa de Araújo, filho da dona de casa Lucília dos Santos Soeiro Pereira e do boêmio – de profissão – Mário Pereira, “casado três vezes, estudou para ser padre, foi criado por três freiras. Largou a batina pela boêmia”.

Com cerca de 40 composições, algumas já registradas, o 29º. entrevistado da série transita bem entre dar aulas, tocar na noite e na igreja. “Fui um crente que revolucionou a igreja”, diz, sorrindo. Antes do violão, Soeiro tocou cavaquinho, que aprendeu com um pescador de Tutóia. Além da EMEM, dá aulas no Colégio Educator e em projetos sociais, incluindo o Musicar e a Orquestra Tocando o Choro, do Sesc.

Foto: Rivanio Almeida Santos
Foto: Rivanio Almeida Santos

 

Além de boêmio e de ter estudado para ser padre, teu pai fazia o quê? Meu pai foi detentor de muitas riquezas das três freiras [que o criaram], deixaram muito ouro, muita terra para ele. Ele não fazia nada, era boêmio. Por conta das grandes amizades, na política, arrumaram um emprego para ele no IPEM [o Instituto de Previdência do Estado do Maranhão], funcionário público, final de carreira já, arrumaram um serviço na Secretaria de Saúde.

Além de músico, você tem outra profissão? Eu fiz de tudo. Fui comerciante, balconista, farmacêutico, trabalhei em oficina mecânica, forrador de gesso, ajudante de pedreiro e encanador. [Hoje ajudo como] Zelador da igreja evangélica.

O que você ouvia em casa quando era pequeno? Eu ouvia muito [os cantores] Orlando Silva, muito Nelson Gonçalves, essa coisa da boêmia mesmo, Altemar Dutra, ouvia choro também, Waldir Azevedo [cavaquinista], Pedacinhos do céu, o disco Pedacinhos do céu tocava direto lá em casa, meu pai tocava esse choro.

Isso tocava em discos que ele comprava, no rádio, ele era um grande comprador de discos? A gente ganhou uma vitrola, uma vitrola da Philips, momento comercial [risos], então os amigos, meu pai tinha grandes amizades, eles traziam os discos para ele, a gente ouvia em casa, e ele tocava muito chorinho também. Meu pai tocava muito choro, meu irmão também.

Com que idade você veio para São Luís? Em 1981, quando minha mãe vem a falecer, meu irmão, que eu não conhecia, mais velho, o primeiro filho de meu pai, vai buscar meu outro irmão de 14 anos, para viver num comércio em Belém, ele tinha um comércio, tocava. Aí meu irmão não vai, não quer ir, e eu quis ir, “rapaz, eu vou”, com nove anos de idade, vontade de conhecer os novos horizontes, fui para Belém, com esse meu irmão. Esse meu irmão meu pai já tinha levado, meu pai já estava com Mal de Parkinson, já não tocava mais, já estava bem idoso. Meu irmão me leva para Belém, também boêmio, comerciante, sempre gostou de boa música, tocava, aprendeu uns choros que meu pai tocava. Aí eu começo a querer pegar no violão, mas ele não deixava, ele tinha um ciúme danado! Esse violão meu pai comprou em 58, já tinha 10 anos quando meu pai comprou, ele é de 1948, e meu pai tinha comprado em 58. Esse meu irmão tinha um bar, tocava no bar. Em 84 a gente veio para São Luís. Aqui a gente montou o Conjunto Vinagreira, lá no Angelim. Quando a gente chegou aqui ele montou um barzinho menor e a gente começou a tocar. Esse meu irmão, que eu chamo hoje de pai, seu Edson, todo domingo ouve o Chorinhos e Chorões [programa de rádio apresentado pelo chororrepórter Ricarte Almeida Santos na Rádio Universidade FM, 106,9MHz]. Ele era um colecionador de chorinho, gosta muito de Saraiva [saxofonista], adora aquele choro Lágrimas de namorados [de J. Luna e Luiz dos Santos], me ensinou. Eu digo que esse foi o único choro que eu ensinei pra Juca [do Cavaco], Juca me ensinou todos os choros [risos]. Foi a partir daí, de 84, eu já com 12 anos, lá eu começo a tocar cavaquinho, lá na roda, os caras tocando pandeiro, eu tocava cavaquinho fazendo a base, só o centro mesmo, não solava. Quando dá em 87 começam a ir os grandes mestres da Escola de Música na minha casa: Zezé Alves [flautista, Chorografia do Maranhão, O Imparcial, 9 de junho de 2013], Domingos Santos [violonista sete cordas, Chorografia do Maranhão, O Imparcial, 16 de março de 2014], Raimundo Luiz [bandolinista, Chorografia do Maranhão, O Imparcial, 15 de setembro de 2013], eles começaram a frequentar lá o bar de seu Edson, lá em casa. Aí com essa influência eles “rapaz, bota esse moleque na Escola de Música”. Foi aí que eu fui para a Escola de Música.

Quem foram teus primeiros mestres de cavaquinho? Olha, meu primeiro mestre de cavaquinho foi seu Assis, um pescador, lá de Tutóia, analfabeto. Foi ele quem me ensinou os primeiros acordes de cavaquinho. Ele era frequentador de nosso bar, lá. Foi meu primeiro mestre de cavaquinho, eu comecei a tocar cavaquinho. Só que a minha grande paixão era o violão, meu pai tocava, meu irmão tocava.

E quando foi que o violão entrou na tua vida? O violão entra mesmo na minha vida por conta da igreja [Congregacional]. Eu entro na igreja em 1984. Só que eu fiquei dividido entre a igreja e o bar, eu não largava nem a igreja nem o bar. Eu fui o primeiro irmão revolucionário [risos], é verdade, isso é fato, verídico. [O primeiro] que revolucionou essa coisa de o pastor deixar tocar no mundo e estar na igreja. Eles [os pastores] viram que não tinha jeito: a minha musicalidade brasileira era muito forte e eu não aguentava tocar aquelas coisas americanas na igreja. Eu disse: “rapaz, eu gosto é de samba, é de chorinho, é de baião, é de bumba meu boi, essa música é nossa e é isso que me encanta”. O pessoal ficou “rapaz, esse moleque é doido”. O que eu achei legal é que eles não desistiram da minha pessoa, mesmo eu sendo assim. Eu fiquei no bar e na igreja, tocava no bar e tocava na igreja.

Quem te ensinou violão para você passar a tocar na igreja, as primeiras lições, o começo da história, o mestre principal? Rapaz, foi o seu Edson. Foi ele que me ensinou os primeiros acordes. Aí a galera da igreja foi me passando, começaram a me passar as músicas da igreja. Antes meu irmão brigava para eu não pegar violão e eu aprendia olhando. Ele dizia que eu conseguia decorar as posições sem ter o instrumento. Eu peguei um dia um pedaço de ripa, preguei umas cordinhas e comecei a treinar. Aí ele viu que eu tinha jeito pra coisa e começou a liberar o violão para eu tocar. Aí começou a história.

Qual era a formação do Vinagreira? O Conjunto Vinagreira era seu Buca, um taxista, no pandeiro, seu Maranhão na cabaça, o meu irmão, seu Edson, no violão, e o seu Assis no cavaquinho, ou eu, quando ele faltava. Aí tinham vários curiosos cantando, mas o grupo instrumental era esse aí.

Isso durou quanto tempo? E por que acabou? Isso vai de 85 a 93. Nossos amigos infelizmente foram falecendo, seu Assis faleceu, seu Buca foi embora. Meu irmão foi enfraquecendo, as condições financeiras para manter o bar, boêmio dono de bar é complicado, aí foi definhando. Mas eu digo que o Vinagreira não acabou, restou este que vos fala, uma raiz de lá do Vinagreira, que estava no empirismo, no senso comum. Foi a partir desses grandes mestres da Escola de Música que eu fui começar a saber o que era uma nota.

Depois do Vinagreira você participou de outros grupos? Há um interlúdio, um tempo de reflexão em que eu comecei a estudar e ser lapidado. Fui para a Escola de Música, comecei a tirar os vícios, os grandes mestres me ensinando. Como eu tocava, eu queria tocar, estar lá no meio, mas eu não tinha técnica apurada ainda para tocar com os grandes mestres, os caras estavam noutro nível. Eu tocava na base do “empurra, lá vai ele”. Quando foi em 2002, que eu passo no concurso para ser professor da Escola de Música, aí sim, eu começo a montar grupos lá dentro da Escola de Música, com meus alunos, grupos de choro, como eu queria ter feito. A partir de uma viagem, em 2004, com Osmarzinho [Osmar Jr., saxofonista, Chorografia do Maranhão, O Imparcial, 5 de janeiro de 2014], nós fizemos umas apresentações juntos em Brasília, tocamos um choro chamado Confusão, Osmarzinho arrebentou, a gente fazendo a base, todo mundo chegou pra junto: “lá no Maranhão tem choro?”. “Tem choro sim!”. O primeiro grupo que eu toquei realmente choro, foi um grupo que foi até Ricarte quem botou o nome: o Choro de Quitanda. Formação: Zezé na flauta, João Soeiro no cavaquinho, Nonato Privado no violão e Lazico [Lázaro Pereira] no pandeiro. Foi o primeiro grupo em que eu toquei assim já mais lapidado.

Foi no Clube do Choro [Recebe]? Foi no Chorinhos e Chorões, nós fizemos um programa.

E a família sempre te apoiou nessa escolha de ser músico? Sempre houve um ambiente favorável ou as pessoas brecavam? “Olha, João, isso aqui não dá futuro”, ou coisa do tipo? Como todo músico sofreu essa pressão de que “música é coisa de vagabundo”, nesse período, em que não se via ainda o profissionalismo na música, era notório nas pessoas, na própria igreja que eu tocava, “rapaz, tu tem que estudar outra coisa, fazer outra coisa, isso é coisa de boêmio, tu vai acabar sendo cachaceiro que nem teu pai”, as pessoas já diziam que meu pai era cachaceiro. A partir daí eu comecei a fazer outras coisas também, por conta dessa pressão. Eu tinha que me manter, morava de favor, com meu irmão. Larguei os estudos da música para fazer outras coisas, fui fiscal de ônibus, trabalhei três anos na [empresa] São Benedito.

Hoje você vive de música? Hoje, graças a Deus, eu vivo de música. Sou realizado. Sou professor da Escola de Música, sou professor do Colégio Educator, trabalho para o Sesc [Serviço Social do Comércio], toco na noite, toco com meus amigos, e hoje eu tenho o prazer de dizer: do palito de fósforo à pizza mais gostosa, à comida mais gostosa eu pago com música, com os acordes. Meu filho quando era pequeno, eu dizia que ia tocar, ele achava que eu tocava e o dinheiro saia do violão [risos].

Além do Vinagreira e do Choro de Quitanda, quais outros grupos musicais você já integrou? Eu já integrei Os Cinco Companheiros, choro de gafieira, a partir dessa viagem com Osmarzinho, o Camisa de Bolso está com três anos, a gente já fez várias apresentações no shopping. Essa é uma história muito engraçada. O Camisa de Bolso começa lá no Antigamente [extinto bar na Praia Grande], eu, Roquinho [cavaquinista] e o filho dele [o percussionista Léo Caroço], e todo mundo que me conhece sabe que eu toco dançando, brincando, fazendo munganga ou gatimonha, como diz Raimundo Luiz [risos], e a gente tocando lá no Reviver, de repente vem um gringozão, mais de dois metros, na minha direção, na direção do grupo. Eu fiquei assim atônito, “rapaz, esse cara vai me dar uma bolacha!”. De repente ele tira alguma coisa do bolso e bota no meu bolso, na minha camisa. Aí, que eu olho para Roquinho, tá com a camisa lisa, e o filho dele com a camisa lisa, só eu com camisa de bolso. Que eu olho pra dentro, cem dólares! [gargalhadas dos chororrepórteres]. Aí eu disse: “nunca mais toco de camisa lisa, só de camisa de bolso”, batizei o grupo de Camisa de Bolso. Depois outras senhoras botaram mais uns 40 reais, e eu disse “olha, eu só toco de camisa de bolso, a partir de hoje”. É uma história verídica. Aí também tive o prazer de fazer participações com o [Instrumental] Pixinguinha, mas os grupos de choro que a gente integrou foram esses.

E grupos de samba? Eu tenho sido chamado pra fazer com Rafael Guterres [cavaquinista], toquei com o [grupo] Amigos do Samba.

Eu lembro que você participou daquele show em homenagem a Noel Rosa [o show Noel, Rosa Secular, de Chico Saldanha, Joãozinho Ribeiro e Josias Sobrinho, com Cesar Teixeira na primeira edição, apresentado em 2010 e reprisado em 2011, vencedor de um Prêmio Universidade FM]. O que significou aquilo para você? Aquilo foi muito significativo para mim. O centenário de Noel Rosa, eu ser chamado para fazer o violão seis cordas, com o Domingos Santos no sete cordas. Mudou muita coisa na minha cabeça, culturalmente, harmonicamente, no que é Noel Rosa, a gente vai entender que era um gênio realmente do samba, com 26 anos deixar mais de 200 músicas. Nós tínhamos ali Josias Sobrinho, Joãozinho Ribeiro, Chico Saldanha, Célia Maria [a lista de participações especiais se completava com Lena Machado, Lenita Pinheiro e Léo Spirro], e instrumentistas como Juca do Cavaco, Domingos, o grande João Neto [flautista, Chorografia do Maranhão, O Imparcial, 2 de fevereiro de 2014], Arlindo [Carvalho, percussionista, Chorografia do Maranhão, O Imparcial, 18 de agosto de 2013], um trabalho maravilhoso.

E disco? Você gravou algum disco? Tem participação? Não. Eu tenho músicas gravadas. Um choro meu que está no cd [Made in Brazil] de Robertinho [Chinês, bandolinista e cavaquinhista, Chorografia do Maranhão, O Imparcial, 28 de abril de 2013], Chorando de saudade. E tenho composições, a minha música O menino da feira foi agora para as eliminatórias finais do Festival Viva. Eu fiz essa música, eu indo para a Escola de Música, e tinha um menino dormindo no ônibus. Eu empurrei ele e disse: “o que é, rapaz, tu tá xilado uma hora dessas, oito e meia da manhã?”. E ele disse: “não, tio, é que eu junto verdura na feira pro meu pai, pra gente botar pros animais”. Depois ele desceu, saiu correndo e eu fiz uma canção pra ele assim [canta, se acompanhando ao violão]: “tão pouca vida/ e já cansado/ do estresse urbano/ da sacola da feira/ tão poucos sonhos/ todos frustrados/ (…)/ Lá vai o menino da feira/ chutando o repolho/ pensando que é bola/ pedindo pra alguém pra pegar a sacola/ sobrou o limão/ não deu pra ir pra escola// Lá foi o menino da feira/ sacola vazia/ não deu pra juntar/ cebola, tomate/ tá tudo caro/ não deu pra ninguém// Lá foi o menino sonhando, sonhando/ com a próxima feira/ será que algum dia ele come uma pera?/ será que tem feira?”. Essa música está no disco do Tony Soubler [cantor], ele gravou essa música com arranjo do Marquinhos Lussaray [o violonista e guitarrista Marcos Lussaray]. As duas músicas minhas que ele gravou, essa e Mulheres. Só um pedacinho pra ver se vocês aprovam. Essa música, na verdade, eu fiz pensando em como Adão se sentia nos dias em que ele estava sem mulher [canta, se acompanhando ao violão]: “Antes de você chegar/ havia tristeza, encoberta a beleza estava/ e no campo e nas florestas/ não se ouvia nenhuma festa/ (…)/ nem havia tão fácil sorrir/ sem você, mulher/ o mundo era menor/ foi então que o criador percebeu/ que a solidão o homem entristeceu/ e fez você, mulher/ harmonia, alegria pelo campo, e a fantasia”.

Você faz letra e música? É, letra e música. Até então eu só fazia música gospel, que é meu mundo, meu universo. Mas tudo assim, samba. Eu tenho um samba que foi gravado por uma galera de Goiânia, que é [canta, se acompanhando ao violão]: “essa força que vem lá de dentro do meu coração/ força tremenda, que não dá não, pra explicar/ mas se eu pego a viola, com todo carinho/ e ouço o gemido do meu cavaquinho/ se tenho um pandeiro/ na ginga, na bossa do samba que traz/ se é na poesia/ ou nos versos de uma linda canção/ eu tenho o Senhor como centro maior da inspiração/ (…)”.

Atualmente você está integrando algum grupo? Os Cinco Companheiros e o Camisa de Bolso são grupos que não acabam. A gente está sempre fazendo algum evento. Rapaz, eu esqueci aqui de um grupo maravilhoso que eu fiz parte durante dois anos, o Nós da Música, que é um grupo da Tania Rego. Era eu, Tania Rego, Adriana Soraya e Nonatinho na percussão. A gente tocava bossa nova, era muito gostoso.

Você também se envolveu em projetos sociais com a música. Hoje, na verdade, eu sou coordenador de um projeto de música chamado Musicar, em duas comunidades, na Divineia e no Maiobão. É desenvolvido pelo Sesc. Hoje eu sou regente. A partir de 2007 a gente criou uma orquestra de choro com os meninos. Tem um menino muito bom, tocando, Raul, fez recital na Escola agora. Estamos na ativa, uma orquestra tocando choro.

A cada ano tem alunos novos, que entram? Como é que funciona? Isso! E os alunos que vão se destacando a gente vai inserindo na orquestra. A orquestra hoje é no Maiobão, o sonho do Sesc é trazer para a Deodoro.

Qual a importância de contribuir com comunidades tidas como carentes, com este tipo de iniciativa? Eu me sinto muito feliz. Os relatos que a gente tem lá na comunidade são de benefícios diretos da música para estes jovens. Na escola, concentração, na família, o comportamento. A gente faz reuniões periódicas com os pais e eles trazem este depoimento pra gente. “Meu filho melhorou a concentração”, “meu filho está mais obediente em casa”, “meu filho está mais caseiro, por conta de estar estudando um instrumento”. E fora que no projeto nós já temos alunos na UFMA, alunos na Escola de Música, tudo isso é qualidade de vida que foi levada para eles através da música, e a gente é muito feliz com isso. Quando a gente começou a levar o choro, disseram: “mas choro com essa juventude?” O que ficou notório? O povo gosta de boa música, às vezes não tem é onde ouvir. Além disso, eu trabalho com musicalização infantil, sou o Tio João, na Companhia Vovó Beth, adoro trabalhar com isso, dou aula para a garotada, de dois anos de idade até…

Para você, o que é o choro? O choro é o ápice do estudo musical do instrumentista. Simplesmente por que ele é a música brasileira mais difícil de ser tocada. Pela sua complexidade rítmica, harmônica, melódica. Eu converso com meus amigos, olha, Pixinguinha faz cinco choros em fá, você analisa o campo harmônico dos cinco choros, é muito parecido, e as melodias são totalmente diferentes. Incrível, você vê Os cinco companheiros é em fá, vai pra ré menor e a terceira parte é em si bemol; Chorei, a mesma coisa; Cheguei, a mesma coisa; Proezas de Solon, a mesma coisa. E todas essas quatro músicas, não é por que você aprendeu a tocar uma que você sabe tocar as outras. Não! É a música mais complexa que existe, não desmerecendo os outros ritmos.

Quem é o chorão, de toda a história, que mais te fascina? Eu sou apaixonado por Waldir Azevedo. Foram as músicas que eu ouvi na infância, ouvi desde pequeno, acho o cavaquinho um instrumento belíssimo, maravilhoso.

Você se considera um chorão? [Pensativo] Sim. Eu me considero um chorão por que eu não sei viver sem o choro. Mesmo quando eu não estou tocando, eu tenho que ouvir, por que o choro faz parte da minha identidade. As minhas composições, o ritmo, é tudo com choro. A gente na Escola de Música, com esses grandes mestres, eu sempre balancei em criar esses eventos, assim, esse Dia do Choro, fui um dos primeiros a fazer, 23 de abril [data de nascimento de Alfredo da Rocha Viana Filho, o Pixinguinha, em que se comemora o Dia Nacional do Choro], hoje é um evento grande, mas fomos um dos primeiros, eu e Nonatinho [percussionista]. Foi a partir dali que todo 23 de abril a gente faz um evento do choro em São Luís.

Entre as pessoas para quem você deu aulas, quem você destacaria? Eu tive a honra de dar aula para Robertinho [Chinês], é um exímio instrumentista, Rafael Guterres, fui agraciado agora com um show de Israel Costa [cantor], que foi meu aluno de percepção na Escola de Música, gravou cd agora. E outros, Lee Fan, foi meu aluno de cavaco, hoje é flautista, toca sax, está tocando piano também. É muita honra, e saber que hoje eles estão no meio musical. Os meninos do projeto lá do Maiobão, Raul, e Rardson e Adenardson, foram meus alunos do zero, começaram sem saber onde botar os dedos no violão e hoje estão aí.

Após percorrer seis capitais brasileiras, exposição de Dinho Araújo será aberta hoje (11) em São Luís

Divulgação

 

Muita coisa me impressionou na gigantesca programação da 9ª. Aldeia Sesc Guajajara de Artes, em que tive a honra de trampar ano passado. Foram dias intensos, doidos e doídos, que valeram muito a pena. O epíteto de “maior evento de arte e cultura do Maranhão” não é mero slogan.

Na Casa de Nhozinho, um dos muitos espaços da cidade com que a Aldeia – literalmente uma aldeia – dialogou, tomei conhecimento das obras de João Cosme e Dinho Araújo, que respectivamente apresentavam as exposições fotográficas Abstraturbano e Liturgias do Corpo.

O segundo está com nova exposição a partir de hoje (11) na Galeria de Arte do Sesc Deodoro – a vernissage acontece às 18h30 e a exposição fica em cartaz até o próximo dia 20 de março, com visitação gratuita e aberta ao público.

Dos dias em que a ausência é marca, a exposição, chega à São Luís depois de ter percorrido outras seis capitais brasileiras, ano passado, pelo projeto Sesc Amazônia das Artes.

Composta por fotos, objetos e um vídeo, a exposição apresenta “um olhar crítico e poético sobre identidade, patrimônio e memória, contrapondo visões antagônicas sobre São Luís. No trabalho, memórias pessoais se entrelaçam à experiência coletiva, ambas servindo de inspiração a um registro sutil que sublinha como somos marcados pela ausência”, de acordo com o texto de divulgação distribuído aos meios de comunicação.

“Como analogia ao nosso vazio existencial, a leitura da cidade requer um olhar atento às lacunas e fissuras. Um caso exemplar é a paisagem do Centro Histórico, marcada tanto pela força expressiva do seu conjunto arquitetônico quanto pela sua descaracterização (consequência da demolição de imóveis e da remoção dos azulejos das fachadas). Beleza e depredação, memória e esquecimento: pares antagônicos que costuram as representações locais e as projeções externas que fazem de nós. Como uma composição sem letra, essa reflexão transcende à experiência local, conectando de modo singular os polos da identidade, do patrimônio e da história”, continua o release.

O artista – Dinho Araújo é arte-educador, designer e artista plástico, mestre em Antropologia pela Universidade Federal da Paraíba (UFPB). Entre 2012 e 2013 foi professor do Departamento de Artes da Universidade Federal do Maranhão (UFMA). Além da Aldeia Sesc Guajajara de Artes já expôs em eventos como a Feira do Livro de São Luís (2013) e Salão de Artes Visuais da Prefeitura de São Luís (2010), entre outros.