Betto Pereira inaugura exposição amanhã (10) em São Luís

Betto Pereira conversou com exclusividade com Homem de vícios antigos. Foto: divulgação

 

Acontece amanhã (10), às 15h, no Espaço de Artes Márcia Sandes, na sede da Procuradoria Geral de Justiça (Av. Prof. Carlos Cunha, nº. 3261, Calhau), a vernissage da exposição Telas e Tons, do artista Betto Pereira, que contará com pocket show dele com participações especiais de Josias Sobrinho, Adão Camilo, Pepê Jr. e Mano Borges.

Consagrado como cantor e compositor, Betto Pereira, atualmente residindo em Petrópolis/RJ, relembra que ambos os ofícios artísticos sempre caminharam em paralelo. “Tem muita gente que acha que eu comecei agora, nesses cinco anos. Eu apenas retomei, mas eu cansei de fazer, mesmo na época do [grupo] Rabo de Vaca, eu já fazia os cartazes, capas de livros, fazia algumas artes quando eu morava em São Paulo, para pagar umas continhas, pro rango, enfim, sempre caminharam junto as minhas artes plásticas com a música. Não é de hoje, eu reassumi, mas a música está sempre presente. Telas e Tons é isso, uma mistura. Eu não sei se eu sou um cantor que pinta ou um pintor que canta. É uma brincadeira mas é por aí”, diz, com exclusividade, a Homem de vícios antigos.

A igreja do Desterro no traço de Betto Pereira, uma das telas da exposição. Reprodução

Betto Pereira recentemente assinou as artes do disco Sambas, recém-lançado por Nosly. Telas e Tons, a exposição, reúne 10 telas, que passeiam por várias fases de sua carreira. “A gente está levando o que a gente pinta desde o começo da minha história. Passa pelas bicicletas, a bicicleta tem uma história com a minha vida, desde quando eu tinha cinco anos, isso me marcou muito, por isso as bicicletas, onde eu passei pelo Museu Nacional de Belas Artes, com a exposição Pedalando cores, então tem um pouquinho de cada coisa, tem os casarios, tem a festa do divino, tem a música, então é um pouquinho de tudo, pode se falar assim”, adianta.

Sobre voltar a São Luís, ele comenta: “A sensação de voltar a expor em São Luís é muito bacana, muito prazerosa, até por que minha arte vem de São Luís, ela passa pela minha música, pela minha história de vida, com as ruas, a música, tudo o que rolou durante esse tempo na minha história com arte, chegar e rever os amigos, e mostrar essa arte que está sendo produzida aqui no país, pelo mundo afora, mas sempre com o pé no Maranhão, claro. Papete me disse uma vez: “Betto, assuma o seu gueto, a sua história, que aí vira universal”. Isso é muito bacana, sempre levei isso pra minha história”.

Além da música, com vários discos gravados, e das artes plásticas, Betto Pereira também teve passagens pela tevê, tendo apresentado durante cerca de 10 anos o programa Armazém Cultural, voltado à cultura do Maranhão, e uma passagem de um ano e meio pela Rádio Jovem Pan. Ainda em São Luís chegou a ser proprietário de uma galeria de arte instalada no Jaracati Shopping; atualmente tem uma no Shopping Estação Itaipava, em Petrópolis, em que expõe permanentemente seu trabalho.

Telas e Tons tem curadoria de Carlos Dimuro e o marchand é Adão Camilo. A exposição fica em cartaz até o próximo dia 14 (sexta-feira).

Cliques firmes e posição clara

“Começa matando a guavira e depois pra continuar desenvolvendo tem que matar o próprio índio. E mata mesmo”. Foto: Pablo Albarenga
Enterro do agente de saúde indígena Clodiodi Aquileu Rodrigues de Souza, 23 anos, Reserva Te’ykue, município de Caarapó. Foto: Ana Mendes
Indígenas Guarani Kaiowá realizam vigília em frente ao Supremo Tribunal Federal, em Brasília, durante um protesto contra o Marco Temporal, uma interpretação da Constituição que busca modificar as regras para a demarcação de terras indígenas no Brasil. Foto: Ana Mendes
Indígenas Guaraní Kaiowá. Foto: Pablo Albarenga

 

Não se sabe o que restará aos/dos indígenas numa eventual nova intervenção militar, conforme ameaçou um general da reserva em uma rede social. O Brasil deixou de fazer muitas lições de casa: não puniu sequer um agente da repressão, ao contrário de outros vizinhos latino-americanos que também viveram sob a égide de uma ditadura, e indígenas, infelizmente, ainda são lembrados apenas no 19 de abril quando nossas crianças têm o rosto pintado na escola.

Uma antológica reportagem de Laura Capriglioni, publicada no caderno Ilustríssima, da Folha de S. Paulo, em 11 de novembro de 2012, dá conta da violência ao quadrado praticada pela ditadura militar contra indígenas: a criação da Guarda Rural Indígena obrigava indígenas à prática da tortura entre si, com demonstrações públicas do pau de arara, brasileiríssima contribuição ao arsenal mundial de técnicas de tortura. O volumoso Os fuzis e as flechas – História de sangue e resistência indígena na ditadura [Companhia das Letras, 2017, 518 p.], do jornalista Rubens Valente, aprofunda a abordagem da relação do Estado brasileiro com os indígenas – foram centenas de mortes – durante os anos de chumbo.

O tempo passa e nada mudou. É o que demonstra a exposição conjunta Mantenho o que disse, da fotógrafa brasileira Ana Mendes e do fotógrafo uruguaio Pablo Albarenga, que será inaugurada no próximo dia 14 de abril (sábado), em Montevidéu, no Uruguai. Os 80 painéis fotográficos da dupla contam a vida dos Guarani e Kaiowá no Mato Grosso do Sul. Ao lado das imagens, 15 frases de políticos brasileiros sobre a questão indígena, ditas publicamente.

“Vamos parar com a essa discussão sobre terra. A terra enche barriga de alguém?”; “Temos que produzir sustentabilidade. Ensinar a pescar”; e “Estão aninhados quilombolas, índios, gays, lésbicas, tudo que não presta, estão aninhados ali”, são algumas das “pérolas” proferidas por quem legisla e fala sobre o que não entende.

Realização do Centro de Fotografia de Montevidéu (CDF), Mantenho o que disse fica em cartaz até 11 de junho na Fotogaleria Prado. A programação da exposição inclui bate-papo com os autores e oficina de fotografia com João Roberto Ripper [que assina o texto de abertura da exposição; leia tradução ao fim do post] – veja a programação completa no site do CDF.

Ana Mendes está cursando Mestrado em Ciências Sociais na Universidade Federal do Maranhão (UFMA) e é coautora de Ostreiros [Pitomba, 2016, 120 p.], com Bruno Azevêdo. Ela falou com exclusividade a Homem de vícios antigos.

Ana Mendes em campo, na Aldeia Laranjeira Nhanderu, com o cacique Guarani Kaiowá Faride Mariano. Foto: Pablo Albarenga

Mantenho o que disse é fruto de três anos de trabalho. Suas idas às aldeias já imaginavam uma exposição ou você esteve lá por outro motivo e o material realizado acabou tornando-se esta exposição?
​​​Eu estive nos territórios por conta de reportagens que fiz pra alguns veículos, em especial a Amazônia Real, que em 2016 e 2017 se dedicou a acompanhar a questão dos Guarani e Kaiowá​. Mas como estratégia pra dar continuidade às documentações que estou fazendo, sempre aproveito o embalo de trabalhos e fico um tempo a mais nos locais. No Mato Grosso do Sul cada vez que ia ficava dois, três meses. E em duas dessas ocasiões estive nas aldeias com o Pablo. A gente se conheceu lá, na verdade, dividindo angústias, compartilhando medos e coragens. Ele é um fotógrafo uruguaio que nunca tinha documentado o Brasil, mas entrou de cabeça. E o convite pra fazer uma exposição partiu dele. Eu não acho que o trabalho esteja concluído, ao contrário, acho que é só o começo. Costumo dizer que faltam ainda 13 anos de documentação nos Guarani e Kaiowá. Isso porque fui formada enquanto documentarista pelo fotógrafo João Roberto Ripper e ele fotografou esse povo durante 16 anos.

Recentemente Walter Firmo esteve em São Luís, ministrando uma oficina. Em uma palestra inaugural, comentou a liberdade que passou a ter quando abandonou o fotojornalismo em 1985. Você é fotojornalista, atuando em veículos independentes. Como você avalia o cenário, nestes tristes tempos de fake news?
​Eu acho que na roupagem tradicional o jornalismo reprime mesmo as possibilidades de comunicar histórias múltiplas. Mas a reinvenção recente do jornalismo, que vem a partir da internet e da falência de certos jornalões, não nos permite mais pensar o jornalismo como prisão. Eu sou uma entusiasta da comunicação! E me encantam as experiências concretas de comunicação popular – quando os narradores das histórias são o próprio povo. Sobre fake news, acredito que isso não é novo, certo? Novas são as ferramentas. Mas os pregadores da moral e bons costumes sempre estiveram aí difamando as cabeças rebeldes e livres.

Na exposição que você divide com o Pablo, há um atrito entre as imagens e as legendas, estas retiradas de falas de políticos, em tese representantes do povo brasileiro, mas sempre negando direitos dos indígenas, ao contrário das fotografias, que re-afirmam estes mesmos direitos. Como surgiu a ideia e como foi desenvolvê-la até chegar a este resultado?
​Eu acho que certas experiências só têm porta de entrada. E esse é o nosso caso com a questão indígena. Uma vez que você testemunhou coisas profundamente tristes e coisas profundamente felizes ao lado de um povo, você troca as lentes com as quais vê o mundo. O sentido das coisas se inverte. A Dona Miguela, uma índia de quase 80 anos, nunca mais comeu guavira – porque a monocultura é o único horizonte da Terra Indígena Guyraroká, onde ela vive, no município de Caarapó. A saudade de um pé de planta, do gosto de uma fruta, nunca vai ter importância pra uma política de Estado. Mas o apagamento das memórias é o primeiro passo do genocídio de um povo. Começa matando a guavira e depois pra continuar desenvolvendo tem que matar o próprio índio. E mata mesmo. Prova disso são essas frases de cunho racista que incitam o ódio. Isso gera morte real, concreta. Por conta da gravidade dessa campanha anti-indígena que ocorre no país nos pareceu necessário trazer as frases, apontar quem disse o quê e quando. Não me lembro como a ideia surgiu, eu sei que o acervo de frases só cresce desde que começamos a pesquisar. Na exposição colocamos 15, mas existem muitíssimas mais, infelizmente.

O cenário ainda é bastante incerto no Brasil, mas há uma pré-candidatura à presidência da República que conta com a indígena Sônia Guajajara como candidata a vice, na chapa. O que você pensa a respeito?
Eu acho que Sônia pode fomentar o debate sobre a questão indígena, trazer o assunto finalmente pra pauta.  Mas eu sou bastante cética com a política partidária. Eu me afino mais com movimentos contra-hegemônicos. E acredito que alguns povos indígenas vêm ganhando autonomia, criando novos jeitos de fazer política. Os Ka’apor, também do Maranhão, são um exemplo. Não significa que não vá haver bons frutos pra se colher nesse momento de debate eleitoral com Sônia, uma liderança importante, uma mulher indígena. Com certeza estarei atenta aos passos de Sônia e vou vibrar se a candidatura dela causar incômodo e minimamente abalar as estruturas ocupadas há tantos séculos pelos mesmos nomes.

Verso do postal da exposição. Reprodução

MANTENHO O QUE DISSE

POR J. R. RIPPER

“Ana Mendes e Pablo Albarenga são fotógrafos com grande domínio técnico e conhecimento tanto do jornalismo quanto do documental. Estudam o tema que fotografam e tomam uma posição clara. Não ficam atrás das cercas nem empregam essa hipócrita imparcialidade que tanto se ensina nas escolas de jornalismo. Suas fotos proclamam a defesa dos direitos humanos e, em particular, dos direitos das comunidades indígenas.

Seu trabalho rende homenagem à história de grandes fotógrafos. “As pessoas são mais importantes que as fotos”, dizia [o fotógrafo Henri-Cartier] Bresson. Seu compromisso me recorda [os fotógrafos] Eugene Smith e Lewis Hine. Às vezes suas câmeras fotografam com o coração, noutras, colocam a cabeça em frente à câmera e não atrás, como dizia [o fotógrafo] Oliverio Toscani.

O trabalho que apresentam é fantástico. Desnuda o bruto e vigente genocídio que se está levando a cabo no Brasil e, com ele, a postura assassina que toma os poderes em meu país”. (Tradução: Zema Ribeiro)

A Jamaica no Brasil

O cantor Gregory Isaacs em foto exposta em Jamaica, Jamaica! Foto: Beth Lesser. Reprodução

 

SÃO PAULO – O quinto andar inteiro do Sesc 24 de Maio [Rua 24 de maio, 109, República, São Paulo/SP] está inteiramente ocupado com tudo o que diz respeito ao maior produto de exportação da Jamaica. É a mais abrangente exposição em cartaz sobre o reggae no Brasil.

Exemplares raros de compactos e LPs, equipamentos de estúdio, instrumentos musicais, sound systems, fotografias e manuscritos de Bob Marley e Peter Tosh mostram parte de um universo muito maior do que sonha a nossa vã filosofia.

Conectando um fone de ouvido é possível ouvir parte da história, através de gravações colocadas à disposição dos visitantes. A exposição conta, inclusive, com uma web rádio, que ficará no ar enquanto Jamaica, Jamaica! estiver em cartaz – até 26 de agosto, com entrada franca.

Por falar em cartaz, o cinema também é destaque: trechos de vários filmes são projetados, dando a exata dimensão da importância do reggae. Também são vistos por lá os cartazes original e o japonês de The harder they come (1971), estrelado por Jimmy Cliff, bem como a camisa preta com a estrela amarela de seis pontas usada pelo cantor-ator no filme de Perry Henzell, que no Brasil ganhou o título de Balada sangrenta – a música-título, em versão de Nando Reis, então nOs Titãs, virou Querem meu sangue.

Ao lado dos objetos já citados, maquetes reproduzem pedaços do país, o ambiente propício ao desenvolvimento de uma música feita para, mais que ouvida, ser sentida. Pinturas e esculturas resgatam elementos da religiosidade, algo a que o reggae sempre esteve muito ligado. Importante frisar esta característica da exposição: apesar do centro das atenções ser o reggae e outros gêneros musicais oriundos da Jamaica, antes e depois, como o mento, ska, rocksteady e dub, Jamaica, Jamaica! não se restringe à música, perpassando temas culturais, sociais, políticos e religiosos/espirituais.

O reggae – e seus derivados – é hoje um fenômeno mundial, embora outros nomes importantes para o gênero, lembrados na exposição, sejam ainda ofuscados pelo de Bob Marley, considerado o rei, o maior em todos os tempos. Em templo de tantas majestades, outro rei bastante lembrado é Lee “Scratch” Perry, ainda na ativa, bruxo fundamental para o desenvolvimento e popularização do dub – a que provavelmente faz referência o eco do título da exposição. Particularmente, penso também em sua abrangência e aí o nome da ilha caribenha poderia ser repetido indefinida e exaustivamente.

Ademar Danilo nos estúdios da Mirante FM, em meados da década de 1980. Reprodução

O Maranhão, como um dos terrenos brasileiros em que o reggae se tornou bastante popular, é lembrado com na exposição, através de panfletos turísticos, artigos de jornais e fotografias. Ademar Danilo, hoje diretor do Museu do Reggae do Maranhão, aparece, fotografado nos estúdios da Rádio Mirante FM, em meados da década de 1980, quando dividia com Fauzi Beydoun (que só depois viria a se tornar vocalista da Tribo de Jah), o comando do programa Reggae Night – hoje ele apresenta o África Brasil Caribe, aos domingos, das 10h ao meio-dia, na Rádio Timbira AM.

Também está lá, fotografado por Otávio Rodrigues (outra enciclopédia viva quando o assunto é o reggae e a Jamaica), Riba Macedo, colecionador pioneiro, um dos responsáveis pela popularização do fenômeno reggae por estas bandas.

Outro estado lembrado é a Bahia, onde o reggae se fundiu ao samba e o samba-reggae, espécie de avô da axé music, ganhou a força dos tambores de blocos como o Olodum. Um quadro intitulado Sound Systems de São Paulo também dá ideia da força que o reggae tem hoje na maior cidade da América Latina – certamente não à toa escolhida para abrigar a exposição.

Jamaica, Jamaica! chega maior ao Brasil, agregando elementos que ajudam a entender a força do fenômeno reggae no país, após ficar um ano em cartaz em Paris, concebida pela Cité de la musique – Philharmonie de Paris, com curadoria do jornalista e cineasta Sébastien Carayol. A abertura da exposição contou com a presença dos dois metros de altura de Nabii McIntosh, filho do ex-Wailers Peter Tosh.

Um fotógrafo na contramão

Pixinguinha em Ramos/RJ, em 1968, fotografado por Walter Firmo, uma das imagens de O Brasil que o Brasil merece. Reprodução

 

O apagão que se abateu sobre 13 estados brasileiros na tarde de quarta-feira passada (21) atrapalhou, mas ainda que no escuro e no calor, tem algo de mágico ver esse conjunto de 170 imagens, de famosos e anônimos.

O título da exposição deve trazer alguma ironia: será que o Brasil merece um fotógrafo como Walter Firmo? A treta virou esporte nacional, o ódio uma religião e a corrupção uma espécie de câncer que nos consome. Será que merecemos Walter Firmo e sua obra?

O fato é que há uma ancestralidade no que ele capta com suas lentes, ainda mais em uma exposição dedicada à negritude (outra ironia, num tempo em que ódio, preconceito, intolerância e o desrespeito à memória de mortos/as são soprados aos quatro ventos). Dá uma espécie de intimidade.

Quando ela, a meu lado, disse apontando para um biombo com um conjunto de fotografias, “essas são famosas”, indaguei-me se de fato as fotografias eram conhecidas ou se é a impressão que Walter Firmo é craque em nos fazer íntimos dos retratados que escolhe.

É claro que há fotografias, eu ia dizer por demais conhecidas, mas devo dizer conhecidas por aqueles que se interessam por música popular, como as que viraram capas de discos de Pixinguinha, Paulinho da Viola e Clementina de Jesus, mas mesmo entre os anônimos temos a sensação de conhecer as pessoas, os lugares, as circunstâncias em que cada foto foi feita.

O Brasil que o Brasil merece, este o nome da exposição, é abrangente, tem fotos desde 1957 (Garrinha tomando banho num vestiário do Maracanã), até fotos realizadas nesta década (a festa do bumba-meu-boi no São João maranhense). No meio disso tudo, a Festa do Divino, em Alcântara/MA, na década de 1970, e o compositor Cartola no Morro de Mangueira no ano de seu falecimento.

Walter Firmo trabalhou em veículos importantes do jornalismo brasileiro. Citarei apenas a mítica O Cruzeiro. Abandonou o fotojornalismo em 1985. Displays na exposição, ao situar sua relevância, enumeram uma infinidade de prêmios conquistados em décadas de carreira.

É o homem certo, no lugar certo, na hora certa, munido do equipamento e sensibilidade ideais. Walter Firmo está com 80 anos. É carioca filho de paraenses e foi casado com uma maranhense por mais de 20 anos.

O apagão atrapalhou o primeiro dia de uma oficina de três que ele ministrou na programação de abertura da exposição (em cartaz até 20 de junho no Centro Cultural Vale Maranhão – Av. Henrique Leal, 149, Praia Grande. Entrada franca). No escuro e no calor, falou a uma plateia lotada (o CCVM destinou 40 vagas, para desespero do fotógrafo, que disse que o ideal, para a ida ao campo, era trabalhar com no máximo 20) e interessada. Respondeu perguntas, deu opiniões sobre curadoria (atualmente, infelizmente, há curadores que querem ser mais importantes que os fotógrafos) e sua carreira, entre o fotojornalismo e a independência.

Acabei não participando da oficina, por conta de uma viagem: só podendo participar do primeiro dia, preferi abrir mão da inscrição que já havia realizado, para não tirar a vaga de outro/a interessado/a que pudesse participar integralmente.

Simpático, Walter Firmo usava uma camisa com motivos de janelas de São Luís, dessas que se vendem em lojinhas de lembranças para turistas – que com certeza seriam fotografadas na atividade extraclasse.

Serviço:

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Beleza silenciosa para deleite e superação de preconceitos

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Se uma imagem vale mais que mil palavras, como diz o ditado, quantos sinais de Libras valerão uma imagem?

Há algo de inestimável na escrita da luz das pessoas surdas que puseram seu talento e sua arte à prova nesta Impressão do silêncio, muitos/as deles/as envolvendo-se com fotografia pela primeira vez.

A proposta em si já foge do óbvio e os fotógrafos foram além, revelando detalhes que poderiam passar despercebidos a olhares menos atentos. Deus e o diabo moram nos detalhes, para quem crê num ou noutro. Ou em ambos. Ou em nenhum.

Alcântara, Raposa, São José de Ribamar e São Luís são vistas por outros ângulos. Pedra de cantaria, paralelepípedo, piçarra, asfalto, cimento e mar, entre isto e o céu infinitas possibilidades.

Gente, paisagem, religiosidade popular, patrimônio cultural, gastronomia. Tudo é inspiração e tema para o olhar atento e sui generis dos artistas aqui revelados e reunidos.

Em tempos de instagram e da instantaneidade de um narcisismo em que a exposição e o número de likes quase sempre são preocupações maiores que a qualidade da fotografia, este livro prova que fotografar é bem mais que apertar um botão.

Eternizar o efêmero, uma das traduções da arte fotográfica. O resultado poético que temos em mãos é fruto de trabalho e persistência. Temos aqui 15 novos artistas da fotografia – é mais coerente falar em artistas que em profissionais, embora eles estejam aptos para atuar no mercado – revelados pela disposição de Veruska Oliveira em ensinar o que sabe e aprender o que muitos de nós ainda precisamos: deficiência não é um limite. Ao menos não deveria ser.

Portanto, além do deleite, além de apreciarmos a beleza e a diversidade capturadas pelas lentes desta turma, sua contribuição primeira está para além do que vemos, contribuindo para a superação de preconceitos.

Este livro revela ao mundo o talento de novos fotógrafos, mas é muito mais que um belo cartão de visitas. Transpondo Leminski para a ocasião, seu poema poderia afirmar: “vai vir o dia em que tudo que eu veja seja poesia”. Eis que este dia chegou.

*

Baita honra fazer parte deste belo e necessário projeto, a convite da querida, talentosa e imprescindível Veruska Oliveira. O texto acima é um dos que escrevi pro livro, que será lançado na próxima sexta-feira, conforme o serviço da imagem abaixo.

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A magia de Montello

Exposição aborda o Josué Montello jornalista. Foto: Joseane Souza

 

Entrei ontem por acaso na Casa de Cultura Josué Montello (Rua das Hortas, 327, Centro), que não frequentava desde minha passagem pela assessoria de comunicação da então secretaria de Estado da Cultura do Maranhão (Secma), no governo Jackson Lago (2007-9).

Chamo de acaso o fato de ter ido lá com outro propósito, não especificamente para ver a exposição inaugurada ontem, dedicada ao Montello jornalista. Fui conduzido pela diretora da Casa, Joseane Souza, que me apresentou um vasto universo, formado por recortes de jornais e revistas com os quais o maranhense colaborou, além de livros reunindo sua produção jornalística, sobretudo crônicas. Um novo volume, reunindo crônicas inéditas no formato, está sendo preparado para o centenário do autor.

Do juvenil A Mocidade, jornal que reunia estudantes do Liceu Maranhense e do Centro Caixeiral e teve Montello como redator-chefe, a revistas como Manchete, Fatos & Fotos, O Cruzeiro e o Jornal do Brasil, até livros como Janela de Mirante, Fachada de azulejos e Areia do tempo, este último reunindo textos do imortal sobre a cultura francesa.

Romancista bastante conhecido por livros como Os tambores de São Luís, Cais da sagração, Um beiral para os bem-te-vis e Noite sobre Alcântara, entre inúmeros outros, Josué Montello, nascido em São Luís em 21 de agosto de 1917, foi vários e esta exposição abarca uma de suas facetas. Também por ocasião de seu centenário, o jornalista e professor universitário Ed Wilson Araújo prepara uma exposição baseada em Cais da sagração.

Em seguida, guiado por Wanda França, fiz uma visita ao museu anexo à Casa de Cultura Josué Montello, que reproduz parte do apartamento em que ele se hospedava quando visitava São Luís – mudou-se para o Rio de Janeiro ainda jovem, vindo a falecer ali, em 15 de março de 2006 – e abriga objetos pessoais. Entre inúmeros diplomas, certificados, medalhas e bibelôs, me chamaram bastante a atenção um troféu Juca Pato, que reproduz o personagem de Belmonte – prêmio literário concedido pela União Brasileira de Escritores (UBE), com apoio do jornal Folha de S. Paulo –, e um relógio de parede brinde do sebo Papiros do Egito, da saudosa Moema Alvim.

Ganhei quase duas horas entre uma visita e outra, entre uma conversa e outra, entre uma aula e outra. Sim, no fim das contas, é disso que se trata: Joseane e Wanda dão aulas gratuitas a quem esteja disposto a aprender. Entrei por acaso, repito, portanto não estava armado de apetrechos jornalísticos – gravador, bloco, caneta, máquina fotográfica: levava apenas o celular no bolso e nem este quis sacar para não interromper (a foto que ilustra este post é de Joseane, pedi depois por whatsapp). Seus olhos brilham ao falar do velho Montello – com quem conviveram.

Conversamos um bocado, sobre um monte de coisa. Depois do papo, percebi que é insignificante o que conheço de Montello. Que o mundo dele é universo vasto a ser desvendado – para além dos livros. Wanda me contou de suas aventuras em sebos por São Paulo, à cata de edições que não figuravam no acervo da CCJM. Descobriu por exemplo um Os tambores de São Luís de capa verde, da José Olympio – o homem-editora tema de uma das reportagens de Montello que vi expostas – “igualzinha a uma que temos aqui, só muda a cor”. Trouxe e incorporou ao acervo.

Ela me antecipou também a ideia de um concurso de redação para estudantes da rede pública estadual. Torço para que aconteça. Estudantes universitários que porventura conversem com elas teriam um bocado de temas menos insossos para escreverem suas monografias, dissertações, teses, para além dos cursos de Jornalismo e Letras.

Por exemplo, a geografia de Montello, a geografia em Montello, as transformações por que passou São Luís entre as páginas de seus livros e o que vemos hoje – para melhor ou pior os estudos dirão.

Da sacada do antigo apartamento do escritor, Wanda me contava histórias de um pé de abricó que caiu no dia dum aniversário de Montello, já após seu falecimento. Olhei para cima e vi um bem-te-vi num fio elétrico. Apontei, evocando o título de seu romance, ao que ela me revelou: “todo dia cinco horas da tarde um casal pousa aqui no beiral e fica cantando”.

Arrepiei-me e pude entender-lhes o brilho nos olhos: é o encanto com a magia de Montello. Despedi-me agradecendo e prometi voltar mais vezes, o que farei e recomendo. A exposição Arquivo pessoal de Josué Montello: trajetória e contribuições como jornalista literário fica em cartaz até 30 de junho, mas a CCJM pode ser visitada em qualquer época em dias úteis, das 13 às 19h.

As lâminas despidas de Nuno Ramos

Uma das peças de Só lâmina, com os versos "igual ao de um relógio/ submerso em algum corpo,/ ao de um relógio vivo/ e também revoltoso"
Uma das peças de Só lâmina, com os versos “igual ao de um relógio/ submerso em algum corpo,/ ao de um relógio vivo/ e também revoltoso”

 

Nuno Ramos é um dos mais importantes artistas brasileiros da atualidade. E além de artista, um pensador das artes. Artista plástico, compositor (assina 11 das 12 faixas de Pedaço duma asa, de Mariana Aydar) e ensaísta, para citarmos apenas algumas de suas multiplicidades – em nenhuma delas ele se contenta em ser “meia boca”.

Ele não vem à São Luís, mas o Sesc/MA inaugurou hoje (18), em sua Galeria de Artes na Praça Deodoro (Centro), a exposição Só lâmina, baseada no poema Uma faca só lâmina, do poeta pernambucano João Cabral de Melo Neto, de 1955, e dedicado ao também diplomata Vinicius de Morais.

As 10 telas de Só lâmina são de 2007. Oito medem 1,55×0,75 e duas medem 1x1m. Nuno Ramos usa espelho/vidro, metal, pelúcia e tinta a óleo para compor os desenhos em relevo, que simulam a violência do movimento da lâmina, como a rasgar a delicadeza humana – como no poema que evoca.

Nas placas de metal, trechos dos versos cabralinos. “Das mais surpreendentes/ é a vida de tal faca:/ faca ou qualquer metáfora,/ pode ser cultivada./ E mais surpreendente/ ainda é sua cultura:/ medra não do que come/ porém do que jejua.”, diz um trecho do poema.

Nuno Ramos não se contenta com o bidimensional das telas. Só lâmina se completa com a escultura sonora Carolina, colagem sonora de palavras do cotidiano, trechos de músicas e poemas ditos pelos atores Gero Camilo e Marat Descartes por mais de duas horas, além do vídeo Luz negra, de pouco mais de 10 minutos, realizado em parceria com o artista Eduardo Climachauska, o Clima, cujo experimento é tocar sob a terra Juízo final, de Élcio Soares e Nelson Cavaquinho, compositor cuja vida e obra já foi tema de ensaio de Nuno Ramos (publicado na edição inaugural da revista serrote [IMS, março/2009], teve trechos aproveitados no encarte de Rei vadio, disco de Rômulo Fróes dedicado ao repertório do sambista). A morte que permeia toda a obra do homenageado é vista (e ouvida) por outra perspectiva.

Em cartaz até 14 de julho, Só lâmina pode ser visitada gratuitamente das 9 às 11h e das 14 às 17h, em dias úteis. O poema de João Cabral começa: “Assim como uma bala/ enterrada no corpo,/ fazendo mais espesso/ um dos lados do morto;/ assim como uma bala/ do chumbo mais pesado,/ no músculo de um homem/ pesando-o mais de um lado;”; e termina: “por fim à realidade,/ prima, e tão violenta/ que ao tentar apreendê-la/ toda imagem rebenta”.

Clique sobre os verbos para VER Luz negra, LER e/ou OUVIR Carolina.

Para continuar sendo floresta

O fotógrafo José Medeiros na vernissage de Já fui floresta. Foto: ZR (8/4/2016)
O fotógrafo José Medeiros na vernissage de Já fui floresta. Foto: ZR (8/4/2016)

 

Mais de 30 fotografias compõem Já fui floresta, do fotógrafo sul-mato-grossense José Medeiros, que inaugura a edição 2016 do Sesc Amazônia das Artes. A vernissage aconteceu ontem (8), na Galeria de Arte do Sesc Deodoro, onde a exposição fica em cartaz até o dia 6 de maio.

Medeiros foi o primeiro fotógrafo a registrar o ritual de passagem dos indígenas Ikpeng, no Parque Indígena Médio Xingu, no Mato Grosso. O ritual fotografado por ele dura um ano inteiro e acontece a cada cinco. Marca a entrada dos indígenas na idade adulta – para eles não há adolescência. É quando aprendem a caçar, casam-se cedo.

O conjunto de fotografias de Já fui floresta retrata os costumes, alegrias, alimentos consumidos, o convívio harmonioso com a natureza na bela paisagem. Mais que fotografando e filmando, Medeiros passou um ano convivendo com os indígenas e observando o quanto ainda são explorados e estigmatizados, o que lhe causa indignação.

“Quando os indígenas vão à Cuiabá”, onde ele mora há vários anos, conta, “eu os hospedo em minha casa. Nada mais justo, já que eu me hospedo com eles, não levo comida quando vou às aldeias. Meus filhos os recebem com abraços. Outro dia, um indígena, fazendo doutorado, foi em uma escola e as crianças o receberam u u u [imita o som colocando e tirando a mão da boca várias vezes]. Isso me deixa bem triste”, confessa.

Comento que pouca coisa parece ter mudado desde 1500, vendo, na sala contígua à principal da Galeria, diversos espelhos, daqueles baratos, de moldura alaranjada, comumente vendidos em feiras. “Resolvi botar estes espelhos para provocar a reflexão. Os espelhos ficaram velhos, quebrados. O que restou aos índios? As molduras, que não servem para nada”, comenta, ao lado das únicas quatro fotografias coloridas da exposição, em que curumins emolduram seus próprios rostos.

Instantes antes, após ser entrevistado por uma emissora de tevê, comentou com a repórter: “esses pataxós que estão bem aí na praça [Deodoro] dão uma ótima pauta. É uma forma de eles viverem de seu próprio trabalho. Eles estão aí vendendo ervas, trazendo seu conhecimento popular”.

Pergunto se o homônimo José Medeiros, lendário fotógrafo que fez fama na idem O Cruzeiro, lhe influenciou o trabalho. “Sim, sem dúvida. Eu fiz vários cursos com Walter Firmo, que foi aluno de José Medeiros, não tem como não ser influenciado”, revela, citando outra lenda da fotografia brasileira, este ainda na ativa.

E ilustra com uma história interessante. Uma vez publicou a foto de um menino indígena dando uma bicicleta em uma bola sobre uma superfície de água. Ele saca o celular e me mostra a fotografia, perfeito exemplo de “instante decisivo”, o que por um instante me faz pensar algo como “se Henri Cartier-Bresson tivesse vindo ao Brasil”. Quando seu nome saiu, como autor da foto, começaram as contestações: José Medeiros não fotografava colorido, chegou a ouvir, de quem pensava ser a imagem de autoria do fotojornalista de O Cruzeiro, e não dele mesmo.

Indagado sobre o nome da exposição, ele não titubeia: “Já fui floresta sou eu. Eles continuam sendo e é importante que a gente se una a eles para garantir os meios para que continuem assim, apesar de que nas aldeias já há televisão, telefone, indígenas usando celular, computador. Isso não é necessariamente ruim, o convívio tem que ser saudável”.

Ele está oferecendo um curso de fotografia a indígenas. “Quero perceber como eles mesmos veem a floresta. E que maravilhoso deve ser um indígena fotografando São Paulo, por exemplo?”, indaga-se.

José Medeiros trocou o fotojornalismo por um exercício fotográfico mais documental. Autor do belo O pantanal de José Medeiros [2014], cujas fotografias valorizam a figura do pantaneiro, fugindo dos clichês, ele pode em breve mostrar ao público outra faceta: a de curador, revelando ao Brasil as fotografias frutos do curso que vem ministrando aos indígenas mato-grossenses.

Com curadoria de Wania de Paula e texto crítico de Nadja Peregrino e Angela Magalhães, Já fui floresta, de José Medeiros, pode ser visitada em dias úteis, das 9h às 17h, na Galeria de Arte do Sesc Deodoro (Av. Gomes de Castro, 132, Centro), até o dia 6 de maio.

Veja três fotografias da exposição:

Olhar poético sobre a degradação

Algumas imagens da exposição Tombamento, de Vicente Jr.

 

Em Tombamento o fotógrafo Vicente Jr. volta ao cenário-objeto de sua primeira exposição: Desterro: a cara da comunidade, que integrou a programação da 8ª. Feira do Livro de São Luís (FeliS), em 2014, no Convento das Mercês.

Se na primeira, gente e pedra dialogavam em imagens que já evidenciavam o ambiente decrépito, nesta o olhar se volta às construções, “aqui tudo parece construção e já é ruína”: Tombamento trocadilha o tombo do patrimônio arquitetônico com o tombo iminente dos mal conservados casarões da Praia Grande, Desterro e Portinho, os três bairros que compõem o Centro Histórico ludovicense, que podem desabar a qualquer momento.

A exposição fotográfica individual de Vicente Jr. é também um diálogo de técnicas, entre o digital e o analógico, em que antagoniza a instantaneidade destes tempos virtuais, ele mesmo usuário contumaz de redes sociais como o Instagram – cuja conta (@vicentefjunior) dá pistas do tipo de imagem que veremos na Galeria de Arte do Sesc Deodoro, onde a vernissage de Tombamento acontece nesta quinta-feira (18), às 18h30. A exposição pode ser visitada até 29 de março, em dias úteis, das 9 às 17h, com entrada franca.

Vicente Jr. conversou com o Homem de vícios antigos sobre a exposição.

O fotógrafo Vicente Jr. em ação. Foto: divulgação
O fotógrafo Vicente Jr. em ação. Foto: divulgação

Sua primeira exposição teve o Desterro como cenário-objeto. Agora você volta ao Centro Histórico da ilha. O que te instiga nestes ambientes degradados?
Enquanto produzia as imagens para a minha primeira exposição foi inevitável pensar a respeito do lamentável estado de abandono dessa área dita tombada. Foi quando surgiu a ideia de utilizar as possibilidades poéticas da ambiguidade do verbo tombar. Vi nessa ambiguidade do tombo uma possibilidade poética, uma caminho para desenvolver esse trabalho. Meu olhar é atraído por essas camadas sobrepostas de tempo, que cria uma textura nas imagens. Essa decadência possui um charme e é impregnada de história. Gosto também de partir de alguns clichês inerentes ao Centro Histórico, como por exemplo, o de cidade turística, cidade dos azulejos e dos casarões, e desconstruí-los. Às vezes fico extasiado diante de algumas imagens que mais parecem paisagens de algum filme cyberpunk.

Quantas fotos compõem a exposição?
A exposição consiste em oito fotografias analógicas e 11 digitais, totalizando 19 fotografias. Também deixei exposta a câmera analógica de plástico simples e precária com que fiz essas imagens.

Por que a opção em fotografar em analógico?
A princípio o projeto era para ser exclusivamente analógico, mas achei melhor utilizar as duas tecnologias. Proponho um diálogo entre elas. É evidente a hegemonia do digital em nossos dias hipermodernos e sua velocidade tanto de produção, quanto de divulgação das imagens. A opção pela tecnologia analógica foi de ir contra a corrente. Resgatar esse outro tempo, mais lento e os processos químicos da revelação que têm mais a ver com a natureza das imagens que mostro. Assim uma tecnologia não exclui a outra, mesmo com toda a dificuldade de trabalhar com o analógico. Eu mesmo não possuía mais uma câmera dessas. Perguntei aos amigos se alguém ainda tinha e um deles me presenteou com uma. O próprio filme quase não se consegue encontrar aqui em São Luís e existe apenas um laboratório que ainda resiste e faz a revelação dos negativos. É realmente remar contra a maré.

Sua relação com a fotografia é profissional, hobby ou ambas as coisas?
Cara, começou como um hobby e não deixará nunca de ser. Mas as coisas estão acontecendo e adquirindo outros contornos. E tenho me dedicado somente à fotografia ultimamente.

Em Desterro: a cara da comunidade, sua exposição inaugural, o elemento humano era presença constante no conjunto de fotografias, convivendo com o elemento pedra. Nesta, Tombamento, os humanos desaparecem. Você acredita fazer um jogo de futurologia, denúncia social ou ambas as coisas através de sua arte?
Então, na minha exposição anterior eu quis mostrar que apesar de todo descaso e por que não dizer, “desterro” daquele bairro que apesar dos estigmas, como por exemplo, a violência, a prostituição e o tráfico de drogas, possui um sentimento de comunidade muito forte e foi inevitável o enfoque nas pessoas inseridas ali. Em Tombamento, as pessoas somem! Surgem os animais de rua vagando sem destino, carros e motos que não deveriam circular ou estacionar por ali. Como falei antes, algumas imagens lembram filmes cyberpunk, desabitadas, devastadas. Assim, futurologia. Não tem como fugir da denúncia social! Acaba fazendo as pessoas pensarem um pouco acerca do tema e reflitam. Será que esse patrimônio está realmente tombado? Será que as gerações futuras terão acesso a ele?! Acredito no poder das imagens de instigar o pensamento, a reflexão. Esse poder não é uma exclusividade da palavra escrita ou oral.

Imagem é tudo. Tudo é imagem

Uma das "imagens descartáveis" que compõem a exposição
Uma das “imagens descartáveis” que compõem a exposição. Foto: Layo Bulhão

 

Já há algum tempo este blogue usa a categoria “fotosca” para se referir a retratos que faço – jamais usaria um trocadilho desses para me referir a imagens alheias –, em geral com o celular.

Às vezes as “fotoscas” são o único recurso de que posso me valer para ilustrar um texto meu sobre um show, por exemplo. Do ponto de vista estético, a grande maioria delas deveria ter sido apagada. Algumas nem deveriam ter sido clicadas.

É mais ou menos esta discussão, sobre o que merece a publicação ou o lixo como destino, o que provoca a exposição Imagens descartáveis (ou: Um diálogo com o erro), da fotógrafa, pesquisadora, videoasta e professora Carolina Libério e do artista e estudante de artes Layo Bulhão, em cartaz na Galeria de Artes do Sesc Deodoro (Praça Deodoro), das 9h às 17h, até 30 de outubro, com entrada franca.

A exposição conta com cerca de 800 imagens, a metade de cada autor. É um mergulho em “um universo de imagens que permanece sempre não-visto: aquele das imagens descartadas. Imagens imprestáveis, que sobram e inundam pastas, cartões de memória, cds, pen-drives e hds”, conforme o texto distribuído pela Assessoria de Comunicação do Sesc/MA.

O debate proposto é bastante pertinente, num mundo em que a imagem ganha cada vez mais força, contrariando a propaganda do refrigerante, dominado por selfies – o autorretrato que conta até com um “pau” próprio para isso – e plateias em que parte do público já não assiste a espetáculos com os próprios olhos, mas pelas lentes por onde registram a experiência.

Telhas na cabeça! Elmo Renato expõe na Galeria Trapiche

Artesão expõe 96 peças realizadas em telhas de construção. Na conversa com o blogue revelou origens e apontou influências.

O artesão Elmo Renato Serra Cordeiro nasceu em 20 de outubro de 1970, em São Luís/MA. É bastante conhecido da maioria dos leitores do Vias de Fato: pelos corredores da Universidade Federal do Maranhão era figurinha fácil, envergando mochila, bengala, um chapéu a la Lampião e alguns exemplares do jornal debaixo do braço.

Ele ingressou na UFMA em 2009 para cursar História, que trancou no quinto período. O uso da bengala decorre de uma patologia que teve quando criança, o que o deixou sem andar até os cinco anos de idade. “Fiz muita fisioterapia para poder me locomover sozinho. Mesmo com algumas limitações físicas, tive uma infância muito feliz e bastante proveitosa, graças ao apoio sempre constante dos meus pais”, revela.

Elmo dedica-se ao ofício do artesanato e atualmente está em cartaz com a exposição Deu na telha, que pode ser conferida em horário comercial, até o próximo dia 12 de junho, na Galeria Trapiche Santo Ângelo (av. Vitorino Freire, em frente ao Terminal de Integração da Praia Grande). São 96 peças, utilizando telhas de construção como principal matéria prima.

Os temas, os mais diversos possíveis, vão do abstrato à cultura popular do Maranhão, da lenda da serpente ao imaginário de pescadores, passando por homenagens a familiares do artesão e uma galeria da esquerda sul-americana, a que comparecem o jornal Vias de Fato, o Movimento dos Trabalhadores e Trabalhadoras Rurais Sem Terra (MST), o Mercosul e Ernesto Che Guevara, entre outros.

O blogue visitou a exposição e conversou com o artesão.

Foto: Divulgação (fan page do artesão)
Foto: Divulgação (fan page do artesão)

 

Quando você teve o estalo de produzir usando telhas de construção? Foi há mais ou menos 18 anos, quando vi numa loja de artesanato uma máscara em estilo tribal africana esculpida em madeira, mas que lembrava muito o formato de uma telha. A partir daí comecei a produzir máscaras usando a princípio a massa epox ou resina sintética para sua confecção e depois pintava com tinta acrílica.

Qual o material utilizado na confecção das telhas em exposição? Uso a argamassa para sentar piso como massa para esculpir sobre a telha e as pinto depois de secas com tinta plástica a base d’água.

Você produz artesanato em outros suportes? Quais? Sim, em pisos e revestimentos cerâmicos, com os quais pretendo fazer outra exposição só com esse tipo de base.

Com quem você aprendeu a fazer artesanato? Aulas, alguma influência na família, autodidatismo? Desejo de criar, curiosidade e prazer, não necessariamente nessa ordem. A influência veio do meu irmão, que desenhava muito melhor do que eu.

A quem interessar possa, fora da exposição, onde as pessoas podem ver teu trabalho? No momento estou criando peças na minha casa, onde tenho um espaço reservado para meu trabalho e exposição delas.

Percebe-se na exposição uma gama bastante variada de temas. Quais os teus prediletos? O que te inspira a produzir? Eu desde muito cedo sempre gostei de desenhar, principalmente nas aulas de educação artística, disciplina que tinha quando estudava no Franco Maranhense, onde iniciei no jardim e conclui o primeiro grau, na década de 1980. Foi nesse período que, por gostar muito de quadrinhos, procurava desenhar imitando o estilo dos desenhistas, principalmente os brazucas: Watson Portela, Mozart Couto, Flávio Colin e outros que produziram o melhor do quadrinho de gênero terror da antiga editora Vecchi, com títulos como Spectro Sobrenatural e Pesadelo, dos quais era um fã e colecionador. Depois vêm os quadrinhos de heróis da Marvel e outros. Vendo meu gosto e dedicação pelo desenho, minha mãe me matriculou no curso de desenho e pintura com o grande mestre Ambrósio Amorim, no antigo [Centro de Artes] Japiaçu, onde fui apresentado à tela, paleta, óleo de linhaça, terebintina e tintas a óleo (gato preto). Foi minha fase dos casarios e marinhas, fiquei nesse estilo muito tempo. Foi pela curiosidade que comecei a buscar outras formas de artes plásticas, como a escultura em argila, com o professor ceramista Luis Carlos. Depois passei para a xilogravura com o Airton Marinho, outro espetacular artista popular na arte de esculpir em baixo relevo na madeira para depois passar para o papel suas formas em cores vibrantes e sempre valorizando nossa cultura popular. Enfim, foram muitos os caminhos e estilos até chegar na forma que hoje em dia eu produzo minhas peças, onde o abstrato é muito frequente, mas também o figurativo, mesmo que de forma estilizada, e a arquitetura colonial da cidade de São Luís, onde nasci e que ainda me inspira, apesar do descaso do poder público.

Quando não está fazendo artesanato, o que você mais gosta de fazer? Gosto de ler, assistir documentários e filmes, navegar na rede [é usuário frequente do facebook, onde expõe suas obras virtualmente na fan page Elmo Artesanato], ir à praia com a família ou visitar meus pais.

Após percorrer seis capitais brasileiras, exposição de Dinho Araújo será aberta hoje (11) em São Luís

Divulgação

 

Muita coisa me impressionou na gigantesca programação da 9ª. Aldeia Sesc Guajajara de Artes, em que tive a honra de trampar ano passado. Foram dias intensos, doidos e doídos, que valeram muito a pena. O epíteto de “maior evento de arte e cultura do Maranhão” não é mero slogan.

Na Casa de Nhozinho, um dos muitos espaços da cidade com que a Aldeia – literalmente uma aldeia – dialogou, tomei conhecimento das obras de João Cosme e Dinho Araújo, que respectivamente apresentavam as exposições fotográficas Abstraturbano e Liturgias do Corpo.

O segundo está com nova exposição a partir de hoje (11) na Galeria de Arte do Sesc Deodoro – a vernissage acontece às 18h30 e a exposição fica em cartaz até o próximo dia 20 de março, com visitação gratuita e aberta ao público.

Dos dias em que a ausência é marca, a exposição, chega à São Luís depois de ter percorrido outras seis capitais brasileiras, ano passado, pelo projeto Sesc Amazônia das Artes.

Composta por fotos, objetos e um vídeo, a exposição apresenta “um olhar crítico e poético sobre identidade, patrimônio e memória, contrapondo visões antagônicas sobre São Luís. No trabalho, memórias pessoais se entrelaçam à experiência coletiva, ambas servindo de inspiração a um registro sutil que sublinha como somos marcados pela ausência”, de acordo com o texto de divulgação distribuído aos meios de comunicação.

“Como analogia ao nosso vazio existencial, a leitura da cidade requer um olhar atento às lacunas e fissuras. Um caso exemplar é a paisagem do Centro Histórico, marcada tanto pela força expressiva do seu conjunto arquitetônico quanto pela sua descaracterização (consequência da demolição de imóveis e da remoção dos azulejos das fachadas). Beleza e depredação, memória e esquecimento: pares antagônicos que costuram as representações locais e as projeções externas que fazem de nós. Como uma composição sem letra, essa reflexão transcende à experiência local, conectando de modo singular os polos da identidade, do patrimônio e da história”, continua o release.

O artista – Dinho Araújo é arte-educador, designer e artista plástico, mestre em Antropologia pela Universidade Federal da Paraíba (UFPB). Entre 2012 e 2013 foi professor do Departamento de Artes da Universidade Federal do Maranhão (UFMA). Além da Aldeia Sesc Guajajara de Artes já expôs em eventos como a Feira do Livro de São Luís (2013) e Salão de Artes Visuais da Prefeitura de São Luís (2010), entre outros.

Contrastes da Ilha sem lentes e sem filtro

Contraste: a cidade velha…

São Luís é uma cidade de contrastes. O singular é justamente o título da exposição das irmãs Dinalva e Denise dos Anjos, estudantes de Educação Artística (UFMA), que fotografaram as cidades nova e velha fazendo uso do pinhole, técnica artesanal de fotografia.

Contraste, a exposição, é composta de 15 fotos, oito retratando a cidade velha – o centro histórico – e sete a cidade nova – a Av. dos Holandeses, na altura da Ponta d’Areia. Há várias técnicas para captar imagens através do pinhole – também conhecido como fotografia estenopéica. As irmãs usaram caixas de fósforo e filme fotográfico.

Sob qualquer aspecto São Luís é a capital dos contrastes. As irmãs dos Anjos concentraram-se na arquitetura. “De um lado a arquitetura colonial, de outro os prédios luxuosos e a arquitetura moderna. Buscamos com isso ir além da apreciação visual, proporcionando ao espectador uma reflexão crítica sobre a cidade e nossa história”, afirma Dinalva.

A exposição integra a programação da 8ª. Aldeia Sesc Guajajara de Artes e fica em cartaz de amanhã (29) a domingo (3/11), das 9h às 17h, com entrada gratuita, no Centro de Cultura Popular Domingos Vieira Filho (Rua do Giz, 221, Praia Grande).

… e a cidade nova

Arte tem cemitério como cenário

Wilka Sales no túmulo mais antigo do Cemitério do Gavião. “Tem mais nem data, o tempo apagou”

A exposição Ex-Vivos – Série 2 também integra a programação da 8ª. Aldeia Sesc Guajajara de Artes. O título traduz a relação entre o expressionismo alemão e os ex-votos – diversos objetos doados a divindades como forma de agradecimento por um pedido.

O número do título dá a ideia de que uma primeira série já foi exposta: está inscrita no IV Salão de Artes de São Luís, ainda não realizado este ano. “Como eu já tinha apresentado o projeto lá, coloquei esse do Sesc como sendo o segundo mesmo”, conta Wilka Sales ao blogue, justificando a inversão da ordem.

São oito fotografias, realizadas por Bigorna Trompete e Nara Oliveira, que eternizam a performance de Wilka, que utiliza o corpo como canal d/e comunicação e assina ainda direção, produção e concepção fotográfica. A locação escolhida foi o Cemitério do Gavião, na Madre Deus.

“Percebi a conexão entre elementos visuais e artísticos que pesquisei, daí relacionar os mortos, os ex-votos e o expressionismo alemão neste trabalho”, explica a autora de Ex-vivos. Ela transgrede e provoca: um corpo vivo feminino no cemitério soou mal aos olhos de uma senhora: “Como é que você tira fotos desse jeito em cima de nossos entes queridos, minha filha?”, perguntou-lhe, indignada com um top less da moça entre as lápides.

“É a leitura dela, eu não fiquei chateada, pelo contrário: adorei a reação”, revela. A estudante de artes plásticas da UFMA, envolvida em interessantes produções culturais por São Luís, está ciente de que não agradará a todos. “Acredito que alguns vão se identificar com o trabalho. Outros não. Mas um ponto fundamental é, por exemplo, perceber as particularidades artísticas e históricas do Cemitério do Gavião, com a consequente valorização desse espaço urbano, em geral visitado apenas em dias de finados ou quando alguém morre”, aponta.

Ex-vivos – Série 2 fica em cartaz de amanhã (29) até domingo (3/11), no Centro de Cultura Popular Domingos Vieira Filho (Rua do Giz, 221, Praia Grande). O horário de visitação é das 9h às 17h.

Cliques de craques

Documentos da Cultura: a Festa, a Dança, a Fé é o título da exposição de Carolina Libério, Jane Maciel e Ramúsyo Brasil, fotógrafos que integram o Núcleo de Pesquisa e Produção de Imagem (NUPPI), associado ao Instituto Federal do Maranhão (IFMA), cujo vernissage acontece nesta quinta-feira (11), às 18h30min, na Galeria de Artes do SESC Deodoro (Av. Gomes de Castro, 132, Centro). As 21 imagens que compõem a exposição foram realizadas entre 2009 e ano passado.

“Quem sabe o segredo de São Cosme é São Damião” (Baden Powell)

Os cliques do trio valorizam a importância do corpo e do movimento e não garantem distanciamento do objeto estudadobservado: câmeras em punho, olho mirando através das lentes, são também, ele & elas, partes integrantes da festa, da dança, da fé, da paisagem.

“Dança a nossa tribo/ dança o povo inteiro” (Lenine): o Bambaê de Caixa em Penalva

Movimento, vibração e pulsação são palavras fundamentais para compreender a opção estética da tríade: determinada imagem não está borrada ou tremida, mas quer eternizar em si, instantes além do clique em si (ou qualquer outra nota musical): um exercício de (quase) cinema (mudo). Engajamento é outra palavra que vale destacar: o do corpo que anda, dança, reza, corre atrás dos bombons de Cosme e Damião, e goza o divino & o mundano, o dos três fotógrafos com a cultura popular do Maranhão e com a fotografia, o do seu corpo ao ver os registros: impossível não se sentir lá (na festa, na dança, na fé clicada): engajamento é compromisso e você já tem, nesta quinta, um de primeira.

“Andar com fé eu vou” (Gilberto Gil): São Raimundo dos Mulundus

Estão registrados em Documentos da Cultura (amostras grátis as três imagens que ilustram este post) clubes de reggae, a festa de São Cosme e São Damião, a malhação de Judas, a dança do cacuriá, através de sua eterna rainha Dona Teté, a festa do Bambaê de Caixa (da comunidade do Pouso, em Penalva/MA) e a procissão e São Raimundo dos Mulundus (Vargem Grande/MA).