Ainda queima a esperança

A lona do circo da Turma do Biribinha. Foto: Zema Ribeiro

 

Termina amanhã (17) em São Luís a programação do Sesc Circo.

Na programação do Palco Giratório, que antecedeu o Sesc Circo, vi um espetáculo, quinta-feira passada (12), intitulado Magia. Era da Companhia Teatral Turma do Biribinha, de Alagoas, e unia, com simplicidade e competência, os ambientes mágicos do circo e do cinema.

Teófanes Antônio Leite da Silveira, o palhaço Biribinha, completa 60 anos de carreira em 2018. Em Magia, convida pessoas da plateia a interagir com ele no palco, longe de qualquer possibilidade de constrangimento – não faltaram, aliás, candidatos, sob a lona absolutamente lotada.

O espetáculo é um conjunto de esquetes que homenageiam do Gene Kelly de Cantando na chuva ao Charlie Chaplin de tantos clássicos do cinema mudo, passando também pelo universo do faroeste, entre outros.

Diversão e risos garantidos, além de uma viagem à infância e ao universo lúdico do picadeiro, de que o palhaço é senhor absoluto, ainda mais no caso de Biribinha de Arapiraca.

Com classificação indicativa livre, havia muitas crianças na plateia, mas criança não anda só. A determinada altura, enquanto agradecia os que participavam de um esquete e recrutava outros para o próximo, disse a um jovem que deixava o palco: “desça! E leve o Temer junto!”, para gargalhada geral.

Há quem ache que arte e política não se misturam e este que vos perturba mesmo chegou a ver quem tentasse censurar os poetas Celso Borges e Fernando Abreu pela Noite Lula Livre, que realizaram na quinta anterior (5), no Chico Discos, vendendo pôsteres com poemas de sua autoria aludindo ao sequestro político do líder das intenções de voto em qualquer pesquisa eleitoral – ambos estão no livro Lula Livre, que sai este mês, organizado por Ademir Assunção e Marcelino Freire, com entre outros, Aldir Blanc, Augusto de Campos, Caco Galhardo, Carlos Rennó, Chico César, Frei Betto, Juvenal Pereira, Laerte e Xico Sá.

Há quem pense que tergiverso e mude de assunto. Não. A Turma do Biribinha e a palavra que dá título a seu espetáculo tiveram mesmo a capacidade de encher de esperança (roubei o título de um antigo sucesso de Raul Seixas na voz de Diana) os ludovicenses que (ainda) creem na arte e na política – juntas ou separadas: durante o tempo em que estiveram na cidade, armaram literalmente um circo (onde Magia foi apresentado) ao lado do Terminal de Integração da Praia Grande, relembrando o saudoso Circo Cultural Nelson Brito, o Circo da Cidade, para os íntimos, retirado da população no fim do mandato do ex-prefeito João Castelo (1937-2016) e nunca devolvido.

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Documentário reverencia Humberto de Maracanã e contribui para a manutenção de seu legado

O mestre Humberto de Maracanã. Foto: Diana Gandra
O batalhão pesado de Maracanã. Foto: Diana Gandra

 

É necessário reconhecer a importância do trabalho empreendido pelo grupo A Barca, ao longo de 20 anos de existência – um novo disco celebrando a marca deve ser lançado até o fim do ano –, no registro de manifestações da cultura popular brasileira. Guardadas as devidas proporções, seu trabalho se irmana a mapeamentos fundamentais como as pioneiras Missões de Pesquisas Folclóricas empreendidas por Mário de Andrade ainda nos anos 1930 e todo o catálogo da gravadora Discos Marcus Pereira, do publicitário aficionado por música popular, realizado entre os anos 1960 e 70.

Dito isto, merece especial destaque a paixão da contrabaixista Renata Amaral pela cultura popular do Maranhão. Com o grupo, ela foi responsável pelo lançamento de discos como os do Baião de Princesas, Tambor de Crioula de Taboca, Tambor de Mina Raiz Nagô, Bumba Meu Boi de Encantado Garotos do Cruzeiro, manifestações da Casa Fanti Ashanti, do Bumba Meu Boi de Costa de Mão Brilho da Sociedade, Tenda São José e Estrela Brasileira, do Bumba Meu Boi de Maracanã.

Renata também assina direção e roteiro do documentário musical Pedra da Memória (2013), que acompanha uma viagem do babalorixá Euclides Talabyan ao Benin.

Guriatã. Capa. Reprodução

No último dia de São João (24 de junho), Renata Amaral lançou, durante a cerimônia do batizado do Bumba Meu Boi de Maracanã, na sede do grupo homônimo, na comunidade idem, no interior da Ilha de São Luís, o documentário Guriatã [Brasil, 2018, 90 min.], com direção e roteiro também assinados por ela – o projeto foi selecionado pelo edital Rumos Itaú Cultural.

A musicista e cineasta conviveu com Humberto por cerca de duas décadas, inclusive como integrantes do Ponto BR, coletivo que reúne mestres de cultura popular de várias regiões do Brasil. O que se percebe no filme é um misto de intimidade, comunhão e devoção.

Estrela de primeira grandeza, interpretado por vozes como Alcione e Maria Bethania, Humberto Barbosa Mendes (1939-2015) era um homem simples, do povo. Lavrador. Sobretudo de versos. Em 2008 foi o homenageado do Prêmio Culturas Populares do Ministério da Cultura.

O guriatã do título é uma alcunha adotada pelo próprio Humberto, assim reconhecido por pessoas próximas e pelos milhares de seguidores e seguidoras de seu batalhão pesado. Curioso é que o passarinho que lhe deu apelido é conhecido por imitar o canto de outros pássaros, embora Humberto de Maracanã fosse dono de um canto e uma poesia extremamente originais – não à toa vários depoimentos apontem-no como único, maior.

É impactante ver a emoção causada por seu canto e sua capacidade de liderança. É comovente o relato de Walter França – mestre de maracatu, também seu companheiro no coletivo Ponto BR – sobre a primeira vez que ouviu uma toada do maranhense e sua vontade imediata de conhecer o compositor. É curiosa a revelação da porção sambista do protagonista. É sublime o registro de Humberto junto a Pai Euclides e Mestre Apolônio, todos já falecidos. É engraçado compartilhar de momentos descontraídos, a diretora transformando qualquer espectador em íntimo do ídolo.

A lembrança de toadas de pique – equivalentes aos repentes de violeiros no universo do bumba meu boi – também garante boas risadas, com Humberto em geral vencendo os desafios. Mesmo quando se fala em seu falecimento, a reverência com que é tratado atenua a dor da perda e aponta para a perpetuação de seu legado – a grande família, consanguínea e comunitária, de Mestre Humberto tem mantido viva e acesa a tradição do Bumba Meu Boi de Maracanã, para o que também o documentário de Renata Amaral dá contribuição inestimável.

Um olhar privilegiado sobre o maio de 1968

Um ano depois. Capa. Reprodução

 

O trunfo da prosa de Anne Wiazemsky (1947-2017) é nos tornar cúmplices dela e do então marido Jean-Luc Godard em suas perambulações pelos acontecimentos do maio de 1968.

À época com apenas 20 anos, a atriz conduz os leitores por um ângulo sui generis, tornando-nos íntimos, espectadores privilegiados, como a conviver com tantos personagens interessantes que aparecem ao longo das páginas de Um ano depois [Um na après; tradução: Julia da Rosa Simões; Todavia, 2018, 172 p.; R$ 50,00] – o livro foi adaptado ao cinema por Michel Hazanavicius, com Louis Garrel no papel de Jean-Luc Godard.

Godard era um ícone da esquerda francesa e de algum modo havia profetizado o mítico mês em que os estudantes tomaram Paris em seu filme A chinesa, lançado em 1967, com Anne Wiazemsky como protagonista.

A autora escancara sua intimidade com o cineasta, de modo poético, entre preferências gastronômicas, o mau humor quase infantil provocado por motivos prosaicos, o trabalho e o ciúme – o homem comum por detrás do gênio do cinema –, longe de soar fútil.

O cineasta se irrita, por exemplo, com a mulher indo à praia em plena greve. Ou com os donos da casa em que se hospedam durante determinada passagem, enquanto Paris literalmente pega fogo. Anne reconta também episódios marcantes como o boicote – liderado por Godard e François Truffaut, de quem se afastaria, posteriormente – ao Festival de Cannes, além do convívio com figuras como o filósofo Gilles Deleuze e o cineasta Bernardo Bertolucci, entre outros.

Em uma reunião em que se discute a gravação de um filme de Godard com os Beatles, o projeto acaba inviabilizado pelo humor de John Lennon. Anne e Paul McCartney enfiam-se debaixo da mesa para tomar chá e comer bolachas – para desespero de Godard, que não acredita muito na versão da própria esposa, ao menos não de cara.

Na sequência, o casal viaja para Londres, onde acaba gravando os Rolling Stones em Simpathy for the devil – as gravações foram interrompidas por um incêndio no prédio do estúdio e a escritora não retoma o assunto.

Anne Wiazemsky também aborda as insatisfações e desilusões de Godard com o cinema e sua ameaça em deixar de praticar a sétima arte – em determinada passagem chama a si mesmo de “Jean-Luc ex-Godard” – e seu quase suicídio motivado por… ciúmes.

A história é contada com rigor e sentimento, sem romantização, em uma prosa delicada, por quem esteve literalmente no olho do furacão. É um olhar inédito e instigante sobre os acontecimentos de maio de 1968, seus desdobramentos e, sobretudo, seus personagens, fundamentais para a vida cultural e política do planeta nos últimos 50 anos, homens e mulheres com seus defeitos e contradições, tão humanos quanto nós, meros leitores e admiradores de seu legado.

E não é o Domingão do Faustão!

O vazio do domingo. Frame. Reprodução

 

Como muitos podem pensar ao ler o título O vazio do domingo [La enfermedad del domingo, drama, Espanha, 2017, 113 min., classificação indicativa: 16 anos; disponível no Netflix].

O belo filme de Ramón Salazar explora de maneira poética, emoldurado por belas paisagens, os limites da ética e do amor.

Começa com ares de filme policial, a trama a envolver o espectador em uma espécie de jogo de gato e rato.

As atuações de Bárbara Lennie e Susi Sánchez, que interpretam a filha Chiara e Anabel, a mãe que a abandonou décadas antes, são estonteantes – nelas se concentra o enredo, numa curta temporada em que passam juntas, a partir de um pedido da primeira.

Anabel tornou-se rica e poderosa e ao ver a reaproximação da filha, imagina mesquinhamente tratar-se de alguém que quer dinheiro. É aí que há uma guinada para um convívio durante o qual é forçada a sair de sua zona de conforto, entregando-se a tarefas domésticas simples, lembranças, feridas que não cicatrizam e um tempo que ameaça consumir a (re)descoberta de laços – no que o título em português é mais sutil que o original, ao não entregar o ouro de cara, ao contrário deste resenhista que não se importa em dar spoiler.

O atrito entre as protagonistas é permanente, apesar do atavismo que as une – “quem herda aos seus não degenera”, diz o dito popular. Em determinada cena, mãe e filha veem slides e aquela se surpreende com uma memória impossível: em uma imagem aparece grávida de Chiara, mas com a mesma idade desta, a seu lado. A filha explica tratar-se de uma colagem, algo simples, elogiada pela mãe quase como uma obra de arte, enquanto surge uma nova revelação sobre o passado da adolescente abandonada. Um drama familiar comovente.

“Momentos que roubamos do mundo”*

Forte apache. Capa. Reprodução

 

Certa vez em uma rede social o poeta Marcelo Montenegro relatou um encontro com um amigo. Passaram horas conversando sobre tudo e, ao se despedir, o interlocutor observou: “nem falamos de poesia”. Ao que o poeta retrucou: “como assim? Falamos o tempo inteiro”.

Marcelo Montenegro é poeta em tempo integral: seja dando aulas de História (sua formação acadêmica), seja escrevendo roteiros (ocupação de que tira o sustento), fazendo a luz de espetáculos de teatro (função lembrada no poema Memórias de um operador de luz), escrevendo prosa (deve-nos um livro) ou poesia.

Sua poesia esbanja musicalidade, não à toa ele apresenta há mais de década o espetáculo Tranqueiras líricas, que virou disco no fim do ano passado, além de ser parceiro de nomes fundamentais da atual cena que vale a pena, entre os quais a banda Fábrica de Animais e a cantora e compositora Vanessa Bumagny.

Forte apache [Companhia das Letras, 2018, 115 p.; R$ 40; leia Três pensatos, poema que abre o livro] é um feito raro, ao reunir três livros de Marcelo Montenegro: além da seção de inéditos que dá título ao livro, o volume traz reedições de Garagem lírica (2012) e Orfanato portátil (2003) – este último coloca o poeta em condição de talvez único poeta brasileiro vivo com um livro de poesia já em sua terceira edição.

Sua poesia é coalhada de referências da cultura pop, do universo do cinema, da música, da literatura, entre citações, colagens e epígrafes (Tom Waits, Elizabeth Bishop e Murilo Mendes), que ele costura como um ás. Como no poema-título, que cita, entre outros, Noel Rosa, Elvis Costello, Laura Riding, François Truffaut e Ferreira Gullar.

Espécie de “Manoel de Barros da cidade grande”, como anota o ídolo Chacal na orelha de Forte apache, Montenegro é dono de uma sensibilidade aguda capaz de eternizar aquilo que geralmente tomamos como banal. Como em Spoiler: “Lembro que você me contou/ uma história incrível./ Embora não lembre a história,/ sou capaz de soletrar,/ inclusive, a brisa que,/ por um microssegundo,/ inflou a cortina da sala.”.

Tudo é matéria-prima para a poesia de Marcelo Montenegro. A desprezada “ponta do pão Pullman”, “o baque da privada gelada” e “os ingredientes do Toddy” (em Velhas variações sobre a produção contemporânea), “Um gosto/ de obturação na boca”, “Tranqueiras líricas/ na velha caixa de sapato” “E aquela música linda/ que nunca toca no rádio” (em Buquê de presságios) – dois dos poemas mais bonitos já escritos neste século.

Volto ao poema-título e uma de suas citações: “Elvis Costello disse que o rock’n’roll não morrerá porque sempre vai ter um garoto trancado em seu quarto fazendo algo que ninguém nunca viu”. Podemos dizer o mesmo em relação à poesia. Quantas vezes o leitor, mesmo aquele que não arrisca versos, não se pegará pensando, ao longo da leitura de Forte apache, parafraseando Itamar Assumpção (outra referência, citado no poema Bildungsroman): “por que é que eu não pensei nisso antes?”.

Os poemas de Marcelo Montenegro são sofisticados em sua aparente simplicidade. Dão a falsa impressão de que poderiam ter sido escritos por qualquer um, mas, como alertou Leminski, “um bom poema/ leva anos”.

Poetas moram dentro de seus poemas e “Cantar é roubar/ uns minutos da morte” (Literatura comparada). Uma singela e rara cumplicidade se estabelece entre autor e leitor: seus versos nos tornam íntimos do poeta, transformando-nos em seus companheiros de aventuras, Estabanados aprendizes dos feiticeiros: “Contemporâneos de cada estilhaço./ Furtando taças de vernissages./ Bebendo vinho em copos de plástico.”.

&

*verso de Eu costumava grifar meus livros.

Novo álbum celebra grandeza de Marcello Quintanilha

Todos os santos. Capa. Reprodução

 

Marcello Quintanilha é, merecidamente, um dos mais festejados quadrinhistas brasileiros da atualidade. Obras como as graphic novels Tungstênio [Veneta, 2014, 186 p.], recém-adaptada ao cinema por Heitor Dhalia [drama, 2018, Brasil, 80 min.], com o próprio Quintanilha no time de roteiristas, e Hinário nacional [Veneta, 2016, 128 p.], vêm angariando prêmios no Brasil e lá fora – o niteroiense mora em Barcelona desde o início dos anos 2000.

Todos os santos [Veneta, 2018, 112 p.; R$ 85], seu novo álbum, é uma espécie de portfólio, reunindo os primeiros trabalhos – começou aos 16 anos na carioca Bloch, desenhando roteiros alheios de terror e artes marciais –, desenhos e tiras publicados em jornais e revistas nacionais e estrangeiros (Bravo, O Estado de S. Paulo, Trip, Cândido, El País, Le Monde), além de inéditos – Acomodados!! Acomodados!!, vencedora da I Bienal Internacional dos Quadrinhos do Rio de Janeiro, em 1991, permanecia inédita até aqui.

Também merecem destaque a HQ A invasão do sagaz homem fumaça (2000), mais conhecida pelos fãs do Planet Hemp, que deu capa e ilustrou o disco homônimo da então banda de Marcelo D2, retratos de Zeca Pagodinho, Mario Vargas Llosa, Paul Gauguin, Fidel Castro e Fernando Henrique Cardoso, com um fósforo quase a queimar-lhe os dedos, na vã tentativa de iluminar o próprio rosto à época dos apagões de seu governo.

A história se repete como tragédia ou como farsa, como nos ensinou Marx, e as melhores retrospectivas nos permitem perceber esta lição na prática. Um projeto de capa de 2000 retrata um senhor calvo, em seu terno alinhado, portando a faixa presidencial, com as mãos algemadas para trás, sendo conduzido por dois policiais.

Edição de luxo, em capa dura, Todos os santos é aberto com uma respeitável fortuna crítica: o prefácio de ninguém menos que Aldir Blanc à primeira edição de Fealdade de Fabiano Gorila [Conrad, 1999], estreia autoral/solo de Quintanilha no mercado editorial – à época ele assinava Marcello Gaú –, saudado pelo cronista e compositor como “o Rosselini tupiniquim”. Antes dos quadrinhos, o leitor poderá deliciar-se também com uma entrevista de Quintanilha a Paul Gravett, “o mais influente crítico de quadrinhos da Europa”, da inglesa ArtReview, “uma das principais revistas sobre artes plásticas do mundo”, que em 2015 publicou duas páginas do brasileiro – devidamente incluídas em Todos os santos.

Marcello Quintanilha não hierarquiza a importância, para sua carreira, das histórias que publica hoje, em álbuns bem acabados, das que veiculou em publicações baratas a partir da oportunidade adolescente. Todos os santos funciona como uma espécie de guia ou porta de entrada para sua obra, em que se destaca seu agudo talento de cronista, de texto e traço sagazes ao relatar flashes de brasilidade, característica marcante de seu trabalho – a capacidade dos melhores cronistas em eternizar o que nos passaria despercebido se não fosse transformado em obra de arte. Afinal de contas, é disso que se trata.

(Para) Sempre Drummond

Autorretrato e outras crônicas. Capa. Reprodução

 

Conhecedor ou não de poesia, a quem quer que se pergunte quem foi Carlos Drummond de Andrade (1902-1987) certamente se seguirá a resposta: poeta. Poucos lembrarão que ele foi também contista, cronista, funcionário público e efígie na cédula de 50 cruzados novos, entre o fim da década de 1980 e início da de 90.

Quem se lembrar do mineiro apenas como poeta não está cometendo erro, crime ou pecado: é que mesmo escrevendo em prosa, o que Drummond fazia era poesia, como atesta o oportunamente recém-relançado Autorretrato e outras crônicas [Record, 2018, 255 p.; R$ 40], cuja primeira edição – póstuma – data de 1989. Quando lançado, o livro inaugurava um parque gráfico da editora; agora, celebra outra efeméride: os 75 anos (completados em 2017) da casa editorial. Organizado por Fernando Py, a folha de rosto do volume alerta: “edição única comemorativa”. Correi às livrarias, pois, os fãs do poeta – mesmo enquanto cronista.

O livro revela uma prosa delicada, colhida em jornais e revistas, apresentadas cronologicamente, a partir da que dá título ao volume, entre 1943 e 1970, versando por temas diversos: de flores, frutas e estrelas aos feitos da ciência, passando por futebol, recenseamento, a mineirice, o hippie “faça amor, não faça guerra”, escritores e escritoras obscuros/as à época – alguns ainda hoje. Ou mais ainda hoje.

Difícil escolher melhores momentos em um livro composto inteiramente deles. Seu obituário do pintor e compositor Heitor dos Prazeres (1898-1966) é simplesmente comovente, bem como o perfil do poeta Mário Quintana (1906-1994). Em Obrigado, Bahia, gaba-se (na falta de termo melhor) – “Jogando fora minha extraordinária modéstia”, começa o texto –, do dia em que seu poema Quadrilha foi lido por um deputado estadual na Assembleia Legislativa da terra de Caetano e Gil – citados na crônica.

Em A banda, crônica de outubro de 1966, publicada no Correio da Manhã, saúda Chico Buarque de Holanda, “um rapaz de pouco mais de vinte anos”: “que venha outra banda, Chico, e que nunca uma banda como essa deixe de musicalizar a alma da gente”, arremata, esperançoso (e certeiro), quando alguns críticos torceram o nariz ao compositor, apostando num modismo passageiro.

O que faz um livro como Autorretrato é, através de um grande autor, demonstrar a grandeza da crônica, gênero literário – e jornalístico – genuinamente brasileiro, infelizmente por vezes tido como menor. Em geral é o que se salva na memória dos leitores ao embrulhar de peixes na feira do amanhã.

Deixo-lhes com uma crônica de Autorretrato, livro cujo texto mais novo já conta quase 50 anos, provando que feliz ou infelizmente, Drummond segue atual.

QUANDO

Quando o poder, que emana do povo, deixa de ser exercido, ou contra o povo se exerce, alegando servi-lo;

quando a autoridade carece de autoridade, e o legítimo se declara ilegítimo;

quando a lei é uma palavra batida e pisada, que se refugia nas catacumbas do direito;

quando os ferros da paz se convertem em ferros de insegurança;

quando a intimidação faz ouvir suas árias enervantes, e até o silêncio palpita de ameaças;

quando faltam a confiança e o arroz, a prudência e o feijão, o leite e a tranquilidade das vacas;

quando a fome é industrializada em slogans, e mais fome se acumula quanto mais se promete ou se finge combater a fome;

quando o cruzeiro desaparece no sonho de uma noite de papel, por trás de um cortejo de alegrias especuladoras e de lágrimas assalariadas;

quando o mar de pronunciamentos frenéticos não deixa fluir uma gota sequer de verdade;

quando a gorda impostura das terras dadas enche a boca dos terratenentes;

quando a altos brados se exigem reformas, para evitar que elas se implantem, e assim continuem a ser reclamadas como dividendo político;

quando os reformadores devem ser reformados;

quando a incompetência acusa o espelho que a revela dizendo que a culpa é do espelho;

quando o direito constitucional é uma subdisciplina militar e substitui a disciplina pura e simples;

quando plebiscito é palavra mágica para resolver aquilo que a imaginação e a vontade dos que a pronunciam não souberam resolver até hoje;

quando se dá ao proletariado a ilusão de decidir o que já foi decidido à sua revelia, e a ilusão maior de que é em seu benefício;

quando os piores homens reservam para si o pregão das melhores ideias, falsificando-as;

quando é preciso ter mais medo do governo do que dos males que ao governo compete conjurar;

quando o homem sem culpa, à hora de dormir, indaga de si mesmo se amanhã acordará de sentinela à porta;

quando os generais falam grosso em nome de seus exércitos, que não podem falar para desmenti-los;

quando tudo anda ruim, e a candeia da esperança se apaga e o If de Kipling na parede não resolve;

então é hora de recomeçar tudo outra vez, sem ilusão e sem pressa, mas com a teimosia do inseto que busca um caminho no terremoto.

Correio da Manhã, 14 de setembro de 1962 (p. 87-89)

Um terreiro apimentado

Foto: Zema Ribeiro

 

Entre os muitos presentes à Praça Maria Aragão nesta noite de São João – como de resto por outros arraiais por onde a maranhense Alexandra Nícolas passou com seu show Feita na pimenta –, poucos devem ter percebido estar diante de um show nacional, embora a artista tenha recebido o mesmo cachê de um/a artista local.

Longe de pretender aqui determinar uma hierarquia, sobretudo em detrimento do artista local. Digo isto tão somente para apontar que a artista trouxe a São Luís parte do grupo com que gravou seu segundo disco no Rio de Janeiro e frisar o profissionalismo com que encara qualquer compromisso, numa preocupação que inclui repertório, arranjos, figurino e, sobretudo, conquistar a aprovação do público.

O show de hoje começou atrasado, por conta da apresentação de uma dança country que não consta na programação do arraial. Como Alexandra Nícolas tinha outra apresentação agendada também para hoje, no Arraial do Sesc, precisou deixar o palco cantando menos do que o previsto. Mesmo com uma apresentação menor, ao longo dela a cantora conseguiu interagir com o público, botando o povo pra cantar e dançar junto.

“Quem aí troca um chamego por um like? Eu não troco”, perguntou e respondeu antes de mandar Chamego encantado (João Lyra/ Zeh Rocha): “ai, ai, que chamego bom/ ai, ai, que chamego bom/ ai, ai, é um chumbrego só/ tô ficando assanhadinha/ vem dançar, me dá um nó”.

O repertório privilegiou faixas de Feita na pimenta – o locutor ao chamá-la ao palco cravou um “feito na pimenta”, que ela corrigiu com elegância, ao cantar a faixa-título (Marco Duailibe), cujo compositor estava na plateia. Antes, ensinou o refrão: “feita na pimenta/ feita na pimenta/ vê se não me atenta/ que eu sou feita na pimenta”, que o público imediatamente repetiu. Tá pegando fogo e Forrobodó, ambas de Betto Pereira, também não deixaram ninguém parado.

“Vamos conversar mais um pouquinho enquanto eles se resolvem”, ganhou tempo enquanto os técnicos ajustavam o som. “Maestro, me avisa quando for a hora”, pediu a João Lyra. “É hora de olhar pra quem está do seu lado”, provocou, antes de cantar Teu (Zeca Baleiro/ Anastácia). “Essa eu ganhei de Zeca Baleiro e ele cantou comigo no meu disco”, contou, emocionada.

Discípula de Jackson do Pandeiro, ela incluiu em seu roteiro De Teresina a São Luís (João do Vale/ Helena Gonzaga), O canto da ema (João do Vale/ Ayres Viana/ Alventino Cavalcante) e Na base da chinela (Rosil Cavalcanti/ Jackson do Pandeiro), esta com a letra incompleta, mas traduzindo bem o espírito da noite.

“Eu agora vou me despedir de vocês, mas pergunto: alguém aqui, nas próximas eleições, pretende votar em fuleiro?”, perguntou, para um “não” em uníssono. E mandou o Coco fulero (João Lyra/ Zé Rocha), delicioso trava-língua de cunho político, durante o qual apresentou a banda, um luxo só: Bebê Krammer (sanfona), Rui Alvim (saxofone) – impressionante o diálogo entre seus instrumentos –, João Lyra (guitarra, arranjos e direção musical), Arlindo Carvalho (percussão), Fleming Bastos (bateria), Regina Oliveira, Natália Coelho e Suassuna (vocais).

O povo queria mais, não sei se pelo costume do “mais um” ou se pelo show ter sido menor. Mas não há show menor quando se tem Alexandra Nícolas no palco.

Extras

Tungstênio. Cartaz. Reprodução

 

Estreia hoje (21) em diversas salas de cinema no Brasil Tungstênio, adaptação de Heitor Dhalia para a graphic novel de Marcello Quintanilha. Em São Luís o filme será exibido no cinema do Shopping da Ilha.

Conversei com o diretor e o quadrinhista para a coluna mensal Emaranhado, que assino no site do Itaú Cultural.

A seguir, a íntegra das conversas.

O cineasta Heitor Dhalia e o quadrinhista Marcello Quintanilha. Foto: divulgação

ENTREVISTA: HEITOR DHALIA

Entre outros feitos você possui no currículo a adaptação de O cheiro do ralo, romance do quadrinhista Lourenço Mutarelli, para citarmos outra bem sucedida adaptação. Você se sente mais à vontade dirigindo um roteiro original, uma adaptação ou tanto faz?
Na verdade, pra mim tanto faz. São dois caminhos diferentes, são duas vertentes e sensações completamente distintas, quando você cria uma obra do zero e aí consegue construir todo aquele universo a partir de uma ideia original, mas também tem um sabor muito grande você adaptar uma obra que já existe, mergulhar no universo de um autor e traduzir esse universo pro mundo, fazer esse universo que já está construído de alguma maneira encontrar ressonância na realidade, em personagens, atores, locações de verdade, traduzir nos figurinos, nos conceitos da dramaturgia. É um desafio, por que você tem a referência do autor de origem e a obra de origem, que você tem que de alguma maneira respeitar. Toda adaptação é de alguma maneira uma traição e ao mesmo tempo uma homenagem à obra original. É um prazer muito grande poder adaptar, eu adaptei duas obras integralmente, O cheiro do ralo e agora o Tungstênio e fiz alguns roteiros originais também. Então as duas coisas têm igual sabor, são desafios diferentes, mas igualmente tentadoras, quando você acha uma obra que você quer adaptar ou tem uma ideia original e quer levar essa obra a cabo. São jornadas distintas, mas ambas muito recompensadoras.

Tungstênio é bastante fiel aos quadrinhos de Marcello Quintanilha, cuja graphic novel já é, em si, bastante cinematográfica. Como foi a decisão de levar essa história à telona?
Na verdade a decisão de fazer o Tungstênio se deve ao fato dos temas propostos pelo filme. O Tungstênio é uma tradução do Brasil 2018, ele toca em questões muito relevantes do nosso tempo. Por exemplo, esse acúmulo de tensões sociais, o esgarçamento da malha social, que tem levado a uma polarização política muito grande e é tudo meio à flor da pele. A gente viu, por exemplo, agora na greve dos caminhoneiros, um exemplo disso: como um evento aleatório consegue detonar uma série de tensões que estão submersas e que atingem todo mundo de uma maneira muito forte, muito violenta. Tungstênio é um pouco isso, esse momento de tensões acumuladas, que no caso, uma pescaria-bomba deflagra uma série de eventos numa espiral de caos. Eu acho que é bem o momento do Brasil atual, essa tensão acumulada que a gente está sentindo. O filme aborda também questões como o saudosismo da intervenção militar. Quando a gente filmou era uma ironia, uma sátira, e tristemente isso parece se tornar o sentimento de uma parcela grande da população, meio absurdo. Aborda também a questão da violência policial, da questão da discussão de gênero, tem uma relação abusiva entre esse policial e a mulher dele. O racismo estrutural que a gente vive, nas periferias, nos subúrbios brasileiros, quando você tem uma grande parte da população que vive ali abaixo da linha da sobrevivência ou lutando por ela de uma maneira muito difícil e essas tensões são mostradas no filme de alguma maneira. O filme não abarca todas elas, por que a história se passa num recorte de tempo muito curto, mas ele toca em temas muito atuais, o racismo, a discussão de gênero, a violência policial, e essa tensão social que a gente vê muito nas redes sociais e que agora explode também no tecido social de um jeito muito violento.

O próprio Quintanilha integra o time de roteiristas. Isso ajudou a manter essa citada fidelidade?
Claro que ter o Quintanilha na nossa equipe de roteiristas foi um facilitador, uma honra, um luxo pra gente, tê-lo no processo de roteiro, e também um pouco na filmagem, mas eu acho que a fidelidade, a busca por ela, se deve a uma decisão conceitual de tentar nos aproximar o máximo possível da obra de origem. Tem gente que adapta histórias pegando essas histórias como ponto de partida e não como ponto de chegada. Aqui no caso a gente quis que Tungstênio fosse um ponto de chegada e não só um ponto de partida. A obra original estava presente o tempo inteiro, a gente tentou ser fiel ao máximo à estrutura narrativa proposta naquele quadrinho e o que a gente tentou fazer foi traduzir esse universo pro audiovisual, tentar elucidar e trazer essa dramaturgia pra frente, enfim, foi essa a nossa busca, a nossa tentativa de adaptar essa obra tão instigante pro cinema. Foi uma adaptação que eu acho bem sucedida nesse sentido, por que ela é muito fiel aos conceitos especialmente propostos pelo Quintanilha na realização do quadrinho e a gente tentou traduzir, levar o máximo possível isso pra tela do cinema.

Serra Pelada é outro filme teu que mostra a realidade nua e crua de um Brasil subterrâneo, como a violência que permeia a trama de Tungstênio. É um tema instigante?
Eu acho que a violência é um tema seminal do Brasil, o Brasil é um país que vive em guerra civil, não se dá conta disso e faz de conta que ela não está acontecendo. A gente vê, por exemplo, o Rio de Janeiro, hoje.

Há todo um pano de fundo que aponta para diversas questões sociais em Tungstênio, com a trama quase se confundindo com um documentário, no que o Brasil é um manancial riquíssimo de temas para serem explorados. A seu ver, o cinema é um campo privilegiado para a abordagem dessas questões?
Eu acho que o cinema é uma das formas de expressão mais eficazes para traduzir a realidade. Apesar de ser uma representação do real, o cinema parece real. Eu tenho uma filha de seis anos, ela foi ver uma peça de teatro, e ela falou “ah, eu não gostei, não é o fantasminha, é um ator. Eu gosto mais de cinema, por que o cinema é de verdade”. Então as pessoas têm essa sensação de que o cinema é real, apesar de ser uma construção artística, mas ela consegue traduzir, abarcar a realidade de uma maneira muito forte. Você consegue ter a cor, o tom, o suor, o som, os personagens, a paisagem, então eu acho que o cinema é um grande instrumento de investigação social, é um grande instrumento de compreensão do mundo que a gente vive, e num momento em que a gente está tão sensível, com tantas questões importantes a serem debatidas no Brasil, eu acho que o cinema é sim um instrumento de reflexão, de compreensão e de possibilidade de transformação disso através da crítica, da compreensão do que a gente vive, das questões que a gente vive e também propondo de alguma maneira um lugar de ação. Acho que a partir de uma tomada de consciência ou uma compreensão maior do real a gente é capaz de agir melhor sobre ele. O cinema, sim, é um grande tradutor do Brasil, é um fator de construção da nossa identidade como povo e é também esse lugar de tradução mesmo do Brasil pra ele mesmo e pro mundo também.

Como você avalia o cenário brasileiro, no geral, a partir da destituição de Dilma Rousseff do poder e a tomada da presidência por Michel Temer e companhia?
O Brasil vive um momento muito complexo, a gente viveu uma ruptura democrática e o país tá um pouco perdido nisso. Eu acho que todos os eventos que aconteceram nos últimos anos vão ter efeitos muito marcantes na nossa formação enquanto povo, com nosso pacto social, de alguma maneira ele foi rompido de várias maneiras. Eu acho que a gente vai levar muitos anos pra se recuperar e ter de novo um otimismo enquanto nação, enquanto país. A gente vive um momento muito difícil em nosso momento social, a gente vive um governo que realmente é ilegítimo e que ainda bem que está no fim. A gente vive tensões muito grandes no cenário político, onde não se sabe para que caminho o país está indo, o pacto que se formou durante algum tempo, o bipartidarismo que a gente viveu durante 20 anos se esgotou e agora o Brasil vai ter que repensar seus caminhos e achar uma busca de retomada assim de um caminho democrático, mais inclusivo para a população, torcer para o Brasil voltar a crescer, mas o momento atual é de muita preocupação. A gente tem ameaças reais, com candidatos de extrema direita com apoio expressivo da população. O campo progressista, as pessoas que têm um pouco mais de sensibilidade social têm que tentar se juntar num projeto de país mais justo, mais moderno, que traga conquistas para a maioria da população, que infelizmente vive há 500 anos à margem disso. Por algum tempo houve uma evolução econômica e social e parece que a gente deu passos pra trás. Eu torço pra que o Brasil consiga achar um rumo, que a gente consiga repactuar um mínimo de nação possível, pra que a gente saia dessa polarização extrema e burra em certo sentido, que a gente possa através do diálogo, do conflito e da contradição, por que eles existem, estão aí para serem superados, que a gente consiga achar um caminho pra esse país, que é tão bacana, tão cheio de possibilidades, a gente tem uma economia muito grande e tem tudo pra conseguir florescer. Esse país só vai se reagrupar se a gente seguir o interesse da maioria da população, atuar nas causas que são mais urgentes, que são inclusão social, combater o racismo, discutir questões de gênero e tentar fazer uma economia mais moderna, que consiga produzir riqueza e fazer com que essa riqueza seja dividida pras pessoas que a produzem de uma maneira interessante. O momento político é difícil, é complexo, é assustador em algum sentido, mas eu tenho esperança que a gente vai prevalecer no caminho correto, mais justo e torço pra que a gente não volte atrás mais do que a gente já voltou. O Brasil precisa andar pra frente, superar esse ciclo negativo em que a gente entrou, precisa voltar a ser o país que a gente mostrou que a gente pode ser.

O quadrinhista Marcello Quintanilha e o cineasta Heitor Dhalia. Foto: divulgação

ENTREVISTA: MARCELLO QUINTANILHA

Tungstênio, o filme, é bastante fiel à HQ, que quando lemos, já pensamos inevitavelmente em cinema, como de resto toda tua obra. Quando você a escreveu e desenhou, já imaginava uma adaptação?
Não, eu não imaginava uma adaptação. Eu trabalho sempre dentro das premissas que se referem ao quadrinho, se referem à experiência da leitura de quadrinhos como um todo. Acredito que o efeito cinematográfico que muitas vezes é atribuído às minhas obras em particular e a muitas obras de quadrinhos em geral, se deve a própria experiência da leitura do quadrinho como um meio que tem características próprias.

Você integra o time de roteiristas, o que certamente ajudou a manter essa fidelidade aos quadrinhos. Houve essa intenção ou preocupação?
A principal preocupação de todas as pessoas envolvidas no roteiro foi a de encontrar a melhor maneira de traduzir o que era relatado no quadrinho pro expectador. Acho que o quadrinho foi uma grande base pra esse trabalho de tradução. Eu particularmente estou muito satisfeito com a forma com que isso foi feito.

Tuas graphic novels expõem as vísceras de um Brasil periférico de modo um tanto brutal, pois muito realista. No entanto, há sutilezas e delicadezas, no caso de Tungstênio, desde o título. Esse equilíbrio é algo premeditado ou simplesmente acontece enquanto você desenvolve a trama?
Acho que nem uma coisa nem outra, por que todas as histórias que eu tive oportunidade de trabalhar até hoje refletem aquilo que eu trago comigo como pessoa, trazem uma experiência vivida tanto por mim como por pessoas muito próximas a mim, de maneira que acredito que tudo o que está transcrito nas histórias, tudo o que está exposto nas histórias reflete aquilo que eu sou capaz de sentir como pessoa. Acho que por isso essa sutileza pode ser tão bem identificada.

Tungstênio, a HQ, foi premiada em Angoulême, o mais prestigiado prêmio quadrinhos do mundo. Qual a sensação? E quais as expectativas quanto a prêmios em festivais de cinema para o filme?
A sensação é a melhor possível, por que é fantástico quando um quadrinho que expressa tanta brasilidade é tão bem acolhido fora do contexto brasileiro, ou seja, quando um trabalho que representa uma visão tão específica sobre uma realidade brasileira consegue transcender o universo no qual ele está circunscrito de alguma maneira e é capaz de chegar a públicos tão distintos, como pode ser o público europeu, por exemplo. É fascinante quando isso acontece. Sobre as expectativas em relação ao filme, eu não trabalho no terreno das expectativas, mas seria muito interessante se conseguíssemos nos comunicar com os espectadores de uma maneira tão direta e tão honesta como ocorreu com o quadrinho. Eu acho que vamos por um muito bom caminho nesse sentido.

Heitor Dhalia tem no currículo a adaptação de O cheiro do ralo, romance do quadrinista Lourenço Mutarelli. Como foram as negociações para essa adaptação? A escolha dele foi proposital?
Sobre as negociações a respeito da adaptação, tudo foi muito direto e muito objetivo desde o começo. Eu já conhecia o trabalho do Heitor e já admirava muito o trabalho dele. Quando ele me propôs trabalhar na adaptação eu achei fantástico e uma semana depois já tínhamos tudo concretizado, já tínhamos começado a trabalhar na adaptação. Foi um processo relativamente simples, na verdade.

Você mora na Espanha já há algum tempo, mas percebemos em teu trabalho toda uma brasilidade, coisa de quem conhece a fundo o que está retratando. A internet certamente ajuda, mas como você faz para manter estreitos os laços com sua terra natal?
Eu não faço nada para manter os laços com a minha terra natal, por que eu não me sinto distante da minha terra natal, não existe nenhum trabalho específico nesse sentido. Eu realmente não me sinto distante do Brasil, eu não me sinto sequer a 10 centímetros de distância. Não existe nada que seja necessário pra que essa proximidade seja mantida. Eu sei que pode parecer estranho pra muitas pessoas, mas realmente não me sinto distante do Brasil, nunca me senti distante do Brasil. Cada vez que tenho oportunidade de voltar ao Brasil o sentimento que eu tenho é de que nunca saí daí. Não me sinto estranho, absolutamente nada. É simples assim, é simples assim.

Como você tem observado e acompanhado o cenário político que se abateu sobre o Brasil desde a destituição de Dilma Rousseff e a tomada de poder por Michel Temer e companhia?
Tenho observado como um dos momentos mais interessantes de toda a história da vida política brasileira no sentido de que muitas pessoas, ou uma imensa parcela da população, parece que vem se dando conta cada vez mais da importância de sua participação no processo político. Acho que é um momento fundamental da nossa história democrática. Estou muito ansioso para acompanhar os próximos desdobramentos, vamos ver o que acontece.

Por ocasião de lançamento do filme Tungstênio você virá [veio] ao Brasil e aproveita para lançar nova HQ. O que pode adiantar sobre ela?
Sim, estou lançando um novo livro, que se chama Todos os Santos [Editora Veneta, 2018, 112 p., R$ 84,90]. O livro é uma compilação de trabalhos feitos pra imprensa, trabalhos publicados em revistas do Brasil, trabalhos publicados em jornais do Brasil, jornais da Europa, quadrinhos publicados nas primeiras revistas onde eu comecei a publicar, na antiga Editora Bloch, no Rio de Janeiro, um apanhado de vários momentos da minha carreira. Estou muito feliz de ter podido reunir esse material em livro. Também há algumas histórias que nunca foram publicadas, também está incluída a história Acomodados acomodados, que foi a história que foi vencedora da I Bienal Internacional de Quadrinhos, em 1991, que até hoje permanecia inédita e eu estou muito ansioso de que esse material finalmente chegue ao público. É isso, realmente espero que as pessoas gostem.

*

Veja o trailer de Tungstênio:

O tempo do Tira-Teima

Foto: Zema Ribeiro

 

O Tira-Teima tem um tempo todo particular. Grupamento de choro formado em meados da década de 1970 em São Luís do Maranhão, somente em 2016 gravou o primeiro disco, Gente do Choro, cujo show de lançamento aconteceu somente ontem (19), no Teatro Arthur Azevedo.

O septeto que subiu ao palco ontem já difere do que gravou o disco, numa demonstração inequívoca de que o Tira-Teima é uma verdadeira escola, por onde passam grandes instrumentistas, do qual Paulo Trabulsi (cavaquinho solo), único remanescente da formação original, acabou, por isso, firmando-se como uma espécie de líder natural.

Após um texto lido em off pelo jazzófilo Augusto Pellegrini, a poeta Vanda Cunha recitou uma espécie de currículo artístico do Tira-Teima enumerando qualidades e grandezas e  pedindo à plateia uma salva de palmas para o grupo – a cortina ainda estava fechada e ela atrapalhou-se para encontrar a fresta e tornar aos bastidores.

A noite foi aberta por Gente do Choro (Paulo Trabulsi), choro cantado interpretado por Zé Carlos (pandeiro e voz), cuja letra versa sobre o ofício do chorão, por ruas e bares, entre a música como profissão e diversão.

O Tira-Teima tocou durante cerca de hora e meia, desfilando repertório inteiramente autoral, entre faixas de Gente do Choro e inéditas, algo raro de se ver e ouvir em rodas de choro, em que quase sempre se pescam peças mais populares do vasto repertório chorístico brasileiro. Seguiram-se Companheiro (Francisco Solano e Paulo Trabulsi) e Meiguice (Paulo Trabulsi).

“É uma alegria, uma satisfação muito grande estar aqui, realizando este show de lançamento de nosso cd. A felicidade é maior ainda por sabermos que estamos entre amigos. Todos aqui são amigos e parceiros”, afirmou Paulo Trabulsi, agradecendo a presença de todos, com o público presente ao teatro comprovando o que já é sabido: o choro não é música de multidões, tampouco modismo, com fiéis ouvintes dispostos a boas doses de boa música em qualquer tempo, em qualquer templo – como Luiz Jr. se referiu ao Arthur Azevedo, merecidamente.

Em Imbolada (Serra de Almeida), um casal entrou dançando, a demonstrar que o choro também é música para tanto. Ainda mais quando em diálogo com o maxixe e puxada à embolada nordestina, com destaque para a flauta do autor.

Serra de Almeida puxou do cofo de inéditas Os degraus da matriz, lembrando a escadaria da igreja em que brincou na infância, em sua São Bernardo natal, no interior do Maranhão.

O potiguar Wendell de la Salles, sempre saudado como uma espécie de integrante honorário do Tira-Teima, com seu bandolim, substituiu o cavaquinho de Paulo Trabulsi em Dom Chiquin (Serra de Almeida), formação mantida para Anjo meu (Wendell de la Salles), que ele compôs em homenagem à sua filha, e Aguenta seu Florêncio (Wendell de la Salles), homenagem ao avô, que um dia vacilou com a porta do guarda-roupa aberta e o menino Wendell descobriu um cavaquinho e consequentemente a música. Para sempre!

O grupo voltou a ter a formação do início do show – na foto, em sentido horário, Zé Carlos (pandeiro e voz), Henrique Brasil (percussão), Sadi Ericeira (cavaquinho centro), Serra de Almeida (flauta), Paulo Trabulsi (cavaquinho solo), Francisco Solano (violão sete cordas) e Luiz Jr. (violão sete cordas) – para executar Choro nobre (Serra de Almeida) e Expressivo (Paulo Trabulsi). Na sequência, músicos e plateia assistiram ao belo duo de sete cordas dialogando em Teimosinho (Luiz Jr.), momento em que o flautista aproveitou para dar uma conferida no whatsapp.

Luiz Jr. anunciou o próximo convidado: “meu professor”, disse, referindo-se ao violonista João Pedro Borges. “Vou aproveitar para fazer logo a propaganda: nós estamos trabalhando no Festival Internacional de Violão, que trará grandes instrumentistas à São Luís e terá direção do grande Turíbio Santos”, anunciou sem dar maiores detalhes.

Na sequência, todos os músicos deixaram o palco, exceto Serra. Flauta e seis cordas dialogaram em Simples como Serra (João Pedro Borges), faixa que fecha Gente do Choro. “É um enorme prazer estar entre amigos, com este grupo que vi nascer. Faço minhas as palavras de Tom Jobim: eu só faço música por encomenda. Mas antes que se pense em algo mercantilista, algumas encomendas vêm do coração e meu coração me encomendou essa homenagem a este grande amigo”, declarou o convidado especial.

Com a volta do grupo ao palco, Carlinhos da Cuíca cantou Pra ser feliz, música que o cearense Léo Capiba (1947-2014), outro ex-integrante do Tira-Teima, compôs em homenagem à sua esposa Sandra, registrada com a voz do autor em Gente do Choro. Depois Zeca do Cavaco emprestou a voz à futebolística Zona do agrião (Léo Capiba) e a Apelo, registrada no disco como de autor desconhecido, mas ontem corretamente creditada a Nhozinho Santos, pianista da Rádio Timbira, homônimo ao industrial que “inventou” o futebol por aqui e acabou dando nome ao estádio municipal.

Ricarte Almeida Santos, “embaixador do Choro no Maranhão”, comenda conferida pelo Instrumental Pixinguinha, leu um texto em que passeou pela trajetória e importância do grupo, destacando os talentos individuais de seus integrantes atuais e destacando nomes de outrora, como Adelino Valente, Antonio Vieira, Arlindo Carvalho, Cesar Teixeira, Chico Saldanha, Fernando Cafeteira, Sérgio Habibe e, entre outros, Ubiratan Sousa, autor do choro que dá nome ao grupo, infelizmente não registrado em Gente do Choro nem lembrada no repertório de ontem.

Por vezes o som tentou atrapalhar, mas a noite seria memorável acontecesse o que acontecesse.

No bis o grupo, com o reforço de Wendell de la Salles, acompanhou em Gente do Choro o coro de vozes de ​Anna Claudia, Augusto Pellegrini, Carlinhos Cuíca, Fátima Passarinho, Gabriela Flor, Quirino, Zeca do Cavaco e até a jornalista Edivânia Kátia (assessora e produtora do grupo e do show de ontem).

Disco lançado, missão cumprida. Votos de vida ainda mais longa ao Tira-Teima, que ontem, mais uma vez, botou essa gente do choro para sorrir de alegria e êxtase.

Entre drama e comédia, novo filme de Helena Ignez discute o Brasil

Djin Sganzerla é A moça do calendário. Frame. Reprodução

 

Grande vencedor da 41ª. edição do Festival Guarnicê de Cinema, A moça do calendário [Brasil, 2017, 86 min., classificação indicativa: 14 anos], de Helena Ignez, é, antes de tudo, um belo tributo ao cinema marginal, que tem como um de seus expoentes Rogério Sganzerla (1946-2004), autor do roteiro original, de 1987, baseado em contos de Luiz Antonio Martins Mendes, a que a diretora acrescentou suas pitadas.

Entre as referências, aparecem, por exemplo, Carmen Miranda (1909-1955) e Zé Bonitinho – personagem de José Loredo (1925-2015), que contracenou com Helena Ignez em Sem essa, Aranha (1970), de Sganzerla –, além do vestido vermelho usado por Djin Sganzerla, filha de Helena e Rogério (foram casados até a morte do diretor), que interpreta a personagem que dá título ao filme, que evoca o usado por sua mãe em Copacabana, mon amour (1970), também de Sganzerla.

O resultado é um filme fragmentário e desgraçadamente atual, sobretudo ao discutir relações de trabalho, não a única bandeira levantada por Helena Ignez, desde sempre feminista e transgressora. O fato de o filme ter levado várias estatuetas no Guarnicê, que este ano teve como tema “tElas – Protagonismo feminino no audiovisual”, diz muito sobre o atual momento vivido não só no cinema e não só no Brasil, em que se intensificam as reivindicações contra o machismo e o racismo vigentes em determinadas estruturas.

Para resumir a questão, uma fala da cineasta Rose Panet, na mesa “A mulher no cinema”, na programação do evento: “Nosso corpo não é de musa, é um corpo funcional”. Helena Ignez, atriz talentosa, transpõe a barreira e firma-se como diretora idem – no entanto, não resistindo à magia de atuar, torna-se personagem de seu próprio filme: senta-se para beber no Bar do Bigode paulista, nos arredores do Teatro Officina (que infelizmente em breve será emparedado por um empreendimento do grupo Silvio Santos), e dá o recado, levantando outra bandeira: “velhos que fumam maconha tomam menos remédio”. O Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra também é retratado com honestidade, algo raro em telas brasileiras – de qualquer tamanho.

Na narrativa entrecortada e no revezamento do uso de colorido e preto e branco, entre a crueza e crueldade do urbano e a delicadeza do onírico, A moça do calendário evoca O bandido da luz vermelha (1968), outro clássico da filmografia de Sganzerla – em que Ignez também atuou. Em 2010 ela lançou, como diretora, Luz nas trevas: a volta do bandido da Luz Vermelha, espécie de continuação do clássico marginal, com Ney Matogrosso no papel do bandido, originalmente interpretado por Paulo Villaça.

Helena Ignez não faz nenhum esforço para esconder a influência do ex-marido sobre sua obra: narração em off, personagens encarando diretamente o espectador e um quê de teatral – Inácio (André Guerreiro Lopes), o mecânico (filho de pai latifundiário com quem corta relações) que sonha com a moça do calendário enquanto come o pão que o diabo amassou na mão do patrão, é dançarino nas horas vagas.

É um filme sobre sonhos e contradições – a pinup inatingível é militante do MST, o que a afasta duplamente do empregado que na oficina mecânica adentra com o corpo os motores com a cabeça nas nuvens –, misto de drama e comédia, com limite tênue entre seriedade e bom humor. Uma maneira inteligente de debater o Brasil onde os memes estão perdendo o jogo para a tragédia política.

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Veja o trailer de A moça do calendário:

Cinemulher

Foto: Zema Ribeiro

 

A pesquisa Participação feminina na produção audiovisual brasileira, da Agência Nacional do Cinema (Ancine), publicada em 2016, norteou os debates da mesa A mulher no cinema, ontem (13) à tarde, no Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande).

Um bom público, formado por homens e mulheres, prestigiou a mesa mediada por Thais Nunes (ao microfone, na foto), com (da esquerda para a direita) Ana Mendes, Thais Fujinaga, Nayra Albuquerque, Isa Albuquerque, Tata Amaral, Rose Panet e Maria Thereza Soares.

As profissionais partilharam experiências e dificuldades, dialogando com os números alarmantes da pesquisa. A equação não fecha: se as mulheres são a maioria da população brasileira, como elas estão sendo representadas na telona, em um cinema predominantemente realizado por homens, brancos e heterossexuais?

Rose Panet tomou como exemplo um catálogo da Ancine, com as obras selecionadas e realizadas com verba do Programa de Desenvolvimento do Audiovisual Brasileiro (Prodav), em que consta seu documentário Manuel Bernardino: o Lenin da Matta (2017), que participa da mostra competitiva nacional nesta edição do Guarnicê. “Entre os filmes do catálogo, com mais de 90 obras selecionadas entre quase 800 inscritas, menos de 30 eram dirigidas por mulheres. Na categoria a que concorri, de filme único, eu era a única mulher diretora. O cinema é uma representação da sociedade e há uma subordinação histórica da mulher. Nosso corpo não é de musa, é um corpo funcional. Ser mulher no mundo é um processo de luta. Ser mulher é uma condição e isto não pode nem deve ser definidor nem limitador”, afirmou.

Tata Amaral destacou que “temos um audiovisual hétero, cis, macho, branco e falocêntrico”. Elogiou o Guarnicê na escolha do tema em 2018 – “tElas”, destacando a presença e o protagonismo femininos no cinema brasileiro, mas ressaltou que isto não deve acontecer apenas em uma edição, por conta do tema. “Isso precisa acontecer sempre”, enfatizou.

Thais Fujinaga destacou que o ambiente dos curtas-metragens é aparentemente mais democrático. No entanto ressaltou a ausência de mulheres negras e indígenas e classificou o debate de ontem – e de resto, todo o 41º. Festival Guarnicê de Cinema – como superimportante.

Para Nayra Albuquerque, ter começado a carreira sob a égide do digital, torna mais fácil a produção e veiculação de seus trabalhos. Ressentiu-se porém de mulheres exercendo papéis em curadorias e júris – no que o Guarnicê também acerta este ano.

“A consolidação de políticas públicas como a regionalização da produção aponta para o surgimento de um novo cinema atento a questões de gênero e étnicas”, destacou Isa Albuquerque.

“O Brasil é o quinto país do mundo em violência contra a mulher. Dados nos dizem algo. É necessário fazer levantamentos e a partir deles, fazer algo. A política de cotas é algo sensacional e vem para corrigir distorções históricas. Essa cultura do patriarcado não nos representa”, finalizou Tata Amaral.

Um legítimo 12 anos

Foto: Zema Ribeiro

 

A resignação católica nos ensina que para tudo tem seu tempo.

Ontem o cantor Cláudio Lima entrou para a história, poderíamos dizer de forma brincalhona: é provavelmente o primeiro artista a lançar o segundo disco (Cada mesa é um palco) depois de ter lançado o terceiro (Rosa dos ventos). Não como Hermeto Pascoal, que recentemente soltou um disco gravado em 1999. Ou John Coltrane, que recentemente teve descoberto um disco inédito gravado em 1963.

Cada mesa é um palco, disco de voz e piano, que Cláudio Lima dividiu com o pianista baiano radicado nos Estados Unidos Rubens Salles, chegou ao mercado em 2006, mas nunca teve um show de lançamento, por uma soma de circunstâncias. Tudo tem seu tempo, ontem foi o dia – ou melhor, a noite. A eles juntou-se o percussionista paraense radicado no Maranhão Luiz Cláudio.

Falar em show de lançamento daquele disco talvez não dê conta da dimensão da noite, pelo fato de o repertório ter extrapolado o que foi gravado no disco do copo sujo de batom. Se os uísques 12 anos são os melhores, que dizer então de um disco, cujo bolero-título diz: “cada mesa é um palco/ e afogada no álcool/ tu finges me amar”?

O palco não poderia ser outro: o Buriteco Café, na Praia Grande, vem se configurando como uma casa que acredita em propostas artísticas diferenciadas, para além daquilo que se convencionou chamar de música de barzinho.

Há uma comunhão entre artistas e plateia – que compreende estar diante de um espetáculo grandioso, e não (apenas) para comer, beber e conversar.

Cláudio Lima se agiganta ao subir ao palco, parece entrar em transe. Durante o show de ontem, por duas vezes chegou a dispensar o microfone, sua voz entre um cantor de ópera e um vaqueiro aboiando, por exemplo, em Lamento sertanejo (Dominguinhos/ Gilberto Gil).

Na inédita Toc toc (Rubens Salles), “ou Knock knock, em inglês”, brincou o pianista, o espaço para o improviso do trio, entre teclas, tambores e voz. Os três tocam e cantam como quem brinca, status adquirido com muito esforço.

Entre os destaques da noite, as releituras arrebatadoras de Guardanapos de papel (Leo Masliah), de letra longa e delicada, versão pouco conhecida de Milton Nascimento, e Tropicana (Alceu Valença).

Estabelecido nos Estados Unidos, o piano de Rubens Salles está para muito além da bossa nova para gringo ouvir (o que já não seria pouco) e após acompanhar Cláudio Lima em músicas como Garota de Ipanema (Tom Jobim/ Vinicius de Moraes), Lígia (Tom Jobim) e Insensatez (Tom Jobim/ Vinicius de Moraes), não se fez de rogado e acompanhou a pulsação frenética do bumba meu boi de zabumba, na toada Adeus (Mestre Zió), gravada por Luiz Cláudio em um EP indicado ao Grammy, música que encerrou a apresentação de ontem.

Aos gritos de “mais um”, Cláudio Lima retrucou: “eu já estava pensando que vocês não iam pedir”. Cada mesa é um palco estava finalmente lançado, com direito a exemplares do disco à venda: “ainda existe cd, gente!”, o cantor tornou a brincar. No bis, Bis (Cesar Teixeira), que contém o verso-título do disco e show.

Serviço: hoje (10), a partir das 16h, o trio reprisa Cada mesa é um palco no projeto Quintal Cultural, na Casa d’Arte (Rua do Farol do Araçagy, 9, Raposa – em frente à clínica Ruy Palhano), com cachê colaborativo, no velho esquema Silvio Santos (leiam este parêntese lembrando a voz do Lombardi: “deixa o Oficina em paz, Silvio!”): “quanto vale o show?”.

Maranhenses na Flip

Durante uma entrevista coletiva ontem (5), transmitida ao vivo pelo facebook, a Festa Literária Internacional de Paraty (Flip) anunciou sua programação para a edição de 2018.

Acompanhei parte da conversa enquanto acompanhava José Antonio na hidroterapia, os olhos nele, o celular colado à orelha.

A Flip reafirma-se como um dos maiores eventos literários do país. Depois do negro Lima Barreto (1881-1922) em 2017, este ano homenageia a mulher Hilda Hilst (1930-2004) – cabe destacar que este ano mais da metade dos/as autores/as convidados/as é mulher, além de boa parcela destes/as autores/as serem negros/as, e estes são dados significativos, que mostra o quão antenada está a curadoria do evento – personificada na mulher Josélia Aguiar –, para além de ler para além do cânone.

Por falar em presença negra, uma informação interessante que a coletiva de imprensa trouxe ontem foi a homenagem à editora baiana Corrupio, ainda na ativa e responsável, há décadas, pelas primeiras publicações do fotógrafo e etnólogo franco-brasileiro Pierre Verger. A editora foi fundada com o dinheiro da venda de um terreno para financiar a publicação de um livro de Verger, não viabilizado pelo preconceito que movia as editoras procuradas à época.

Menos conhecida do que deveria, provavelmente por ter sido injustamente tachada de pornográfica, mais para o final da carreira, Hilda Hilst tem sua obra relançada pela editora Companhia das Letras – só este mês chegam às livrarias Da prosa (reunindo a ficção da autora) e os volumes de poemas Júblio, memória, noviciado da paixão e De amor tenho vivido, o que certamente lhe garantirá novas atenções, além da homenagem.

O espírito de Hilda Hilst continua a inspirar gerações de artistas e linguagens distintas. Foi na Casa do Sol em que a escritora viveu, escreveu e criou dezenas de cachorros que aconteceu a oficina-residência que deu na revista Baiacu [Todavia, 2017, 320 p.], organizada por Angeli e Laerte, com 20 artistas (incluindo los dois amigos organizadores).

Zeca Baleiro e Hilda Hilst trabalhando nos poemas do disco. Foto do encarte de Ode descontínua e remota para flauta e oboé – De Ariana para Dionísio. Reprodução

Falecida em 2004, Hilda Hilst não chegou a ver pronto o disco Ode descontínua e remota para flauta e oboé – De Ariana para Dionísio [Saravá Discos, 2006], produzido por Zeca Baleiro, com poemas (de Júbilo, memória, noviciado da paixão) musicados pelo artista nas vozes de 10 cantoras brasileiras – Rita Benneditto, Verônica Sabino, Maria Bethânia, Jussara Silveira, Angela Ro Ro, Ná Ozzetti, Zélia Duncan, Olivia Byington, Mônica Salmaso e Ângela Maria.

Mais de uma década depois, o disco credencia o maranhense à Flip. Ele participa da mesa “O escritor e seus múltiplos” (domingo, 29 de julho, às 12h), com a atriz Iara Jamra e o fotógrafo Eder Chiodetto. Na conversa, segundo o material de divulgação da Flip, “uma atriz, um compositor e um fotógrafo que fizeram obras baseadas em Hilda Hilst relembram os encontros com a autora, o processo de criação e as marcas que a experiência deixou em suas trajetórias”.

“Vou falar sobre nossa parceria no disco Ode descontínua e remota para flauta e oboé – De Ariana para Dionísio, que lancei em 2006. É um disco de cantoras, de atmosfera musical medieval, com canções que compus sobre seus poemas. É um trabalho do qual muito me orgulho”, comenta Baleiro com exclusividade a Homem de vícios antigos.

O poeta Reuben da Cunha Rocha. Foto: Ilana Lichtenstein

Outro maranhense que estará na programação é o poeta Reuben da Cunha Rocha, vulgo cavalodada, radicado em São Paulo. Ele apresentará a performance Cantares do sem nome (sábado, 28 de julho, às 17h30), baseada em tema da homenageada.

“A performance foi um convite da curadora Josélia Aguiar. Vão ser três performances, quinta, sexta e sábado, cada uma dialogando com um aspecto da obra da Hilda Hilst. Uma é Do desejo, a outra é Da partida, sobre a morte, e o Cantares do sem nome, que é esse lance cósmico e divino que aparece no trabalho dela”, antecipa Reuben com exclusividade ao blogue. “São questões que nos ligam. Foi muito sensível essa sacada”, continua.

“Senti isso como uma grande responsabilidade. É uma dimensão assombrosa da obra de Hilda Hilst e ao mesmo tempo uma incumbência alegre por causa da relação que eu tenho com o assunto”, finaliza Reuben.

Teatro fantástico

Cláudio Marconcine e Jorge Choairy em cena em Velhos caem do céu como canivetes. Foto: divulgação

 

A curta temporada de Velhos caem do céu como canivetes encerrada ontem (4) marcou seu retorno à São Luís, após circulação por cidades do Mato Grosso e Mato Grosso do Sul, pelo programa Petrobras Distribuidora de Cultura. A peça está há cinco anos em cartaz e inicio este texto com uma espécie de mea culpa: como é que eu nunca a tinha visto antes?

Essa, aliás, deve ser a reação de qualquer um/a que assista esta ou qualquer peça da Pequena Companhia de Teatro pela primeira vez – foi o impacto que me causou, por exemplo, a também ótima Pai e filho, baseada em Carta ao pai, de Franz Kafka. A de ontem é baseada no conto Um senhor muito velho com suas asas enormes, de Gabriel García Marquez. Para o segundo semestre de 2018 o grupo anuncia uma adaptação teatral de Jorge Luis Borges.

A transposição de gêneros marca o trabalho da Pequena Companhia de Teatro e uma característica interessante, tanto de Pai e filho, quanto de Velhos caem do céu como canivetes, é o livre exercício da imaginação de Marcelo Flecha, dramaturgo autor de ambos os textos. A Carta ao pai kafkiana, nunca enviada, é originalmente um monólogo, obviamente, por tratar-se de epístola – ainda que nunca enviada; no conto do colombiano, a criatura alada que cai em um quintal não fala.

São os diálogos a grande força do fazer teatral da Pequena Companhia de Teatro. Tanto Pai e filho quanto Velhos caem do céu como canivetes, ambas encenadas por Cláudio Marconcine e Jorge Choairy, são basicamente conversas. Mas não há espaço para conversa fiada na obra de Flecha, embora na segunda haja espaço para um humor, ao menos a quem se dispõe a rir de si mesmo – e que fecho sensacional!

Digo basicamente conversas, mas é necessário apontar que isto não significa descuidar de todos os outros detalhes que compõem a cena: cenário, figurino, maquiagem, vozes, trejeitos, trilha sonora, iluminação, tudo a serviço do texto, da atuação do par de atores. A Pequena Companhia de Teatro só é pequena no nome e no número de componentes – além do trio já citado completa o time a diretora de produção Kátia Lopes. Esta trupe não apenas faz teatro: acima de tudo, pensa teatro.

Uma criatura alada cai, não se sabe de onde ou de quando, no quintal de um catador de materiais recicláveis. O embate se inicia com a estranheza do anfitrião à força, que não sabe se seu hóspede é um anjo, um demônio ou um frango – alucinação possível motivada pela fome. Sem nada para comer ou dar de comer, é tão somente uma lata d’água que ele oferece ao curioso e improvável visitante.

Velhos caem do céu como canivetes tem um caráter distópico e metafórico: não somos nós mesmos este catador de materiais recicláveis, ex-artista plástico? Ex por que estes foram banidos no tempo da ação, um futuro, breve ou distante, ou a égide do ilegítimo, não sabemos precisar. Tudo é muito bem costurado na trama de Flecha e aqui e ali pipocam críticas à sociedade de consumo, a governos ilegítimos, religiões e a mazelas como a fome, num texto também sobre exílios: a criatura alada fora de seu habitat e o catador exilado de sua condição de pessoa humana, sem o básico para sobreviver. Mas que fala bonito, como reconhece o visitante. “Leio”, o anfitrião usa o mesmo verbo para responder a diversas perguntas daquele, citando livros e dicionários que também catava.

Longe de hermética, para ver ou entender a peça não é preciso ter lido o texto original no qual se baseia Velhos caem do céu como canivetes. Mas é necessário estar disposto/a a pensar, a refletir, condição válida em qualquer encenação da Pequena Companhia de Teatro, uma verdadeira escol(h)a de resistência, a começar pela opção de manter uma sede – e ali encenar, inclusive às segundas-feiras – no Centro Histórico da capital maranhense, quando muitos têm feito um percurso contrário, mas este é outro assunto.